水曜日の3Dレンダリングの授業も大詰め。

今日はCINEMA 4Dを使ったレンダリングの学習。

FramingoはプラグインとしてRhinoの中でレンダリングができるけど、
CINEMA 4Dの場合はRhinoでDXF形式に書き出して、
CINEMA 4Dで読み込みます。

CINEMA 4Dという製品名からして本来はCG動画を作るのが
本筋のソフトなんだろうけどここでは質感を与えるためだけに使います。

やっとRhinoの操作に慣れてきたと思ったらまた新しいソフト。
やはり慣れるのに時間がかかります。

今日の演習でなんとかFramingoでの表現仕上げまでに持っていくことができました。
それがトップの画像です。

正直FramingoとCINEMA 4Dのレンダーの「癖」ごときものは
まだよく分かりません。
この辺は数をこなしていかないと分からないものなのでしょう。

しかしこう簡単にソフト上で美しい質感を表現できてしまうところが、
これらのソフトの魔力なんだな。

実際に触れるものとして存在するものが一番美しい。
そういうものを創りだすためのソフトであることを忘れないようにしなければ。

混乱したけれど。
良くも悪くも刺激にはなった。

誰も僕の卒制テーマなんて興味ないと思うけど。

．．．整理します。
自分のためのメモ。

はじめてこの学校に訪れたとき、正直落胆した。

「これが大学？」
「これが美大？」

美大という場所はもっとおしゃれで華やかな場所だと思ってた。

でもおよそ2年経った今、僕はこの学校の空間がそれなりに好きになってた。
八王子キャンパスは確かに広くてキレイだ。
でもデザイン学科、というくくりで見ればその行動範囲は
上野毛キャンパスとそう大差ない気もする。

スクエアの芝生の中を十字の通路が貫く中庭も良い。
桜の季節には見事な桜が咲くし、
紅葉の季節には見事な銀杏が色づく。
銀杏の木と校舎とのバランスも良い。
正面ファサードから中庭へ抜けるピロティも地味ながら個性を出してる。

．．．今井兼次という著名な建築家の手腕を今更になって感じている次第です。

その空間をもっともっと良くしたい。

それが僕の卒制のテーマの原点になっています。

この学校に残り、きちんと卒業するという選択をするならば、
4年生の時、卒制に取り組むと同時に早稲田大学芸術学校に通うつもりです。

つまり時間的余裕がなくなる。
早め早めに卒制に取り組む必要があるのです。

ぶっちゃけ3年生のときから取り組みはじめて2年がかりで
仕上げるつもりでいたほうが良いのかもしれない。

今度こそ、僕は総仕上げをきちんとこなしたい。

今週は4年生の卒業制作最終発表です。

各専攻ごとの発表となり、月曜日はスペースデザインと映像デザイン、
そして火曜日の今日はプロダクトデザインコース、
明日、明後日がビジュアルデザイン、デジタルデザインの発表となります。

僕ら2年生は基本的には授業のため見ることはできないのですが、
昨日今日が作業日に割り当てられたので昨日は少し、
今日は全作品を見ることができたのでした。

しかし．．．
見終わった後、なんとも言えない、
のどになにかが突っかかるような後味が残った。

．．．そしてちょっとした混乱に陥った。

別に各発表作品の善し悪しをここで言いたいわけではありません。
1年間かけて頑張ってきた学生たちの作品について、
同じ学生の身としては善し悪しを決めつけて評価したくはありません。

今の時点で僕は今後の道を決めた。
建築の道に進むことに決め、さらに建築構造について学ぶことを決めた。
そのために本来のルールを破ってまで学校に専攻の変更を嘆願した。
その気持ちはもちろん揺らぎません。

コース変更が受け入れられなかった場合は退学も視野に入れているけど、
基本的にはこの大学での最終成果物である卒業制作に取り組み、
きちんと卒業したい、という思いも強い。
大学院へ行くための学位取得、という目的もあるけれど、
一番には「心のけじめ」というものがあるのだと思う。

実はすでに自分の卒業制作のテーマについて
なんとなくやりたいものが見えてきています。

内容については今ここでは詳しく書きませんが、
分野的にはスペースデザインになると思います。
だからなおさらスペースデザインコースに行きたい気持ちがあるわけで。

ただ、昨日今日の発表を聞いて、なんか分からなくなった。
自分がやりたいこと、というよりは学校はこの卒制になにを求めているのか。
ただ単に学生がやりたいことをやればいいのか。
それとも自分の作品の社会での位置付けをアピールすべきなのか。

