Tadaoh! Design

［北京CCTV新社屋（レム・コールハース）］

［V&A　Museum（ダニエル・リベスキンド）］

［サーペンタイン・ギャラリー・パビリオン2002（伊東豊雄）］

［バタシー発電所再開発計画『Twist』］

正直まだピンと来ないけど、
この文の中に構造哲学のヒントがあるような気がした。

著書。

世界を数字で表現したような本みたいです。
感覚派の僕としては興味あるところです。

さまざまな賞を受賞した名著みたいです。

こちらは図解がメインみたいです。

まずは『Number9』あたりから読んでみるかな。

現在ジョン・ラスキンの『建築の七燈』を読んでいるのですが、
全く理解できずくじけそうだし。

頭痛鼻水咳に悩まされながら、1時間半かけて教室に行ったのに。

事前通告なしの先生出張により、ビデオ鑑賞。
そして先週は休講。

．．．なんだよそれ。

庭園は好きです。
これも歳をとってきたせいなのかな。

良い建物には良い庭園。
良い建築とはそういうものなのかな．．．と思って受講することにしました。

講師は枡野俊明さんというお坊さんでありながら作庭家なのだとか。
僕は全然知らなかったのですが、けっこう高名な方のようです。
ビデオも山田吾郎氏が日本庭園の魅力を枡野先生にインタビューする、
というものでした。

貴族文化に端を発した浄土庭園から禅宗に影響を受けた枯山水へ、
そしてやがては武士階級の大名庭園へと日本庭園は変遷していきます。

ビデオでは西芳寺、天龍寺、龍安寺、南禅寺、大仙院、金地院、桂離宮の
庭園が紹介されていました。

水を使わず、石で水や滝を表現する。
合端とか、天端といった石の微妙な配置で空間に流れを生む。
それを「石心」とか「気勢」というそうですが、
日本古来の「しつらえる」という言葉につながる部分があるのかなと思った。
状態は常に変化するもの捉え、その時々の状況に見合った対応をする。
それが「しつらえ」の精神。日本の精神。

とても素晴らしい内容のビデオだったと思います。
しかしそれでも微妙な空気の流れまでは表現できない。
直接生の声で伝えることには到底及ばない。

これほどの高名で、かつ僧侶という人格者であるならば、
この辺は重々ご承知なのだと思いますが。
ご高名ゆえの多忙なのかもしれませんが。

貴重な学習の機会のために貴重な時間を割き、高い授業料も払っている。
切なる想いを持って授業に臨む学生の気持ちを大切にしてほしい。

帰り際に教室に財布を忘れてしまい、長津田まで戻ってきたところで
ようやくそのことに気付き、大学へ引き返す。
それから上野毛キャンパスに戻って、夜はゼミ。

会場の模型を作りつつ、全体の進捗を確認し、
授業後は多摩美の奨学金の説明会へ。

．．．もうクタクタ。
しかし学年最初の冒頭をなんとか乗り切りました。

ホント今年はなんかせわしない。
共通教育科目の履修を去年でクリアしておいて、ホント良かったと思います。

明日は軽井沢の建築現場へ行く予定でしたが、体調が思わしくないのでパス。
この2日間は家でゆっくり休みます～

今回のテーマは「多世帯住宅」。

担当講師が実際に設計予定の物件をシミュレートします。

いくつか条件が与えられています。

　　・多世帯で住む（親＋子＋孫）
　　・文化・伝統の伝承（反核家族）
　　・街に対して都市の山居となる（緑の丘）
　　・省エネエコロジーの追求（デザインと性能）

敷地は閑静な住宅街の中（第一種低層住居専用地域）、
広さは107坪、建蔽率60％、容積率100％、高さ制限10m、
第一種高度地区、北側に4m、西側に7．5mの道路、
南側と東側は住居が隣接の角地．．．

といったところ。

この条件の中で僕が一番重要視したのが「緑の丘」というキーワード。

そして僕が今回の提案で一番実現したいことは、

　　「多世帯であっても、1つの家族として一体感を持って過ごしたい」

ということ。

このコンセプトを実現するにあたり3つの要件を考えました。

まず1つめは「広い敷地をくまなく歩かせる」。
そうすることで家族間の交流を活発にする。
さらに施主は自然派ということで緑の中を散策するように家の中を移動させたい。
そこで家全体を「緑の丘」に見立てたい。

