Tadaoh! Design

僕は元々写真を撮るのも撮られるのも苦手でしたが、
人を撮るのがとくに苦手。

ブログをやるようになってたくさん写真を撮るようになりましたが、
それも主に人が写ってない風景がほとんど。

たいした技術もないからいちいち被写体に断って撮ることはもちろんしないし、
黙って撮影することは人のプライバシーに土足に踏み込む気もする。

ただ、それだけではない気もする。
人を撮る、ということは撮る人と撮られる人とのコミュニケーションなのかもしれない。
写真を撮るのが苦手、ということはすなわちコミュニケーションが苦手、ということ。
それもあるかもしれない。

授業でリチャード・アヴェドンのドキュメンタリー映画、
「Darkness & Light （闇と光）」を見ました。

リチャード・アヴェドンはファッションカメラマンとしてその名を馳せました。
つまり撮る対象は「人」です。
僕とは真逆の位置にいる。

僕は美しいけれど現実感のない、感情のないいわゆるファッション写真、
というものがどうも好きじゃなかった。
そこに写るモデルたちはマネキンとなんら変わりないように思えた。

だけど彼の写真は違った。
そこにはモデルの感情が表れていて、生き生きとしてた。
そこにはカメラマンとモデルの間に良いコミュニケーションがあった。

アヴェドンは自分の写真はカメラマンである自分に主導権がある、
と自らが語っていた。
モデルの意志も、もちろん反映されているのだけれど、
どのポーズのどのネガを使うか、
その最終決定はカメラマンであるAvedonが決める。

カメラマンとしての力量あればこそ、の自信なのでしょうか。

数あるマリリン・モンローの写真とはなにかが違う。

憂いを帯びたその表情に女優の本音がにじみ出ている気がする。

ナスターシャ・キンスキーとスネーク。
こちらはキンスキーが無表情であることで逆に
彼女の耳にキスするスネークの感情が生き生きとしてくる気がする。

道具は使う人によってその能力の引き出され方が違ってくる。
またそれが道具が持つ能力ともいえる。
優れた人が使えば素晴らしい成果が得られる。
カメラはこのような優れた道具なのです。

優れた道具が優れた人に使われることによって生まれた写真も、
やはり優れた人の「見る目」によってさらに良い写真となる。
だから見る方も見る目を養わなければならない。

優れた道具を創りだす人がいて、
優れた道具を使いこなす人がいて、
優れら道具により生み出されたものを正しく評価できる人がいる。

この世は三人の賢者によってより美しくなる。

［ブラザー・クラウス野外礼拝堂 - Wikipediaより］

ピーター・ズントーもさることながら、世界文化賞なるものもよく知らなくて。

こういうときはWikipedia。

正式には「高松宮殿下記念世界文化賞」。
1988年、日本美術協会により設立、
文化芸術の分野でノーベル賞を補完しようとするのが目的、
「絵画」、「彫刻」、「建築」、「音楽」、「演劇、映像」の5部門で優れた人物に授与。

建築分野での過去の受賞者を見ると、

I.M.ペイ、フランク・ゲーリー、丹下健三、レンゾ・ピアノ、安藤忠雄、
アルヴァロ・シザ、槇文彦、ジャン・ヌーヴェル、レム・コールハース、
オスカー・ニーマイヤー、谷口吉生．．．

蒼々たるメンバー。

彫刻部門ではあのダニ・カラヴァンもいます。
三宅一生って彫刻やってたっけ？

まあとにかくすごい賞なわけだ。
プリツカー賞とどちらがすごいんだろ。

村野氏の建築の特徴は、建築とその周囲の境界の「融合」にあるといえます。

壁と屋根が融合し、建物と大地が融合する。
自身がその個性を主張する建物が多い昨今、
建築は大地に根ざしたものであり、動かないものであり、
だからこそ周囲との「融合」が大切なのだということを氏の建築は再認識させてくれます。