たぶんそれは学校や先生ではなく、学生自身が決めるべきことなのでしょう。

その辺のことを考えると混乱してしまう。

やりたいことは分かった。
しかしそれをすることで僕は社会になにをアピールしたいのか？

．．．その辺がまだ明確に答えられない。

まだまだ考えを整理する必要があるようです。

でもまあなにがやりたいかも見えなかった入学当時に比べれば、
今の状況は格段に進歩したと言える。

しばらく情報のインプットは控えた方がいいのかな。
でもそうすると独善的にならないだろうか。

　　「子曰く、学びて思わざれば、則ち罔（くら）し。
　　　　思いて学ばざれば、則ち殆（あや）うし。」

ああ、混乱する。
でもこの混乱が自分を大きくしてくれる気がする。

11月最後の日曜日。

ピカソ展に行ってきました。
国立新美術館とサントリー美術館をはしご。

まずは国立新美術館。
日曜日なので混雑を予想して閉館2時間前の16時に入場。
まあそのおかげというか、人はやっぱり多かったけど、
予想してたよりは楽に観れました。
そして予想よりも展示が少なかったのか、1時間程度で見終えました。
こちらは会場全体は明るいのですが作品への照明は暗めでした。
（一部影が作品に影響するものはのぞく）

次にミッドタウン内のサントリー美術館。
国立新美術館に比べてこちらは日曜日だというのに人は少なめ。
展示規模はさらに小さくて鑑賞時間は1時間弱。
こちらは逆に会場全体は暗く、作品への照明は明るめでした。

世界一有名な画家、ピカソ。
しかし多才がゆえの多彩な作品ゆえに、
世界一理解が難しい画家でもある。

はしごする場合、チケットの半券提示で200円割引になります！

1年生に続いて2年生でもつい先日中村先生の授業で
ピカソを学習したので、予備知識はばっちりでした。
それもスムーズに鑑賞を楽しむことができた一因かもしれません。

授業のスライドで見た作品も多くありました。
やっぱり実物の迫力は違います。

本展はパリのピカソ美術館改装にあたってマドリッド、アブダビに続いて
世界巡回しているもので国立新美術館では「愛と創造の奇跡」、
サントリー美術館では「魂のポートレート」というテーマがつけられていますが、
僕的には展示のボリューム以外はそれほど差は感じませんでした。
どちらも良い作品が来てると思います。

MoMAに展示されている「アヴィニョンの娘たち」の習作や、
ドラ・マールが撮影したゲルニカの制作風景写真、
フランコを風刺した「フランコの夢と嘘」、
ミノタウロスをモチーフにした一連の作品群など
貴重な作品を見れたのも良かった。

恋多き天才の人生は恋少なき凡才には理解できないものかと思いきや、
天才も凡人も苦しむところはどうやら同じのようで。

自分の内部をいかに表現し、多くの人に共感してもらうか。
ピカソはその絵画技法はもちろん、オーソドックスな古典から
シュルレアリスム、キュビスム、新古典主義など実に多くの手法による
「多彩さ」が人々の共感を呼んだのではないでしょうか。

ただその強烈すぎる個性もさすがに歳には勝てないのか、
というよりその個性の強さゆえなのか、
晩年は少し元気がないように感じました。
それでも普通の老人に比べればエネルギッシュなんですけどね。
晩年は構図はそんなに変わらないのですが、色彩が淡くなって、
おとなしめの緑系統のものが多いように感じました。

絵を見るとき、画家がどのような思いでその絵を描いたのか、
その絵でなにを伝えたかったか。
それを正確に把握することは大切なことだと思う。

でもそれがただ一つの「正しい」絵の見方じゃない、と最近思うようになった。
それどころか、それは本当に正しい絵の見方なんだろうか？と思うこともある。

例え画家が直接言葉でその絵の説明をしたとしても、
それが真意とは限らない。
それ以前に言葉で全てを説明することはできない。
だから人は絵とか彫刻とか、音楽など言葉以外にも自己表現をする。
それにしても誰も自分のエゴの外に出れない以上、
完全な真意など作者以外には分からない。

．．．それでも人は「共感」したがる。

本当に正しい絵の見方とは、
自分なりに素直に納得できる理由や方法で絵に共感する、
ということではないだろうか。

なんで人や事物を、分解したりねじ曲げたりして
わざわざ分かりにくくするのだろうか？
ただその絵になにが描かれているか、どんな手法で描かれているか、を
知るだけではその絵を良いと思ったり、共感したりはできないだろう。