2つめは「世帯ごとにゾーニングしない」。
3世帯で分割しても十分なほどの広い敷地ですが、
分割してしまうとどうしても世帯で固まってしまい、動きも生まれない気がする。
そこで広い敷地をあえて「1つの家」とし、生活機能ごとにゾーニングします。
導線を明確にし、緑の中を移動させたい、ということで
1つの家なのですが3棟に分割し、その間に緑を配します。

3つめは「1つの家」に住んでいる、という明確なアイコン（外観）を与える。
「文化・伝統の伝承」という条件から切妻屋根を採用し、
3棟の上に1つの大きな屋根をかけることで実現させようと思ってます。

で、大まかなゾーニング。

　　A. 「生活機能ゾーン」
　　B. 「共有ゾーン」
　　C. 「専有ゾーン」

に分けます。
そして各ゾーン間を緑で埋めます。

フロアレイアウト。

特徴的なのは中央二階部分の「Meditation Room」。
家族間の交流を目指しつつも「個」を大事するスペースを設けました。

一応間取りも考えたのですがまだ流動的なので、
今回のプレゼンでは提示せず。

ラフスケッチ。

．．．デッサン力のなさを痛感しますが。

「緑の丘」ということで家全体を緑で覆ってしまうか、
切妻屋根の形状を強調するか、現状では決めかねているところ。

模型だけでなく、CG（Shade）でもシミュレーション。

模型と併せて利用することでより的確なシミュレーションを行います。

先生からの評価は、

　　・「緑の丘」としての表現がまだ弱い。
　　・ボリュームの配置がまだ外観に囚われている。
　　・長手方向の明確な導線がないので不安定に見える。

などでした。

これまでのエスキースでも言われていたことなので、
概ね予想範囲内なので安心しました。

今後はこの指摘内容を検討しつつ詳細の設計を進めていく予定です。

GW明けにこれらの改善案をエスキース予定。

GWもけっこう忙しくなりそう．．．

それでも先生に言わせれば「まだまだスタディが足らない」そうですが。

しかしまずは今日1日乗り切ってゆっくり休んで風邪を治さなくては。

．．．これから八王子で授業。

頑張ります！！！

会場は銀座のSwatch Group Japanの本社ビル、
ニコラス・G・ハイエックセンター最上階。
Swatchグループの代表の名前がそのままビルの名前になってるようです。

設計はあの坂茂氏。そして構造増設計がArup Japan。
そしてこの建物は2009年日本建築学会賞を受賞しているんですね。

エントランスは高い吹き抜けになっていて、
変な形のエレベーターが複数動いてます。

片側の壁面が壁面緑化されていますが、
パトリック・ブランのような壁の垂直面に植物が生えてるのではなく、
水平の棚を積み重ねていくタイプ。

最上階は天井が鉄が編み込まれた曲線で構成される、
いかにも坂氏らしいデザイン。
しかしこれもArupの技術あってこその実現なんでしょうね。

会場は主に3本の展示ラインと窓際ラインの模型展示エリアで構成。

［展示ラインの独特な展示台］

全部で25台あるみたいで、なんと展示終了後に希望者にプレゼントするとか。
（ただし配送料は自己負担）

しかし僕が行ったときにはすでに全台予約済みでキャンセル待ち。
でもこんな大きくて重そうな台、もらっても置くスペースがない。
欲しいといえば欲しいけど、

［窓際の模型群］

とても面白い空間で、
そんなに広くない会場内を何度もウロウロしてしまいました。

最後になんと本日発刊されたばかりのArup Japanの本を購入。
定価3千円ですが、会場では500円引きの2500円で買えます。

この本をAmazonで買う

本を買うとこんなバッグをくれます。

せっかくなので歩いていけるメゾンエルメスへ。

ファサード。

横へ回り込むと．．．

辺り一面のガラス壁面に圧倒。

中央のオブジェも目を惹きます。

ガラス壁面のアップ。

ちなみに先日自由学園を見に行ったのですが、
池袋駅からの道中にあるホテルメトロポリタンのエントランスキャノピーも
Arupのお仕事でした～

デザインはともかく、構造のアピール力はスゴイ。

やっぱ構造って面白い。

アイデンティティ・デザインは分野的には情報デザインに入るのだと思いますが、
僕は正直情報デザインに対しては懐疑的です。

まあ情報デザインというものをよく理解していないから、なんだろうけど。

この授業の講師は自称日本で最先端のアイデンティティ・デザインをする会社で
活動されてるそうです。その先生がもっとも尊敬するデザイナーが、
「Chermayeff&Geisner」。．．．初耳です。