それでいて建築そのものの存在感を曖昧にさせない。
そのための工夫が「回廊」なのかもしれない。
氏の建築で回廊が特徴的なのはそのせいではないでしょうか。

そんな氏の建築の特徴が、

　　「日生劇場」
　　「千代田生命ビル（現・目黒総合庁舎）」
　　「新高輪プリンスホテル」
　　「谷村美術館」

などの作品に効果的に発揮されているような気がします。

ネットで村野作品の画像を引っ張ってきました。

日生劇場（日比谷）。

その内部。

千代田生命（現・目黒区役所）

回廊部分。

その内部。

新高輪プリンスホテル（品川）

谷村美術館（糸魚川）

回廊部分。

その内部。

世界平和記念聖堂（広島）。

最後に図録を買いました～。

定価約3千円ですが、この展示期間中は2,500円に割引されます。

また一人、良い建築家を知ることができました。

［スワンチェア＆エッグチェア］

DVDのパッケージも彼の代表作である
アントチェア、スワンチェア、エッグチェア、セブンチェアの4つのチェアでデザイン。

曲線を使って優美に描かれたそのデザインは今なお斬新です。
現在もフリッツ・ハンセン社で製造販売されています。
日本ではヤマギワやセンプレなどで購入できるようです。

興味のある方は以下のそれぞれのチェアの画像もしくはチェア名に
張られているリンクをクリックしてみてください。
ヤマギワやセンプレのオンラインショップを紹介するページにジャンプします。

僕が一番好きなのはエッグチェアかな。

DVD中でヤコブセンの関係者がエッグチェアで円陣を組んで
対談する光景は圧巻だけどちょっと異様な気もしたけど。

続いて世界でもっとも売れたチェアとも言われるアントチェア。

イームスチェアに触発されて作られたものだとか。
背板の形状がアリの形をしていることがその名の由来となっています。
「手軽なものを」というそのコンセプトから、
ヤコブセンのチェアの中では比較的お手頃な値段となっています。
それでも7万近くするけどね。

続いてスワンチェア。

姿がSWAN（白鳥）に似ている事からその名がつけられたこれまた美しいイス。
エッグチェアと共にヤコブセン自身が手がけたコペンハーゲンのSASロイヤルホテル
に置くイスとして設計されたもの。

［SASロイヤルホテルに置かれるスワンチェア］

さらにセブンチェア。

アントチェアの後継として開発されたイスだとか。
そのせいかアントチェアよりもさらに1万円ほど価格が安くリーズナブルになっています。
たぶんヤコブセンのイスの中では一番安いのかな。

セブン．．．とくれば次はエイトチェア。

ヤコブセンが最後に手がけたイス。
その複雑な曲線ゆえに製造が難しく、
当時は生産品の3/4が廃棄処分せざるを得なかったとか。

ヤコブセンの息子の言によれば「造形に魂を売った男」の
造形にかける熱意がこれらの名品を生んだのでしょうね。

しかし空間を内包する建築に比べると、
プロダクトに思想性はあるのか、という疑問が沸き上がる。

もちろん良いプロダクトには思想は宿ると思う。
でも空間を内包しないという特性、
なにより現代社会では大量生産されるマスプロダクトであることが
その思想を弱めてしまう気がしてならない。

プロダクトか建築か。
うーん、まだまだ迷うなあ．．．

［マリン郡庁舎］

本DVDは第1黄金期を紹介する第1部と第2黄金期を紹介する第2部の2部構成。

彼の建築を紹介する、というよりは彼の人生を紹介することにより
フランク・ロイド・ライトという人となりを明らかにする、という側面が強く、
デルファイ研究所のDVDに比べると建築的なアプローチは弱い気がします。

彼の建築の思想を知る、という点では今一歩物足らなかった。

ライトの人生については谷川正巳さん著のSD選書のレビューで
書いているのでここではあえて書きませんが、
もっとも優れた建築家であると同時に、
もっともダイナミックな人生を送った建築家でもあります。