その絵を描くに至った「心」に興味を持たなければ。
興味を持てば、例え理解はできなくても受け入れることはできるかもしれない。
それが共感、ということではないだろうか。

臆病な男の共感の求め。
ピカソの絵に潜む魅力とはそんなものではないでしょうか。

最後に図録を購入。
国立新美術館、サントリー美術館共通なのが嬉しい。

［表は国立新美術館展示のドラ・マールの肖像］

［裏はサントリー美術館展示の『青の時代』の自画像］

ピカソ展は12/14まで。
興味ある方はぜひ。

毎週水曜日は3Dレンダリングの授業。

3Dソフト、Rhinocerosの学習です。
課題としては前のセッションで作成した香水瓶のモックを製図します。

前にインテリアデザインの授業でShadeを使い始めたのですが、
4画面構成は同じなのですが少々使い勝手が違っていて、
慣れるまでが大変です。

Shadeはどちらかというとお絵描きソフト、
Rhinoは造形用CADという性格のもののようです。

ただ現時点では基礎的な操作を覚えるのが精一杯で、
CADとして使いこなすまでには至ってませんが。

まずはRhinoで形を入力してゆきます。
基本的にRhinoで構築する3D図形は以下の3要素のパーツで構成されます。

　　１．サーフェス（単一の面要素）
　　２．ポリサーフェス（複数のサーフェスで構成される面要素）
　　３．ソリッド（サーフェス、ポリサーフェスで構成される立体図形）

実際は他に線要素もありますが、最終的には上の3要素のどれかを
構成するために必要な準備部品といえます。

各要素で使える機能が異なっているので、
各パーツがどの要素で構成されているかをきちんと理解しておく必要があります。

例えば和・差・積機能はソリッド同士でしかできませんし、
ロフトはサーフェス間でしかできない．．．はず。

僕の作品は上下に正方形の配し、
さらにその上下間の中心に補完用の正方形を配した上で
2レールスイープで上下間を補完するポリサーフェスを作ることで
けっこう簡単にできあがります。

作品によっては複雑な造形もあるわけで
その分作るのは難しくなりますが、勉強という点ではそのほうが
自分のためになるんですよね。
その点では自分の作品はちょっと物足らないような。

ある程度造形作業が終わったら、
レンダリングにより質感を与えて実際の見栄えを作成。
まずはRhinoデフォルトのレンダーでレンダリング。
それが上の画像です。

デフォルトのレンダーでもある程度の色や透明度は表現できます。
僕の作品はけっこうシンプルなので、
これだけでもけっこう実物に近い絵になります。

しかし。
さらにFramingoという専用レンダーを使うと．．．

．．．！！！
ここまできれいな絵を自動的に作ってくれるのです。

恐るべし、マシンの力。

モックアップでは、スタイロフォームという材料指定の制限があったため、
あえて材質をガラスに想定せず、不透明な陶器を想定したのですが、
こうした3Dソフトでは材質を簡単に変えることができます。

ガラスでの見栄えのほうがやっぱりキレイだな。

質感表現では、作品そのものの質感指定の他に、
光源や土台の設定をいろいろ変えることで見栄えを調節することができます。

しかし高精度のレンダリングとなるため、
やはりレンダリング時間が大幅に遅くなってしまうのは仕方がないところ。

次週はCinema4Dとかいうもう1つのツールによるレンダリングを学びます。

まあこうした3Dソフトによる造形も楽しいと言えば楽しいけど、
やっぱり本物を作るのが一番楽しいね。

そして僕は実物以上によく見せることにも少し抵抗がある。
そこがグラフィックデザインに対して少し懐疑的な部分でもある。

僕にとってグラフィックはあくまで良いプロダクトを作るための過程に過ぎない。
今はそれを強く感じます。

柳宗悦茶道論集 (岩波文庫 青 169-6)

大学の授業で岡倉天心の「茶の本」を読んでから、
少し茶道への興味が湧いてきました。

実際きちんとした茶道を嗜んだことはないんですけど。

んで茶に関する本を探してたら．．．
八王子の図書館で見つけました。

柳宗悦はあの柳宗理の父親です。
茶道家なのかと思ったら、思想家、美術評論家なんですね。
どうりで千家や楽焼への大胆な批評ができるわけだ。
茶人であれば家元をあそこまで批判できないでしょうね。