しかしそのポートフォリオを見ると、
Mobil、NISSAY、MoMA、XEROX、ロックフェラーセンター、NYU（ニューヨーク大学）、
．．．など超有名企業がずらり。

企業においてはイメージ戦略が大事なのは分かる。
僕が前にいた会社にもCI（Corporate Identity）部門があったし、
経済的に重要な分野だということはなんとなく分かる。

ただ、僕が気になるのはそれが「本質的か？」ということ。
もちろん「本質」という言葉はある側面で曖昧さを持つ言葉だし、
本質的でないものはたとえ経済効果があろうと全て悪である、
などという極論を唱える気は毛頭ないのですが。

本質的なものはだいたい目に見えないものだと思う。
目に見えないから人は「形」にして分かろうとする。
それが「ものを作る」ということだと思う。
そしてその点がものづくりの大切な部分だと思う。

「イメージをデザインする」という点において、アイデンティティ・デザインは
グラフィックデザインなのだと思うのですが、僕の感覚ではグラフィックは
デザイン行為の中の途中過程、という位置です。

もちろん僕の嗜好が3Dにあるから、といえばそうなのですが、
僕等の意識は3D世界に存在しているのだから、
最終的に3D世界を通して自然に理解するほうがより深く物事を理解できるはず。

上手く表現できないけど、
紙面上にどんなに綺麗に描かれた建物の絵も、実物以上の感動は得られないし、
仮に得られたとしてもそれは一方でどこか違和感を感じるものである。

アイデンティティ・デザインの代表的なものは「ロゴ」だと思うのですが、
どんなロゴを見ても、僕は実物の綺麗な椅子を見る以上の感動は得られない。

アイデンティティを日本語訳すると「自我同一性」という言葉になるそうです。

自我というものは同一の時間においてでさえも、
同じ対象内に複数、極端に言えば無限の自我があると思う。
そして時間の経過と共に自我は常に変化してゆくし、
その変化の仕方も、けして直線的ではないし、規則的でもない。

そんな自我を自己意識のみならず、他者意識においても完全に一致させようと
することは「本質的に」考えれば永遠に無理だと思うわけで。

それでも人間は「誰かに理解されたい」と思う生きものだし、
他者に理解されることに喜びを感じる生きものである。

アイデンティティ・デザインはまさに人間のそういった特性から存在意義が
あるんだろうけど、本質に近づけば近づくほど永遠に近づけないことを知る、
というある種の「むなしさ」を感じてしまう気がして。
ビジネス的に成功するにはどこかで妥協しなければならない気がして。

まあ、このことはアイデンティティ・デザインに限らずどの分野でも
突き詰めればあてはまることなんだろうけど、
この分野はとくにその傾向を強く感じてしまう気がするのです。