三度の結婚、不倫による逃避行、使用人に最愛の家族を惨殺されるという悲劇．．．

しかしこのダイナミックな人生が彼の建築を豊かなものにしたのかもしれません。

建築作品は現地まで足を運んで実物を眺め、その空間に足を踏み入れることで
その真価が理解できるものだと思いますが、
全ての建築に対してそのような機会が与えられるわけでもない。

今のところNYのグッゲンハイム美術館しかまだライトの空間に足を踏み入れていないし、
池袋の自由学園はまだその外観しか拝んでない。

だから言葉によるその思想の伝達がとても重要になるわけで。
ライトの著書「建築について」（SD選書）を読もうとしましたが、
コルビジェ以上に読むのが難解で下巻のはじめで挫折してしまいました。

だからライトの建築思想について言葉の面からアプローチしようにも
「プレーリーハウス（草原住宅）」、「有機的建築」というキーワードを思い浮かべるくらいで
僕にはまだ彼の建築思想を言葉で整理できない。

あれだけ多くの優れた建築があるにも関わらず、
コルビジェやルイス・カーン、I.M.ペイのように明確なビジョンが見えない。

ただ、感覚的に彼の建築は「素晴らしい」と感じるけど、
それだけでは単なる建築ファンに終わってしまうし、それは嫌だ。
感じた感覚を理性で整理できなければ、
自分のオリジナリティというものは生まれてこないし自覚もできないと思う。

．．．じっくり時間をかけて研究するに値する建築家なのかもしれない。

彼が建築界に残した功績はあまりに大きく広範囲だ。
天才の考えることを凡人が理解するのは難しいことなのかもしれないけど
それでも彼から学べることは多い気がする。

第2部の最後のライトへのインタビュー。

　　レポーター（以下"R"）：　「死を恐れますか？」

　　ライト（以下"W"）：　「全然怖くない。死は最高の友達だ。」

　　R：　「自分は不死身だと思いますか？」

　　W：　「もちろん。今まで私は不死身だった。これからもそうだろう。
　　　　　　年齢的に若いということに意味などない。まったくね。
　　　　　　だが若さは資質であり失われはしない。
　　　　　　それが不死身ということだ。」

　　R：　「有り難うございました。」

　　W：　「興味を持ってもらえたならいいが・・・」

　　R：　「もちろん」

　　W：　「そんな確信はないがね」

そう言って笑う晩年のライトの姿に彼の信念と思想が垣間見えた気がしました。

世間の評価なんてくだらない。
問題は自分がどう捉えるかだ。

そうじゃないか？

［ルーブル、ガラスのピラミッド内部］

東洋人らしく、彼の言葉は哲学的で心に響くものが多い。
優れた建築家は優れた思想を持っているんでしょうね。

ネットからひろってきた画像と共に心に残った彼の台詞をピックアップしていきます。

流行に興味がないものは本質を捉えるしかない。
本質を捉えるには時間をかけるしかない。

デザインとアートの違いについて、その解を得るための1つのヒントのような気がしました。

肩書きは所詮自分や他人のアイデンティティを理解するための1つの過程でしかない、
ということでしょうか。
肩書きやレッテルは所詮ラベルでしかなく、
ラベルはラベルを貼られるものの本質を表現するものではない。

今の世の中時間をかけることは悪だとされますがはたしてそれは良い風潮なのか。
どんな世の中になっても時間かけて成熟させるべきものがあるのではないか？
．．．ということを考えさせられます。

彼は師にも恵まれたようです。
最初はあのグロピウスに学ぶもさほど影響を受けず。
アルヴァ・アアルトやマルセル・ブロイヤーに大いに影響を受けたようです。
そして実際に師事したわけではないですがコルビジェからも影響を受けた。
あの黒縁眼鏡もそうなのかな．．．