茶道とは「もの」への正しい接し方を教えてくれる。
人がものを作り、用い、型とし、礼にまで高めるのはなぜか。

．．．そこに美を見出し、愛を見出し、和を得んがためである。
それが真の「自由」だと宗悦氏は言う。

本書は以下の10編＋１で構成されています。

　　・茶道を想う
　　・「喜左衛門井戸」を見る
　　・大名物を見て
　　・「茶」の病
　　・『禅茶録』を読んで
　　・茶人の資格
　　・奇数の美
　　・寂の美
　　・疵の美
　　・渋さについて
　　・茶偈

Wikipediaによれば、
柳宗悦という人はとにかく膨大な量の執筆があって、
全22巻の柳宗悦全集というものまであるらしいです。

この本も方々に掲載されていた茶道に関する執筆から熊倉功夫氏が
10編選んで1冊の本にまとめたもの。

この本1冊読むだけでも、柳宗悦の並々ならぬ物事への思いの激しさ、
とでもいうべきものが垣間見えます。
一種の純粋主義とでも言うのでしょうか。
冒頭の「茶道を想う」を最初に読んだとき、
ずばっと真理に切り込むそのストレートさに衝撃を受けました。

ただ、「「茶」の病」あたりであまりに強い現在の家元批判においては
少し違和感というか、不気味さを感じました。
確かに言うことは正しい。一理ある。
しかし正しいことを常にストレートに述べればそれでいいか、
というとそれはちょっと違う気がするのです。
それこそ宗悦氏が本書で述べてるような「含み」が必要なのではないかと。

とかく純粋主義というものは、正道はただ一つで、
それ以外は邪道として認めず排斥しようとする傾向があります。
僕はそこに疑問を感じる。

真実は1つではない。
ある真実と反する事実が常に偽りとは限らない。
真実と相反する事実が真実であることもある。
それが「矛盾」というものであり、この世は矛盾に満ちた世界なのだ。

いくつもある真実をただ一つとすることは当然角が立つ。
強い否定は二元論に囚われている証拠だと想うのです。

世界の矛盾を受け入れることが「悟り」であり、
その境地で見える世界が二元を超えた世界、
「侘び」とか、「涅槃寂静」とか表現される世界ではないのだろうか。

とはいえ、求道の対象をひたすらその精神に置く禅宗に対し、
あくまで「もの」に求道の対象を置く「茶道」の精神に注目した
宗悦氏の眼力も相当素晴らしいものだと思います。
そして言葉による表現力も。

ものづくりを学び、ものづくりにこだわりを持ちたい自分にとって
学ぶべきものがそこには大いにある。

なぜ人は「もの」にこだわるのか。
なぜ人は美しい「もの」を求めるのか。
美しい「もの」とはどういうものなのか。

「名器」というものは作為を越えたところにあると宗悦氏は言う。
なるほどそれも一理ある。
作為を越えたところに無限の美があるのかもしれない。

しかしそれは作為を否定するものではあってはならない。
作為の果てに達する境地のものでなければならない。
「喜左衛門井戸」は確かに大名物なのかもしれない。
美しく見せようという作為から生まれたものではなく、
偶然から生まれた「自然」の美なのかもしれない。

しかしそれは果たして究極の美なのだろうか。
自然は確かに美しい。
でもそれは「ただ」美しいだけなのだと思う。

やはり大いなる感動は作為の果てに見えるのだと思う。
僕は茶道は素人なので茶器のことも当然よく分からないのだけど、
以前上野の国立博物館で展示されていた光悦の楽焼を見て、
僕は美しいと思った。

宗悦氏が言うようにそこには作為が見えるのかもしれない。
作為を越えた「無」の境地には至っていないのかもしれない。
しかし至っていないからこそ、「不完全」なのであり、
それこそが宗悦氏がいう「不完全の美」なのではないだろうか。

宗悦氏は「作為の美」を否定しているように僕には思えるのですが、
それは少し、いや全然違う気がする。
さまざまな作為が美を生み、作為の美が無作為の美を発見した。
そうではないだろうか。

作為の美を否定することは人の美の追究心を否定することにならないのか。

悟りの境地は所詮神の領域だ。
人が人である以上神の領域には踏み入れることはできない。
いや、踏み入れることができないことが人である証拠なのだ。
大切なのは踏み入れることができないと分かっていながら、
踏み入れようとすることではないだろうか。

その姿が「美しい」ということではないのだろうか。
踏み入れることができないと分かっていながら踏み入れようとあがく。
だからその境地を「さびしい」という意味で「寂び」と呼ぶのだろう。