本質的でありながら、見えないが故にその本質を感じられない空しさ。
その壁を越えてゆくには時間をかけてゆっくり学んでいく必要がありそうです。

この授業は毎回宿題が出ます。

今回は「名刺を作る」。

一癖二癖ありそうですが、作為がもろ見えなものは嫌いなので、
いたってシンプルなものにしようと思います。

．．．というかすでにもう作ったのがあるんですけどね。
これをそのまま使うか、多少いじるか考え中です。

なにはともあれ、この1年間アイデンティティ・デザインについて学び、
自分なりのなにかしらの回答が出せるよう頑張ります！

去年はオープン科目で正式な履修だったので堂々と一番前に座っていたのですが、
今回は聴講させてもらうのだから一番前はまずいだろう．．．

と思いつつ教室に入ったのですが、意外に前のほうはすでに席が埋まってました。

んで真ん中辺に座って授業スタート。
授業がはじまっても寝ている学生はあまりいませんでした。

意外。
去年はけっこう寝てた人が多かった気がするんだけどな。

最初だけなのか、はたまた今年の3年生はやる気のある学生が多いのか、
．．．先生の授業が上手いのか。

．．．確かに授業は面白かった。

今回の講師は小西泰孝先生。
現役で活動している構造設計士。

授業は先週に引き続き、今回もガイダンス的なことでした。

先生のお仕事紹介がメインでした。

［神奈川工科大］

あの石上純也氏と組んで神奈川工科大の工房を設計。
この建物、2009年日本建築学会賞を受賞してるんですね．．．

建築だけでなく、テーブルも一緒に作ったのだとか。

［レストランのためのテーブル］

［キリンアートプロジェクト2005に出品したテーブル］

天板がただひたすら薄く、細長いシンプルなテーブルなのですが、
構造のノウハウが詰まっているんですね～

そのままだと天板が自重で下にたわんでしまうのですが、
そのたわみ量を見込んであらかじめ逆方向にたわませたり、
足との溶接に工夫を凝らしたり。

構造ってスケールを越えて生かされるものなんですね。
というよりそういうものが優れた構造、というものなのか。

そのほか乾久美子さんとか、妹島和世さんとも仕事をしているすごい方なんですね．．．

前回の授業で学生にアンケートをとって学生の意向を聞いたり、と
面白い授業をしたい、という積極的な姿勢が学生にも好感を与えているようでした。

もちろん去年の先生の授業も僕にはすごく面白かったんですけどね。
おかげで成績も「S」評価をもらえたわけだし。

今年は単位がもらえないので成績もつかないのだけど、
今年も建築構造を楽しく学べそうです。

．．．しかし次回はGWで2週開いちゃうけどね。

次回の授業が待ち遠しい～！

僕には正直リーダーシップがない。
人を動かす、といったマネジメントにはこの歳になってもさほど興味がない。
同時に複数のタスクを器用にこなせるタイプでもない。
一人で黙々と打ち込んでいるのが好きだ。

しかし。
グループ内で圧倒的に年上であるがゆえに。
ゼミのリーダーみたいなものをやらざるを得ない状況です。
向いてないのに。．．．不安だ。

役割ごとにグループ分けして、グループリーダーを決め、
そのリーダーたちに頑張っていただきます。

あとはITツールで情報共有を徹底。
MLとブログを設定。

来週は会場の1/20スケール模型を作ります！

頑張らなくては。

宴もたけなわ、というところで課題の取り組み方について議論が飛び交いました。

担当講師によって指導方針が微妙に異なるので、
どの講師の方針に落とし込めばいいのか分からず混乱する、とか、
「完璧な設定」さえすれば自ずと自分の作品はただ1つに収束する、とか。
デザインの課程において、デザイナーの嗜好は必要あるのか？、とか。

僕以外は僕より一回りほど年下の同級生たちですが、
思った以上に考えているんだなあ、とびっくり。
いやあ、勉強になります。

若い頃はとかく先生が言うことは絶対無二の真実に聞こえます。
だから先生によって発言内容に矛盾があると混乱してしまう、というのは
気持ちは分かる。．．．かつて僕もそうでした。

ただ、ある程度社会経験を経て思うことは、
「先生もただの人」ということ。

もちろん学生の僕等と異なるのは圧倒的なキャリヤであって、
そのキャリヤに敬意は表するべきです。

ただ、そのキャリヤを持ってしても世界は広く、
真実は1つではない。

たくさんある真実の中から自分にしっくりくるものを選べば良いと思う。
場合によっては真実は同時に1つではなく、2つ選べる場合もあるかもしれない。
．．．こんな風に考えれば先生たちの言動の矛盾にも、
違和感なく、自分に役立ちそうなアドバイスだけを取り入れることができるように
なるのではないでしょうか。

同様に「完璧な設定」による「ただ一つの答え」にも僕は懐疑的です。
それを全否定する気はないですが、それも真実の1つに過ぎない。

1つの設定に対して1つの答え、というのはいかにも数学的です。
確かに人間社会は科学技術を基盤に発達してきた。
そして科学技術の根幹には数学がある。

だから数学者や数学信奉者、理数系の人を中心に
数学で世界のすべてが表現できる、という発言には一理ある気もしますが、
一方で視野の狭い発言のようにも思える。

僕も元々は理数系の人間なので自分にもこういう側面があります。

でも。
この大学でデザインを学ぶようになってから、
少しずつ考えが変わってきた。
いや、変わってきた、というよりも進化した、というべきか。

世の中は思った以上に広い。
それは物理的なスケールのみならず、人間のエゴにおいても。
数学というスケールでは測れないものもこの世界にはある。

そして世の中は思った以上に矛盾に満ちている。
相反する2つの事柄が真実である場合もあるし、その逆もまた然り。
自分が選択したものだけが真実なのではなく、
自分が選択しなかったものにも真実は在る。

