梼原に新しくできた図書館を見に行ってきました。

愛媛県との県境近くにある高知の山奥の町・梼原町には隈建築が６つもあります。
６，７年前の地域おこし協力隊時代に何度か訪れましたが、
その頃は隈建築は町役場、まちの駅、雲の上レストラン（ホテル）、雲の上ギャラリーの４つでしたが、
2018年に新しく図書館と福祉施設ができ、かねてより見に行きたいと思っていました。

とくに図書館は、太宰府天満宮参道のスターバックスや、サニーヒルズなどのように、
木材を斜めに組み合わせて配し、あたかも大きな樹の下で本を読んでいるような、
有機的な空間を実現しています。

まずは外観から。
木をふんだんに使っていますが、構造的には鉄骨造（一部木造）であり、
木は装飾として使われている感が強かったのが意外でした。
本音を言えばちょっとがっかり。
意匠として十二分に木のイメージは出ているのですが、
木は建物を根幹的に支えているわけではなく、あくまでサブ的な立場になっている気がしたから。

いよいよ中に入って。
まず目につくのはやはり斜めの筋交いによる樹木群。

圧倒的な「樹」の存在感。
それは確かにスゴイ。
あたかも森のなかの樹々の下で読書してるようなリラックスした雰囲気を醸し出しています。
ただ、よくよく見ると全体の空間に対して樹々の数は少なく、
一部構造を担っているにしてもその感じはあまり出ておらず、
装飾に留まっているのが少々物足りませんでした。

日本には美しい伝統木造建築が数多く存在しますが、
そのほとんどは直交の筋交いによるものです。
「直交」は効率的な工法には必要不可欠なものであり、
斜めに組むことはより高度な技術が必要とされます。

それでも隈さんがこの図書館や太宰府のスタバやサニーヒルズなどで
継続的に斜め筋交いに継続的に取り組んでいるのは、
より人間らしさを求める新しい木造建築の姿を模索しているからではないでしょうか。

直交だけじゃなくていいんだ。建築はもっと自由でいいんだ、
というメッセージを自分は感じました。

小さいですがボルダリングウォールもありました。

隣の体育館（隈建築ではありません）。

新施設は周辺との調和を意識しているのが伺えました。

まちの駅。

外壁の色合いが明らかに色褪せていました。
この建物は果たして悠久の時を乗り越えられるでしょうか。

町役場。

休庁日につき中には入れず。

お隣のゆすはら座（隈建築ではありません）。

雲の上レストラン。

よくよく近づいてみると木造であり、
木の朽ち具合が時の流れを感じさせますが、
意匠として古臭さは感じさせず、本質的な造形美を備えているのを感じます。

雲の上ギャラリー。

こちらも木が朽ちてかつての「目新しさ」はなくなっているもの、
本質的な造形美は相変わらずで、惹きつけられるものがあります。

新しくできた二つの隈建築は果たして永い時を超えられるか。
永い目で見守ってゆきたいと思います。

訪問日：2019年8月17日（土）午後

【開館時間】10：00〜21：00

【休館日】毎週火曜日ほか資料整理日、蔵書点検日

愛媛県美術館で開催されていたエッシャー展に行ってきました。
（訪問日：2019年5月25日AM）

※本展はすでに終了しています。

いつもながら遅いレビューですが。

2007年に東京渋谷のBunkamuraザ･ミュージアムで開催されたスーパーエッシャー展以来、
12年ぶりにエッシャーの絵を見ました。

今回は世界最大級のエッシャーコレクションを誇るイスラエル博物館から、
選りすぐりの152点が日本初公開とのことですが、全部が初見ではなく、
中には前回見たものもいくつかありましたが、
やはりエッシャーの絵は何回見ても心湧き踊るものがあります。

エッシャーといえば、正則分割による錯視、いわゆる「だまし絵」の作家として有名です。
その綿密に計算しつくされた精緻さ、構成に心奪われるものですが、
今回の展示ではエッシャーの作品は単なる技巧だけでなく、
情緒豊かな感性により人の心を捉えるのだとあらためて思いました。