無意識による、偶然による美はあくまで美の「標準」に過ぎない。
美の「参考」品にすぎない。
大いなる感動は作為の果てに生まれる不完全な「有」にある。
たぶん実際にものを作る人ならそう言うのではないだろうか。

どんなに鋭い目を持っていても、どんなに多くの言葉で真実を語っても、
実際にものを作らなければ、「もの」の究極には近づけはしない。

その意味においては父よりは息子のほうが
より「もの」の究極に近づいている気がします。

柳宗理がものづくりの人であったのは、
父親の背中を見て自ずとその道を歩んでいったのかもしれません。

そして僕もやっぱりものづくりの道を歩みたい。
ものを作りたい。
どんなに雄弁に語っても、作らなければ説得力がない。
ただ批判するだけの人にはなりたくない。

僕らは薄っぺらい紙の上で生きてるんじゃない。
触れることで幸せを感じることのできる世界に生きてるんだ。

それならば、美しい触れることのできるものをたくさん作ろうじゃないか。

八王子への転学申し込み期間が過ぎました。

．．．結局転学は取りやめました。
学科長の承認サインまでもらってたんですけどね。

理由はいくつかあるわけですが、
最大の理由はとるべき最適な選択が他にあると直前で感じたから。
もちろん転学を止めたからといって、建築への志が失せたわけではありません。
むしろその志がほぼ固まりました。

現時点で最適だと思う道。
早稲田大学芸術学校で建築を学ぶこと。
構造を重点的に学べる環境はやはり捨て難い。

．．．んで行くことは決定なのですが、問題は時期。

今のところ選択肢は２つ。

今年一杯で多摩美を中退して行くか。
4年次にダブルスクールで通うか。

年齢を考えるなら、道が決まっているなら迷わず前者を選択すべきだと思う。
でも現時点で僕は後者を選択したいと考えています。

今の世の中、学歴なんてたいした効力がないなんてことは
学歴不問の会社で14年働いた身には分かり切っているのですが、
それでも学位の称号は捨て難い。
現役学生の頃にやり残したことがそこにはある気がして。
大学中退は中途半端な気がして。

．．．と上野毛に残ることを選択したいわけですが、ここでまたもや障害が。

現在僕はプロダクトデザインコースに在籍しているのですが。

今回の一連の選択機会にて、建築への志が固まりました。
実際すでにスペースデザインコースの助手さんの仕事のお手伝いや、
仕事の現場を見学させてもらうことで、
徐々に建築分野での活動を展開しはじめています。

まだまだ仕事をこなす、というレベルではないけれど
模型を作ったり、パースを描いたり、構造計算をしたり。

そういう状況になった今、
やはりこのままプロダクトデザインコースで学ぶよりは
スペースデザインで学ぶほうが最適なのではないかと。

そこで今、コース変更を学校にお願いしています。
本来は2年生の前期が終わった時点で申請し決定したコースからの
変更は認められていないのですが、無理を承知で、という感じで。

実はコース変更の理由としては、
建築への志を固めた、という理由の他にもう一つ理由があります。

どうもこの学校のプロダクトデザインは「ものづくり」を軽視する傾向がある。
いや、この傾向はこの学校だけじゃなく、業界全体にあるのかもしれない。
僕にはそう思えてならない。
所詮デザインは「ものづくり」ではない、ということなのだろうか？

「もの」の機能はどんどん高機能化・複雑化して、
その設計はハードよりもソフト面を重要視する傾向にあるように思えます。
デザインの分野では「情報デザイン」という言葉がメジャーになっています。
情報デザインを重要視するのは別に悪いことだとは思わない。
コミュニケーションはデザイン分野におけるソフトウェアの1つなのだろうし、
そのコミュニケーションを研究することはとても価値あるものだと思う。

しかし。
結局最後の落としどころはハードウェアじゃないのだろうか？
どんなに高度で優れた機能をもったソフトウェアであっても、
それを収納するハードウェアが半端なものであれば、
そのソフトウェアは真価を発揮できない。

ソフトウェアそのものは姿は見えず、単体ではなんの機能も持たない。
それを見える「形」にするのがデザインという仕事ではないのだろうか。
「触れる形」にするのがプロダクトデザインという仕事ではないのだろうか。

「ものを作るのはメーカーの担当だ」

僕はメーカーでのエンジニア時代、
何度となくそういう態度のデザイナーを見かけました。
そういう状況で開発された製品はたいがい成功しなかった。

実際にものは作らなくとも、プロダクトデザイナーは
ものづくりとはどういうものなのか知っているべきではないのか？
いや、もっと言うならばプロダクトデザイナーは
常にクリエイター＝「ものを作る人」であるべきではないのか？