「デザインの課程において、デザイナーの嗜好は必要あるのか？」

．．．僕はあると思います。

お金を出すクライアントの要望を満たすのは
すべての職種において第一命題であるのはいうまでもない。

ただ、その要望の満たし方は職種によってさまざまであり、
またケースバイケースでまたさまざまである。

クライアントを知ることはもちろん重要ですが、
ただそれだけを専門に行うのは「マーケティング」であって、
もはやそれはデザインではない、と僕は思うのです。

もちろん、デザイナーにマーケティングが不要だというわけではなく、
あくまで「デザイン」の領域を考えたいだけ。
僕自身はあまりマーケティングは好きじゃないけど。

デザインとは自分の嗜好と他人の嗜好、社会の嗜好をマッチングさせること、
つまり「コミュニケーション」だと思うわけで。
自分の嗜好を無視してコミュニケーションは成立しません。

ただ、うちの大学の先生たちを見ていると、
専攻名に「○○コミュニケーション」と銘打ってるにも関わらず、
コミュニケーション能力に「？」と感じる人も少なくなくて、
時々デザインに必要なのはコミュニケーション能力だけじゃないのかな．．．
と思ったりもしますが。

どちらにせよ、「自分の考え」を持たないのが一番中途半端で
良くない状態ではないだろうか。

自分の中で核となるものがなければそれが正しいのか、正しくないのか、
それが多くの人や社会に受け入れられるのか、否か、
その判断ができないから。

正しいかどうかは後で判断できる。
間違っていれば後で正すこともできる。
だからまずは「自分のデザイン」というものを見つける。
そしてそれを作品はもちろん、言葉やスケッチ、プレゼンなど
いろんな手段で、いろんな表現で伝えられるようにする。

それが僕たち学生が課題に取り組む目的ではないだろうか。

僕らはお金を払って学びに来ているのであって、
先生に奉仕するために学校に来ているのではない。
先生に気に入られることは処世術としては有効かもしれないけれど、
その行為はデザインを学ぶ、という観点で真に本質的なものではない。

社会では自分で考え、自分で判断することが必要だ。
正しい考えや判断というものは社会に出て、
経験を積んで身につけてゆくものであって、
大学で学ぶものではない。
だから大学ではあくまで自分で考えて判断し、表現することだけ考えてればいい、
と僕は思う。

先生に逆らってでも押し通したい理念があるならば、
それを追求する権利が学生にはある。
もちろんいたずらに我を通すだけでは他人や先生は納得してくれない。

だから頭を動かすのと同時に、手も動かしてとにかく多くの作品を
僕たち学生は作らなければならない。
キャリヤのない僕らは「下手な鉄砲も．．．」という戦術しかないのだから。

己を知り、己を表現する術を知る。

それがデザインの原点だと僕は思うのですが皆さんはどうでしょうか。

念のために言いますが、
別に上から目線で年下の同級生に説教をたれるために
この記事を書いているのではありません。
自分の考えを押し付けるつもりもありません。

あくまで自分の考えを整理するためであり、自分に言い聞かせるためのものです。

もちろん自分の意見に賛同してくれる人がいればそれはそれですごく嬉しいし、
批判されれば凹みもします。

それを踏まえてコメントしてくれると嬉しいんですが．．．
「読んでるよ」という声はけっこうあるのですが、
なかなかコメントしてくんないんだよね．．．

今回のテーマ。

　　・多世帯で住む（親＋子＋孫）
　　・文化・伝統の伝承（反核家族）
　　・街に対して都市の山居となる（緑の丘）
　　・省エネエコロジーの追求（デザインと性能）

僕は幼少時から父母はなく、祖父母の家で育ちました。
祖母が面倒見のいい人だったのでいろんな人が家に出入りしてた。
そういう意味では核家族ではなく、大家族の中で育ったといえます。