彼の幾何学図形、とくに三角形へのこだわりがどこから来るのか、
その答えがここに表現されている気がします。
構造を考える人が別にいるにしても、
建築家自身も構造を理解すべきだという点に本質があると思います。
デザイナーは形を考えれば良いではない。
「本質」を表現しなければならないのだ。

［中国銀行ビル］

「従来の機能に従う形態ではなく、構造に従う形態」で設計されたビル。

とかくその派手さに目がいきがちな芸術ですが本質は見えないところで
ゆっくり流れているものなんでしょうね。
革新はそれを端的に一部を表したものに過ぎない、と。

［MIHOミュージアム］

日本にも建築物があったんですね～。
行ってみたい．．．

［ジョン・ハンコック］

今見ても斬新な外観ですが竣工直前にビルの1/3の窓ガラスが風で落下してしまい、
ペイの評判を下げてしまった曰く付きの建物。
天才にも失敗はある．．．という例でしょうか。

［ナショナルアートギャラリー東館］

ジョン・ハンコックタワーでの一件から名誉挽回した建物。
やはり三角形がキーフォームになってます。

［ロックの殿堂］

80才を前にして設計したロックの殿堂。
いやー若い。
若いもんに負けていません。

［マイヤーソン・シンフォニーセンター］

消点ってなんだろ？消失点？
．．．うーん勉強不足です。

それまで三角形にこだわり続けたものがこの建物では打て変わって曲線を導入。
それは気まぐれな変化ではなく、連続した過程における成長の結果なんだと。

感動を与える手段は何もサプライズだけではない。
本質を正しく見える形にするだけで人は感動する。

「学ぶ」ことは「真似る」ことからはじまるけど、あくまでそれははじまりにすぎない。
真似ることからいかに学ぶか。
それを考えることが重要なんでしょうね。

真の本質は触覚にあると思う。
にもかかわらずなぜ触覚の本質は分かりづらく、視覚はここまで大きくウェイトを占めるのか。
そしてなぜ人は旅をするのか。

．．．自分の世界を作るために、自分の人生を豊かにするために。

その道は険しく、遠い。
しかし僕は今、ゆっくりではあるが一歩一歩確実に前に進んでいる．．．はず。

．．．というわけで彼のオフィシャルサイトからとくに気に入ったものをいくつかピックアップ。

まずはベルリンのユダヤ博物館。

外観だけでなく、その内部も独創的。

続いてデンバーの美術館。

そしてその内部。

マンチェスターの北部帝国戦争博物館。

地球儀を解体したところに造形のヒントを得ているとか。
「大地のかけら」「空のかけら」「水のかけら」という3つのパートで構成。

スペインはマジョルカ島にある個人アーチストのスタジオ。

作品集を探してるんですがなかなか適当なものが見つからない．．．

今のところ一番良さげなのはこれかなあ。

この本をAmazonで買う

ただ発行が2001年と古いんだよね．．．
初期から最新の作品まで網羅したものを出してくれないかなあ．．．

［トーレ・アグバール］

アブダビの文化施設やトーレ・アグバールは新しすぎて、
このDVDにはまだ収録されていませんでした。

新たに知った建築物として気に入ったのはDVD冒頭に出てくるルツェルン文化会議センター。
45mの支えなしの片持ち梁屋根が映し出す空に飛び出す鋭角な三角形が独創的。

そしてなんといっても一番好きなのはパリのアラブ世界研究所。
四角い立方体という平凡な造形をここまで独創的にできる手腕がすばらしい。
建築物に対する感動は造形だけで与えられるものではない、ということを教えてくれます。
ストーリーが重要なんだと。

ガラスを多用するのが彼の特徴ですが、その心はなんなのか。
その答えが以下の台詞にある気がします。

触覚は原始的な感覚だけど、
表現という面においては確かに視覚よりは難しいものなのかも。

でもそこにある、という存在の自覚がより感動を増すものになると僕は思うし、
そこが三次元の魅力なのだと思う。

光は触覚への導線なのかもしれませんね。

うーん勉強になるなあ。

コルビジェに学び、多大な影響を受けたそうですが、
その片鱗が彼のスケッチに現れている気がします。
すいすいとと描くけして精巧とは言えないけど本質を如実に表しているそのスケッチは
どことなくコルビジェのものと似ていると思うのは僕だけでしょうか。