技術だけが人の心を魅了するのではない。
良い感性が、良いデザインが、技術を生かすのだ。

技術と芸術の両立されてこそ、良いものができあがる。

例によって会場内は撮影禁止なので、今回特に心に留まった3枚の絵をpinterestよりピックアップ。

［水没した聖堂（1929年）］

まるで地球の未来を予見しているかのような。

［地下聖堂での行列（1927年）］

これはスーパーエッシャー展でも見ましたが、
「水没した聖堂」「空中の城」と3枚が並べられて展示されているのを見ると、
あらためて情緒的だなあ、と感じた。

［空中の城（1928年）］

エッシャーもラピュタを見てたんだ。
ラピュタは本当にあったんだ、シータ！

図録を購入。今回も正方形でした。

ゴムバンド付きで、赤、白、グレーの三色から選べます。
自分はカバー色と同じグレーをチョイス。

エッシャーの技巧的側面に目が行った12年前、情緒的側面に目が行った今回。
あらためて自分の視野の広がりを感じれた良い展覧会でした。

坂の上の雲ミュージアム。
安藤忠雄設計により2007年に開館。

「坂の上の雲」は司馬遼太郎の歴史小説。
1968年から1972年にかけて産経新聞夕刊紙に連載されました。
2009〜2011年にかけてNHKでドラマ化もされました。

三人の主人公秋山好古、真之兄弟と正岡子規の故郷、ということで、
本作の史料を展示するミュージアムが松山市のど真ん中、松山城の麓にあります。

愛媛に来て8年、ようやく来ることができました。
来媛直後から気にはなっていたのですが、なにぶん街なかにあって駐車場がなく、
田舎暮らしで公共交通機関がほとんど利用できない状況だったので、
なかなか訪れることができませんでした。

GWの中日、久しぶりに松山駅前の喜助の湯に入りに行くことにしました。
ここは4時間まで駐車場が無料になるので、その時間を利用して、
藤が見頃の庚申庵を見た後、市電で坂の上の雲ミュージアムへ行くことに。

外観は何度となく見ていたのですが、中に入ってはじめて、
あらためてこの空間の素晴らしさを実感しました。

小ぢんまりながら想像以上に素晴らしい空間でした。

外からは道路に面する一面しか基本的には見えないので分かりづらいですが、
上から見るとほぼ正三角形の形をしています。

［Google Earthによる航空写真］

立体的には三角柱ですが、真っ直ぐではなく、微妙に逆ピラミッド状に傾斜しており、
見た目以上に複雑なフォルム。

エントランスのある面は細い路地になってます。

ガラス窓に反射する緑が栄えます。

建物は地下1階、地上4階となってますが、地上1階まではスタッフ専用階で、
一般客は2階から入館します。

いよいよ8年越しに中へ。

入ってすぐのロビー。

縦長の空間で、まだ建物全容を感じることはできないのですが．．．

ホールを見て、この建物が三角であることに気づく。

3階への吹き抜けとなってます。

2階は基本的に無料エリア、ここから先が有料エリアになります。

ライブラリー。

建物模型。

図面。

安藤さんのスケッチ。

3階から4階へと架かる無柱階段の存在感がスゴイ。

上がる時はスロープで登り、4階から降りてくるときにこの階段を使います。

2階から3階への通路。

ピッカピカのコンクリート壁。

クラックが入っているのが少し気になりました＾＾；

3階企画ギャラリー。

3階展示室１の戦艦模型。

萬翠荘への眺望が素晴らしい。

3階から4階への通路。

４階の展示室３。

トップライト窓も三角。

床もトライアングル。

端の端。

ぶっちゃけ、生粋の愛媛人でもなければ司馬遼太郎ファンでもないので、
展示資料はそこそこに、展示空間にばかり目が行ってしまいました。
入館料もさほど高くないし、建築好きであれば本作をさほど知らなくとも
この空間を堪能できると思います！