一方就職して上京後は一人暮らしになり、
短い間ながらも結婚して核家族を持ち、
一通りの生活形態を経験してきました。

その上で僕が思うことは多世帯住宅はけして特別な住宅ではないということ。

核家族と多世帯住宅の違いをリンゴの木で例えるならば、
核家族はリンゴそのもの、多世帯住宅はリンゴの木そのもの。
核家族ではリンゴそのものをいかに美味しく作るか、を考え、
多世帯住宅ではいかにすべてのリンゴに栄養を行き届かせるか、を考える。

．．．そういうことだと思う。

異なる世代がいかに交わり、いかに個々のエゴを守るか。
共有と独立という相反する要素のバランスをいかにとるか。
そしてどちらの要素を重要視するか、が設計の個性になるのではないか。

僕はやはり「共有」を重要視したい。
今の時代はほっといても独立傾向にあるのだから。

かつてよき共有の時代があった。
その共有時代の良さを再表現することが「文化・伝統の伝承」になるのではないか。

エコロジーについては「都会の山居」を実現すれば、
自ずとそれがエコロジーになると思う。
今はできるだけ緑を多くことを考えてます。
安易かもしれないけれど。

しかしスペースデザインはやることが多すぎ。
プロダクトではアイデア出し、作品制作、プレゼン資料制作の3段階だったのが、
スペースではアイデア出しの段階でラフスケッチ、ラフモデル（模型）を作り、
作品は図面、パース（3D）、模型と3形態作らなければならない。

．．．というわけで思った以上にばたばたしてるわけで。

でもやっぱり建築は楽しい！

実際、共通教育科目については、
規定単位数を２年生でクリアしたので３年からは一切受講しなくても
あとは専門課程科目だけとってれば卒業はできるのですが。

貧乏性なケチな心と、もっと勉強したい、という向上心で
今年もいくつか受講することにしました。

しかし去年は金土で７科目（うち１科目は八王子での授業）受けて、
かなりくたびれたので、今年は少し余裕を持たせて受講数は減らします。
専門課程にもっと力を入れたい、というのもあるし。

今年受けるのは上野毛２科目、八王子２科目の計４科目。
八王子の2科目は環境デザインの科目で厳密には共通教育科目ではありません。

上野毛の２科目は「特講Ⅰ」と「生物と芸術」。
特講Ⅰは大好きな中村先生。
ボードレール、オスカー・ワイルド、アポリネールなどの芸術文学を学んでいきます。

これまで絵画や彫刻などの造形アートを中心に学んだのに対し、
一番身近な「言葉」のアートを学びたいと思った。

もう１つの生物と芸術は、学術分野的には「美術解剖学」とか言うみたいで、
骨学とか筋学とか「美」を表現するために必要な
人体や動物の構成や造形を学びます。

建築で構造に興味を持ったように、「美」の構造に興味を持った。

八王子の二科目は「構造力学Ⅱ」と「造園学」。
構造力学Ⅱは実は受講資格がない（八王子の環デの学生のみ受講可）ので
単位にはカウントされません。

ただもっと建築構造が勉強したくて、去年受講した「構造デザイン」の先生に
相談したら、「構造デザイン」の上級コースにあたるこの授業を薦めてくれました。

もう１つの造園学はいわゆる「庭園」を学ぶもの。
建築の一番近くにある人口の自然。
やはり今後建築を学ぶにあたって重要かな、と。

本当はあともう一科目、PBL科目で「桐の家具をつくる」というのを
受けたかったのですが、上野毛の学生にも受講資格があるにも関わらず
５限の設定で、上野毛の授業に間に合わなくなるので受けれず。