彼は当時の大統領ジュセリーノ・クビチェックと共に、
それまでの首都であったリオ・デ・ジャネイロから新首都ブラジリアへの遷都にあたり、
新首都の主要な建物群を設計しています。

コルビジェもインドのチャンディガールの都市計画で行っていますが、
一国の首都を一から都市計画するこのプロジェクトにはさぞかし羨望のまなざしで
見つめたのではないでしょうか。

モニュメンタル大好きな僕としてはそのような建築が群を成しているブラジリアは
さぞかし理想的な都市だろう．．．

．．．と思っていたのですが映像を見る限りはそれほどでもなく。
ニーマイヤーの建築がどうのこうのいう前に、

　　「モニュメンタルは群を成してはならない」

と思うのです。
モニュメントは周囲の静謐の中にぽつんとあってこそ、
その象徴性が際立つのであって、群を成せば皆同じになってしまって
その象徴性が失われると思うのです。

最後にネットでひろってきた彼の建築作品の画像を並べてみます。

コルビジェチックな建物。

ブラジリアの国会議事堂。

教会も創ってます。

その内部。

住宅も造ってます。

集合住宅だって。

オスカー自身のミュージアム。

映画館も創ってます。

家具も創ってます。

どことなくコルビジェっぽい。LC4に似てますよね。

直線志向の強い僕としてはニーマイヤーの曲線は勉強になります。
見に行きたいけど地球の裏側は遠いなあ．．．

やはり動画というメディアは情報量が多く、写真や言葉だけでは少々分かりにくかった
部分が明確になった気がします。
カラトラバの建築に対する考えがこのビデオでさらに分かった気がします。

以下ビデオ中で印象に残った台詞を記述します。
写真はオフィシャルサイトから。

［リヨン空港のTGV駅］

手を失っても目さえあれば、なんて素直には思えないけどデザインをしていく上で
「感覚」が重要だということをあらためて再認識させられました。
あと、カーンの本で気付いたことだけど触覚の二次的感覚として、
視覚の重要性も再認識しました。

ここが建築の魅力なんでしょうね。
内なる探求。それはとりもなおさず人間の内面の探求にもなるのではないか。

スケッチの重要性を認識させてくれました。
デッサンはできなくともスケッチは最低限必要なんだと。

しかしそれにしてもカラトラバのスケッチ力のすごさには驚かされます。
ひょうひょうと簡単に正確に線を引く。
最近スケッチを頻繁するようになって、正確な「線」を描くのがいかに難しいかを
痛感しているところなのです。
やはり数多くスケッチを重ねるしかないんでしょうけど。

［オリエント駅リスボン］

自然をコンセプトのベースとしながらも、自然を模倣することの難しさ、
自然を再現することの難しさを教えてくれます。
自然に敬意を払うことから建築ははじまるんでしょうね。

部分は全体のためにある。
部分と部分の関係性を考える。
それはデザインやアートの根源でもある。

［ガル駅救援センター］

同じスペイン人として先達であるガウディを尊敬している様が伺えます。

［バレンシアの映画館］

芸術と科学、造形と構造。
デザインだけでなく構造設計もおこなったカラトラバのスタンスの原点が伺えます。
技術者だった自分がなぜデザインを学びに大学へ行ったのか。
その答えのヒントがここにある気がします。

ミルウォーキーの美術館などカラトラバの建築には動く仕掛けがあるものが多くありますが
その仕掛けは単にメカニカルな要素だけでなく、花が開く過程など自然の「動き」を
参考にしており、有機的な要素に基づくものであることを教えてくれます。