【訪問日】2019年5月2日午後

アクセス：　JR松山駅より10分　市内電車「大街道」下車徒歩2分

開館時間：　9：00〜18：30（入館は18：00まで）

休館日：　月曜日（休日の場合は開館）

観覧料：　一般400円、65歳以上・高校生200円、中学生以下無料

松山出身の俳人といえば、幕末から明治に生きた正岡子規が有名ですが、
その前に江戸時代に活躍した俳人として栗田樗堂がいます。

酒蔵の三男として生まれ、17歳のときに同業の栗田家の養子に入り、その蔵を継ぐ。
養父及び妻が俳人であったことから自然と俳諧に慣れ親しむ。
松山藩の大年寄になるなど精力的に活躍していたが、五十を超える頃、
浮世を捨てて俳諧に専念するために草庵・庚申庵を建てました。
樗堂はここでの隠遁生活を望むも、その有能さゆえか周囲はそれを許さず、
庚申案での生活はわずかな期間だったと言います。
その後、樗堂は俗世から逃れるために御手洗島（現在の広島県・大崎下島）に移住し、
そこで66年の生涯を終えます。

俳人としての腕前は相当なものだったようで、
当時発行された俳人番付で、あの小林一茶が末席だったのに対し、
樗堂はかなりの上位に列せられていました。
実際、一茶はかなり樗堂をリスペクトしていたようで、二度ほど樗堂の元を訪れています。

とくに誹諧に興味があったわけではなく、
テレビでふじまつりの様子を見て、行きたくなりました。

少々満開の時期を過ぎていましたが、なかなか見事な藤棚でした。

月光を浴びて　藤棚に　幾千の花房けぶる　冷えびえとして　みよ

松山駅から喜助の湯の裏手に出て、いよてつ線路沿いに歩くこと10分で到着。

ビル群の一角にひっそりと佇む。

一番の見所はやはり藤棚。

この草庵からの眺めがまた格別。

素朴な草庵もなかなか良い雰囲気。

四角の蹲。

江戸時代の俳人番付。

樗堂が前頭だったのに対し、一茶は．．．
当時樗堂がいかに全国に名を馳せていたかが伺えます。

GW十連休の真ん中でそれなりに人は多かったですが、行列ができるほどでもなく、
じっくり空間を堪能することができました。

アクセス：　JR松山駅より徒歩10分

開園時間：　10：00〜18：00

休園日：　水曜日

入園料：　無料

久々の東京出張。
帰りの飛行機までの時間を利用して、久々のお江戸での美術鑑賞。

東京都美術館でのムンク展に続いて、
三菱一号館美術館で開催中のフィリップス・コレクション展へ。

フィリップス・コレクションは裕福な実業家の家に生まれた
ダンカン・フィリップスが蒐集した美術作品群です。
1918年に法人化し、1921年にこれらのコレクションを展示する場として、
ワシントンDCにフィリップス・メモリアル・アート・ギャラリーを開館しました。
これはMoMAの開館よりも8年も早く、アメリカで最初に開館した近代美術館とされています。

ダンカン・フィリップスは1966年に亡くなりましたが、
その精神はフィリップス・コレクションに受け継がれ、
現在、同コレクション所蔵品数は4,000点以上にもなります。

本展はこの世界有数の近代美術コレクションの中から、
アングル、コロー、ドラクロワ等１９世紀の巨匠から、
クールベ、近代絵画の父マネ、印象派のドガ、モネ、印象派以降の絵画を牽引した
セザンヌ、ゴーガン、クレー、ピカソ、ブラックらの秀作７５点を展覧するものです。