というわけで今年の共通教育科目は、
上野毛で金土１コマずつ、
八王子で火水１コマずつで受けることになります～。

今年から履修登録はすべてWebで自分で入力。
〆切までまだ1週間もあるけど、あっさり決めちゃいました。

けっこう悩むかなあ、と思ったけど。
やっぱり目標が定まると行動も早い。

さあ、来週からはいよいよ専門課程科目のスタートだ。

紹介されているすべてが美しいのですが、
その中から個人的な好みで厳選して各二点ずつピックアップ。

まずはハンス・Ｊ・ウェグナー。
木目の美しさと造形の美しさとのマッチングが素晴らしい。

ベストセラー、Ｙチェア。

中国明代の椅子からＹチェアを経て、ピーコックチェアへと展開するわけですな。
その意味ではこのYチェアが一番バランスがとれている気がします。

Easy chair、CH-25。

本当はDolphin chairが一番好きだけど、いい絵がなかったので。

座面から後脚への流れがイイ。

続いてアルネ・ヤコブセン。
北欧家具、といえば木材というところを
近代的なファブリック＋金属に昇華させたモダンさが魅力。

まずはハードタイプ、セブンチェア。

ベストセラー、アントチェアからセブンチェアを経て、
エイトチェアへと展開するわけですな。
やはりセブンチェアが一番バランス的に美しい気がします。

ソフトタイプではスワンチェアかな。

ハイバックタイプのエッグチェアは座り心地はより良くなるけど、
トータルバランス的にはスワンかな。

ボーエ・モーエンセン。
シンプル・イズベスト。

J-39。

オーソドックスな美しさ。

成形合板の小椅子。

こちらもシンプルな曲面が美しい。

最後にフィン・ユール。
後からのアングルが実に美しい。

NV-45。

鮮やかなグリーンと有機的なフォルムが実にマッチ。

ダイニングチェア。

骨材から少しずつ浮いた背もたれ、座面がライトな感じでイイ。

ペリカンチェア。

ちょっとアンバランスな感じが逆にダイナミズムで良いのかな。

Chieftain Chair（エジプシャンチェア）。

実に有機的。座ると身体と一体化しそう。

フィン・ユールだけ4点ピックアップしたのは、
やはり一番好きだったからでしょう。

有機的、というのはやはり重要な要素なのかな。

「美しい椅子」はこの北欧チェア以外にも日本の椅子、木製椅子シリーズがあります。

そちらも読んでみたくなりました。

身体が「触れる」チェアはやはり面白い。

2年次までは、月曜から木曜日までの専門教育課程のうち、
月・火・木が実技系セッション、水曜が講義、基礎表現科目だったのに対し、
3年次では月・木が実技系セッション、
火曜が総合デザイン演習、水曜が講義という構成になってます。
単位数的にはこれまでと変わらないのだけど、
科目数的には増えるわけで、けっこうプレッシャーになるわけで。
共通教育科目を2年次でクリアしておいてよかった。

総合デザイン演習、水曜講義は専攻を越えて選択できるので
ある意味また1年生に戻った気がしなくもない。

選択枠が増えて、初日から迷いました～

しかしなんだかんだいって2年次で自分の方向性がある程度決まったので、
最終的には比較的あっさり決めたような気がします。
結局水曜講義、総合デザイン演習共にPD、SC系にしてしまいました。
グラデ、映像系にはとことん興味がないみたい。

先生はいろんなことをやれと言うけれど。

今は自分が好きなことしかやりたくない。
だからどこまで通用するのか、チャレンジしてみます。
将来はグラデや映像ができる人と組んで楽しいことができればいいな。

水曜講義、総合デザイン演習の説明のあと、各専攻に分かれてまたガイダンス。
ここでいよいよSCコースの面々と合流。
．．．といってもほぼ全員知った顔なのであまり違和感はなかったけど。
しかしここでいよいよ自分もSCコースの人間なんだなーという自覚が湧きました。

春休みボケが尾を引くかなあ．．．と思いきや、
同級生の面々と顔を合わせたり、先生方のガイダンスを聞いてるうちに
頭が学習モードに切り替わってきました。

．．．さあ、3年生も頑張るぞ！

ビンボー学生なのであらかじめ安く入れるところをネットで調べたところ、
かんぽの宿がどうやら600円で入れるらしい。
ほかはどこも1,000円以上。

しかしバスで20分ほど移動しなきゃなんない。

熱海は海のそばの傾斜地にある町です。
だから坂が多い。

最初はオーシャンビューで美しい景色を眺めながら走るバスも、
やがて狭くて険しい坂道へ。こんなとこバスが通るの？ってなかんじで。

かつての観光の名所も今は廃れてきている感じが否めませんでした。

建物も道路も古く、新しく開発される様子もない。
平日とはいえ、活気のない駅前。
まだ日も暮れないのにシャッターを下ろしている店も少なくない。
たぶん住人の高齢化も進んでいることでしょう。