［アラミロ橋］

止まっているように見えても内部では部分部分で力が働いている。
個々の力のベクトル総和で調和を保っている。
バランスの視覚化により美を表現しているところに面白さがある気がします。

［カンポ・ヴォランティン橋］

カラトラバは橋を多くデザインしていますがその根源的なものが説明されています。

［モンジュイクのオリンピックタワー］

「動きの保持」。
いままさに「保持するもの」を課題で作っているだけになんか心に響きました。
保持するのは「モノ」だけじゃない、ってことですね。

最後にカラトラバが自分の仕事に望むことが述べられています。

人はなぜシンプル化するのか。
その答えのヒントがこの辺にあるような気がします。

ああ、カラトラバってやっぱスゴイ。

［バングラデシュ国会議事堂：　Wikipediaより］

ルイス・カーンの息子、と言ってもナサニエルは愛人の子でいわゆる私生児。
カーンにはナサニエルの母親の他にももう一人愛人がいて、
カーンは正妻の家族と2人の愛人の家族と3つの家族をもっており、
しかもその3つの家族はお互い近くに住んでいたという。
それだけでもカーンのただならぬ人間性を予感させます。

3歳の時にカーンは事故により手と顔に大火傷を負います。
そのためにけして美男子と呼べない容姿なのですが
二人も愛人を囲い、正妻も離婚せずに長年に渡り彼に連れ添う。
彼には内面からにじみ出るカリスマ性、というべきものでもあったのでしょうか。

仕事はばりばりやるが私生活的にはけしてほめられたものではない。
多くの偉人によくあることですが、その偉人の息子にしてみれば、
親がどんなに偉業をなした人間でも、親からの愛情を感じられなければ
けして尊敬などできはしない。
そして親を尊敬できないことほど不幸なことはない。

それがナサニエルがこのドキュメントを作った動機なのでしょう。

その作品を見て僕らはどう思うか。
優れた建築は優れた人間性から生まれるのか？
それともやはり人間性は関係なく、能力の問題なのか？

これらの問いの対する答えが今後僕が選択すべき道に大きく影響する。
なぜなら僕は今後能力さえあればできるような仕事はやりたくないから。

映画のなかではフィリップ・ジョンソン、I.M.ペイ、フランク.O.ゲーリーなどの
ビッグネームが登場してきます。そしてルイス・カーンを称賛する。
現在では「最後の巨匠」と呼ばれ、
コルビジェ・ライト・ミースの三巨匠に勝るとも劣らない評価を得ているカーンも
その実力が評価されるようになったのは実に60を過ぎてから。
そして73歳に心不全で亡くなるまでの10年ちょっとで
彼は自分の建築に花を開かせる。

建てた数で言えば彼はそれほど多くの建築物を建てていない。
実現しなかったプロジェクトも数多くあったという。
また実現したプロジェクトの多くがその規模の大きさゆえに多くが赤字だったという。
それでも現在では彼の建築家としての評価は高い。
経済的に成功することが、建築家として成功する、というわけではないようです。

建築は長いスパンで評価される。
そして長い時間をかけて熟成する。
5年や10年で取り壊されるような代物であってはならない。
建築はその機能だけではなく、その精神が表現されるべきものなのです。
だから建築家は求道者でなければならない。
そしてカーンはまさに求道者だった。自分の内面を追求した。

自分の内面を追求する、ということはけして社会と断絶するということではない。
むしろ社会との関連性を追求するもの。
自己の内面＝エゴを知るには自己の外面＝社会を知る必要がある。
エゴを知りたいということは、社会を知りたいということだ。
エゴを良くしたいと思うことは、社会を良くしたいと思うことだ。　　