三菱一号館美術館は展覧会ポスターがセンス良くて好きです。

会場内は原則撮影禁止ですが、一部複製作品を撮影できるコーナーがあります。

［ウジェーヌ・ドラクロワ「海からあがる馬」（1860年）］

一頭の馬に跨がりながら二頭の馬を操るたくましい男の姿。
ドラクロワの絵にはダイナミックなエネルギーをいつも感じる。

［ピエール・ボナール「犬を抱く女」（1922年）］

これまであまり見たことのないボナール。
国立新美術館で開催中のボナール展も見たかったなあ。

［ハインリヒ・カンペンドンク「村の大通り」（1919年頃）］

カラフルな田舎の風景。
どこかフランツ・マルクの絵と雰囲気似てるなあ．．．
と思ったら青騎士のメンバーだったんですね。

［フランツ・マルク「森の中の鹿 Ⅰ」（1913年）］

青騎士の代表的メンバー。
鹿もいいけど、やっぱりフランツ・マルクは青い馬が見たい。

［ジョルジュ・ブラック「鳥」（1956年）］

本展で一番多かったのがブラックの作品でした。
が、自分的にはあまり響かなかったなあ．．．

その他お気に入りの作品をpinterestから。

［ジャン・シメオン・シャルダン「プラムを持った鉢と桃、水差し（1728年頃）］

セザンヌの静物画と比較したら面白いだろうなあ．．．
本展でもセザンヌの作品はありましたが、自画像と風景画のみで残念ながら静物画はなく。

［ドミニク・アングル「水浴の女（小）」（1826年）］

解剖学的な正確さの表現よりもあくまでも美しく見えることにこだわったアングル。
この絵はいくつかバージョンがあるみたいですね。

［エドゥアール・マネ「スペイン舞踊（1862年）］

印象派の先駆け、マネ。
本作も実際の光景ではなく、モチーフを再構成して描きあげているという。
「草上の昼食」への布石が垣間見える。

［ギュスターヴ・クールベ「地中海」（1857年）］

茫漠たる広大な海。
いつの世も海原は人を惹きつける。

［フィンセント・ファン・ゴッホ「アルルの公園の入り口」（1888年）］

芸術家たちの共同体を夢見てゴーギャンの到着を待つゴッホ。
その先に悲劇が待っているとはつゆ知らず。

［ポール・ゴーガン「ハム」（1889年）］

お世辞にも美味しそうには見えないハム。
ゴーギャンはこの絵で何を表現しようとしたのだろうか。

［ベルト・モリゾ「二人の少女」（1894年）］

印象派で唯一の女性画家らしく、
お洒落でありながら温かみも感じさせるところが好き。

［エドガー・ドガ「稽古する踊り子」（1880年はじめー1900年頃）］

何度もポーズを修正した跡が見えるところにドガのこだわりが見える。
一流の画家にかかれば失敗すらも画風になるのがスゴイ。

［エドガー・ドガ「リハーサル室での踊りの稽古」（1870−72年頃）］

練習に打ち込む踊り子たち。
熱気に満ちているはずなのに、どこかひんやりとした空気が流れているように見えるのは
当時踊り子たちが富裕層の欲望の対象だったことのドガの冷ややかな心情からだろうか。

［アンリ・ルソー「ノートル・ダム」（1909年）］

ルソー晩年の作品。
想像力で世界を旅した画家が長年自分が働いた町を振り返る。
郷愁をシュールな画風で表現するところが好き。

［アメデオ・モディリアーニ「エレナ・パヴォロスキー」（1917年）］

モディリアーニといえば、瞳のない魂の抜けたような表情が特徴的なんだけど、
この絵はうっすらながらも瞳のある表情が珍しくて気になった。
画家はどのような想いでこの絵を描いたのだろうか。

［ジョルジュ・ルオー「ヴェルレーヌ」（1939年頃）］

敬虔な宗教画家が破滅的な詩人を崇拝していたのが意外だった。
ランボーと出会うことで妻を裏切り、破滅的な人生を歩む詩人をマリアが見守っている。

［オスカー・ココシュカ「ロッテ・フランツォスの肖像」（1909年）］

表情からは幸薄そうな感じがするのだけど、
装飾美術出身らしく全体的には華やかな雰囲気を醸し出しているのがシュール。

彫刻作品も充実。

［パブロ・ピカソ「道化師」（1905年）］

道化の画家が道化師を生真面目に表現する。
そこがシニカルでシュール。

［アルベルト・ジャコメッティ「モニュメンタルな頭部」（1960年）］

荒々しいタッチの顔は立体の印象派という感じ。
周囲の空気に押しつぶされてできたような面長の顔が独特な雰囲気を醸し出す。

［ヘンリー・ムーア「ファミリー・グループ（1946年）］

仲睦まじい家族像。
父親の身体に穴が空いているのは暖かさの中にもある空虚心ではなく、
あくまで腕を分かりやすく表現するため、と思いたい。

本展には関係ないですが、中庭にはエミリオ・グレコの彫刻が。

［エミリオ・グレコ「うずくまる女 No.3」（1971年）］

それにしてもこの美術館は空間が素晴らしい。

決して広くはないのだけど、くつろいで見ていられる。

図録。2500円なり。

訪問日：　2018年10月30日（火）午前