ある大学の授業を機会に茶道に興味を感じています。
茶道は「禅茶」と呼ばれるほど禅宗の精神を受けています。
茶道と禅の違いは、禅があくまで精神面に重きを置いているのに対し、
茶道はあくまで心が反映される「もの」に重きを置いている点。

人は「心」が大事だという。
しかしその心はそのままでは見えない。
見えないものは理解が難しい。

だから人は「もの」を創る。
ものを介して人は心を知る。
ものに触れて人は愛を知る。

だから人は正しく「もの」を見なければならない。
だから人は正しく「もの」を使わなければならない。
だから人は正しく「もの」を創らなければならない。

世の風潮がソフトウエア重視にあるからといって、
それが正道だといえるだろうか？
それだけがただ一つの正道なのだろうか？

今、ものづくりの会社に元気がないのは、
その問いに対する答えではないだろうか？

そして一方で、
古き良きものづくりを見直そうとしているデザイナーが
世間から注目されていることもその問いに対する
もう1つの答えではないだろうか？

「校内にあるNCをもっと学生が自由に使える環境にして欲しい」と言ったら、
「この学校はデザインの学校であって、ものづくりの学校じゃないから」
と答える学校に未来はあるのだろうか？

プレゼンが終わった自分の作品を学校に放置するような人間に
良いデザインが果たしてできるのだろうか。
自分が好きになれない作品を他人が好きになるだろうか。
仮に好きになってくれる人がいたとしても、
それが自分にとって最高の幸せだろうか？

以前は建築はその規模の大きさゆえに学校で現実を語るには難しく、
プロダクトデザインのほうがその規模ゆえに学校で現実を語りやすいのかと
思っていましたがどうやらそうでもないみたいです。

形にすることにこだわらないから結局のところ夢を語って終わってしまう。
その夢は誰か（メーカー）が実現してくれる。
たぶんそれが学校のスタンスなんだろうけど、
他人が形にしてくれる夢なんてはたして自分の夢といえるのだろうか。

自分一人で全てはできないにしても、
自分でできるところまでは、自分で形にしたい。
そういう「こだわり」が必要なのではないのか？

今では小さいスケールでも正確に現物を模倣する模型を作る
スペースデザインのほうが現実的な気がします。

建築を志すからといって、別にものづくりに興味がなくなったわけじゃない。
むしろものづくりを核として建築にアプローチしたいと考えています。
僕の年齢ではみんながやるような正攻法では分が悪い。
ましてやこの不況、建築業界はとくに厳しい状況と聞いています。
なおさら正攻法では周囲との差別化は図れない。
僕なりの、「強み」を持って臨まなければ。

それが「ものづくり」や「構造」へのこだわりであるわけです。

たぶん今年中にコース変更願が受理されるかどうかが判明します。
受理されればもう2年この学校で頑張ろうと思う。

拒否された場合は．．．

．．．心の中では答えが出ている気がしますが、
今はまだそれを形にする勇気がないのでここでは述べません。

まあどちらにせよ、今年中にはっきりするけどね。

久々に成田空港へ行きました。

．．．といっても自分が飛行機に乗るわけでも、
誰かを見送ったり出迎えるわけでもありません。

これも大学の授業の一環。

別に成田空港でなくても良いのですが、
グループで好きな場所に行って写真を撮る。

．．．それで成田に写真を撮りに行ってきたわけ。

夜8時に行ったのですがこの時間帯になると人もまばら。
千葉の田舎とはいえ、一国の首都国際空港とは思えぬほどの人の少なさ。

．．．まあ撮影には好都合だったけど。

まずは第2ターミナルから。

到着ロビー。

AとBの2つのゾーンがあります。

出発ロビー。

無人のカウンターというのもなんだか不思議です。

人は滅多に撮らないのだけど、なんかうつむいてる様が面白かったので。

もう一枚ガードマン。エスカレータにて。

後ろ姿がなんとなくシャッターを押させた。

出発ロビーにある大きい木。

展望デッキ。

続いて第1ターミナル。

まずは外側。

到着ロビー。

こちらは南北ウイングで分かれています。

続いて出発ロビー。

第2ターミナルに比べると開放感を感じます。

こちらにも展望デッキがあります。

．．．やっぱ飛行機って好き。

空港内のオブジェたち。

まずは第2ターミナル。

続いて第1ターミナル。

．．．空港はちょっとした美術館かも。