エゴを無視して社会は成り立たないし、社会を無視してエゴは成り立たない。

旅の最後にバングラデシュの国会議事堂でラサニエルは
シャムスール・ワレスという建築家にインタビューします。

ワレス（以下W）：　
　「5日目？たくさん撮った？でも建物の本質をとらえられたかな？
　　空間や光やボリュームとかをね。空間の重なりや曖昧さも」

ラサニエル（以下R）：
　「それはどうかな。この建物に映画全体の10分を割り振る」

W：　「それは残念なことだな。この建物にたった10分？」

R：　「たぶんね」

W：　「でもそういう扱い方をしたらなにも表現できません。
　　　　30年前我々の力では建てられなかった建物ですよ。ここは田んぼだった。
　　　　ルイスは使命を担ってくれたんです。我々に民主主義を与えてくれた。
　　　　民主主義を広める場としての議事堂を与えてくれたんです。
　　　　貧乏な国だということを彼は気にしなかった。
　　　　実現するか否かもね。でもお陰で見事に竣工した。
　　　　世界一貧しい国に彼の最大の建物ができた。」

R：　「命を代償にね」

W：　「この建物に命を捧げてくれた。だからこそ偉大で記憶に残る。
　　　　でも彼も人間です。家族のために尽くせないのは
　　　　偉大な人間に往々にしてあることだ。
　　　　あなたも父親を十分に理解すれば恨んだり不満を抱きはしない。
　　　　彼は独自の愛を貫いた。理解に時間がかかる。
　　　　社会生活では子供っぽく成熟してはいなかった。
　　　　断れない性格の彼だからこの建物ができた。
　　　　これがルイスの人となりだ。
　　　
　　　　とにかく議事堂を与えてくれた。
　　　　感謝してる。我々を愛してくれたんです。
　　　　あなたへの愛と少し違い我々をきちんと愛してくれた。
　　　　ここが大事だ。分かってもらいたい。
　　　　彼は世界中の人を愛したんだ。
　　　　大勢を愛するがゆえに家族がおろそかにされることもある。
　　　　彼ほどの人なら当然そういう結果になる。」

．．．涙を流して語るワレスの姿からカーンの実像と建築がもたらすものが見えてくる。

［チケット］

．．．さて記事を書くことにしたものの、すでに20日以上も前のこと。
記憶も薄れつつあるので、ここはやっぱり提出したレポートを載せるのが一番かと。

レポートの課題は、

「気になる作品を１点ピックアップして1200～1500字程度短いエッセイ、物語を作成せよ」

．．．というもの。

以下僕の提出したレポート。

-------------
優れた写真家とはいえ現代ほど写真技術が発達していない時代。
リアリティという点においてはさしてクオリティが高いとは思えない写真の数々。
リアリストの自分にとっては写真そのものだけではあまり興味を惹くものではないのだが、
作品のタイトルに詩集のタイトルをつけるという独特の作風が
写真にストーリーを喚起するものとして興味を惹いた。
写真に活力を与えている気がした。

その中でも「夜が心を洗い流す」というタイトルがつけられた２枚の写真。
そのうちの１枚から強烈なインパクトを感じた。
そしてストーリーが浮かび上がった。

・・・
砂浜で戯れる人々、打ち寄せる波。
どこにでもありそうな海岸風景を上空から撮影した写真。
もう１枚の写真では砂浜やそこで戯れる人々は消え、
打ち寄せる波で一面覆われる。

白黒写真であるせいか、本来明るいはずの砂浜が、延々と続く闇のように見える。
そしてそこで戯れる人々はその闇から抜け出そうとする光の粒子のようにも見える。

延々と続く暗闇。
そこでは何も見えず、ただ静寂があるのみ。
そこには喜びもなく、希望もない。

誰もそんな世界を望まない。
誰だって喜びの世界に居たい。

しかし。
喜びは悲しみがあるから喜びを喜びとして感じることができる。
希望は絶望があるから希望を希望として感じることができる。
光は暗闇があるから光を光として感じることができる。
光を求めるには同時に暗闇も必要なんだ。
だから誰の心にも闇はある。
どんなに平和で平穏な暮らしをしていても暗闇はある。
いや、平和や幸福といった満ち足りた光があるからこそ暗闇がある。
不安やおそれ、猜疑心といった災いをもたらす暗闇が。

暗闇の世界は辛い。悲しい。虚しい。
ずっとそこに居ると暗闇の外に光があることを忘れてしまう。
だからそういう暗闇を洗い流すしてくれる場所が僕らには必要だ。
そこが夜という場所なんだ。
夜は一見暗闇の世界のように見えるけど。
それは心の闇を写してるだけなんだ。
そして夜はそんな心の闇を洗い流してくれるところなんだ。
そうやって僕らはまた明るい朝日を、明るい未来を迎えることができるんだ。
・・・

自分は写真の歴史や写真技術については素人で、
ジャコメッリの写真技術や彼が写真界に与えた影響などについては詳しく知らない。
たぶん優れた写真技術を持っていたと思われるのだけど、
たぶん技術だけでは時代を超えて人々の心を捉えるのは難しいと思う。

言葉、絵画、彫刻、映像、写真．．．
誰かに何かを伝えるとき、その手段を人間はたくさん持っている。
それでも、誰かに何かを伝えることは難しい。
いや、難しいからこそ人々は多様な伝達手段を編み出してきたのではないだろうか。
１つのメディアだけで何かを伝えるよりも、
複数のメディアをうまく組み合わせてほうが正確で効率よく伝わる。
より多くのものをより多くの人へ伝えられる。
さらには伝えるだけでなく、今あるものから何か新しいものが誕生させることだってできる。

ジャコメッリは写真技術はもちろん、
言葉と写真の組み合わせによる表現に優れた写真家だったのではないだろうか。

優れた写真家というものはただ目の前にある風景を、ただ目の前にある世界を
正確に切り取るだけではなく、その写真から、過去から未来へと時を伝って、
多くの情報やストーリーを見る人に与えることができるのではないか。
何か新しいものを生み出すことのできるものを作り出せるのではないか。

ジャコメッリのこの１枚の写真から写真の可能性の大きさを感じることができた気がする。

-------------

．．．どの写真をチョイスしたかは観にいった人にしか分かりませんよね。

まあ写真自体は海岸を上空から撮影したモノクロ写真で、
今となってはこれといった写真には見えないんですけど、
僕としてはそこに言葉が添えられていることで
写真が生きながらえているような気がしたわけです。

最後に図録を買って帰りました。

白一色のシンプルなもの。

昨日の新日曜美術館でジャコメッリが取り上げられてたけど、
．．．よく分かんなかった。

写真ってまだまだ難しいものなのかな。

［ALESSI - レモン絞り器］

正直スタルクのデザインについてはALESSIのレモン絞り器くらいしか知りません。

でもそのデザインのインパクトは強烈で、
自分の人生においてレモン絞り器をそれほど必要としていないにも関わらず、
その造形に強く惹かれる。ほしいと思ってしまう。

　　「私がデザインしたもの全ては不必要だった」
　　「デザインとは、忌むべき表現形式だ」
　　「今後デザイナーはいなくなるだろう」

もうすぐ60歳。
単に引退して余生を謳歌する、というのならまだそれもありだと思うけど。

これらの言葉は穏やかじゃない。
世界的に認められたデザイナーともあろう人間にここまで言わせたものは何だったのか。

デザインを学び始めた身としては彼の心中を知る術もない。
でも。
それでもなんとなく分かる気はする。

デザインはその真の姿において、まだまだ社会に認知されていない。
派手さや華美な部分だけが注目され、真の姿、存在意義が理解されていない。
ここ1,2年デザインを学んでみて、そんな気がしてなりません。

人を惹きつける、という意味では派手さや華美な部分はけして無用なものじゃない。
でも、それらはデザインのゴールではなく、単なる通過点に過ぎない。
人を惹きつけて、じゃあそれからなにをするのか。
そこを考えるべきだと思うのです。

デザイン界をリードするキーパーソンの失意の言葉。
．．．それはデザインを学ぶ身として、とても悲しいニュースでした。