街に魅力はなくなり、都会が近いので、
若者はますますこの街から離れてゆく。

このままゆけば、間違いなく老人にとって住みにくい街になる。
いや、すでになりかけている気がする。

こういう街が今や日本のあちこちに増えてきているのかもしれません。

熱海駅前の岩石？

この横に足湯があるのですが、
夕方4時で終わってしまうみたいで湯船は空でした。

かんぽの宿本館。

．．．なかなか立派です。

玄関の前にあるおなじみの看板。

伊豆の踊子なんでしょうが。
なんか書生さんが踊り子を足蹴にしているように見えなくもない。

本館ロビー。

中も豪華。

しかし本館では風呂だけ入ることはできないらしい。

宿の人に別館まで送ってもらう。

別館は本館のさらに上にあります。

露天風呂からの眺め。

絶景。

やはり温泉はイイ。

人込みは苦手だけどこんな名所が廃れていくのはやはり心許ない。

なんとかしたいものです。

そういえば熱海にはMOAという美術館があるみたいですね。
機会があれば行ってみたいものです。

彫刻庭園美術館入口。

中は中央の屋内ギャラリーを境に主に2つのエリアで構成されてます。
まずは前半部。

屋内ギャラリーに入って。

窓から差し込む自然光のストライプが美しい。

屋内のギャラリーの様子。

再び外の庭園に出る。

屋内ギャラリーを臨む。

庭園池側。

この階段を降りると．．．

ちょっとびっくり。

庭園内のちょっとした丘に置いてあったイス。

桜とクレマチス。

「クレマチス」って植物の名前だったんだね．．．
今回初めて知りました。

庭園内にはちょっとしたガーデンがあって、
クレマチスだけでなく、いろんな植物が植えられてます。

［クレマチス？］

［色鮮やかなチューリップ］

［白いチューリップ］

庭園出口。

この先にレストラン、ミュージアムショップ、ガーデンショップなどがあります。

ランチをとろうとしたのですが、時間帯が遅かったことと値段が高いことで断念。

朝11時頃きて、およそ4時間半。

しっかり堪能して15時半のバスで三島駅へ向かいました。

せっかくここまで来たのだから、と帰りに熱海駅で途中下車して
温泉を堪能して帰りました～

さあ、今日から新学期だ。

ビュフェ美術館エリアは自然の地形を生かした庭園が持ち味。

桜あり、竹林あり、吊り橋あり、といろんなバリエーションに富んでいます。
ヴァンジ彫刻庭園エリアの人工的な庭園とは対照的です。

ビュフェ美術館入口。

向かって左側の壁にビュフェのサインロゴが。

しかし美術館正面に大木を置いていたり、と
基本的に美術館全体の外観を見せない工夫がされてる気がしました。
内部空間を歩いても空間構成が把握しにくい、複雑な構造になってるのかな。

僕のベルナール・ビュフェとの出会いは中村隆夫先生の授業でした。
その授業で紹介された「肉屋の少年」という作品しか知らなかったのですが、
強い線で構成されたその絵に妙に惹かれて心に残っていました。

［肉屋の少年］

ビュフェ美術館はビュフェ作品の熱心な収集家であった
銀行家の岡野喜一郎氏によって設立。
設計は菊竹清訓氏。

ビュフェの作品はもちろん、菊竹氏の設計した展示空間にも興味があって
今回訪れたわけですが、思った以上に素晴らしい空間に感動。
そして中は思ったより広くてボリュームある展示でした。

回廊式のギャラリーではじまり、いくつかの展示スペースへと続きます。

その中でもとくに好きな空間が２つ。

まずは部屋の中央天井からの自然光のトップライトを浴びながら
スロープを下る2階構成の展示スペース。
順路はまず2階の展示を見てスロープを降りていくわけですが、
スロープを下りながら1階の作品をいろんな角度から鑑賞できるのがイイ。
「肉屋の少年」もこの1階に展示してありました。

今ひとつは壁が三面の三角柱の部屋。
高い天井に窓を配して自然光のトップライトを取り入れてます。

思わずスケッチ。

しかし下手くそなのでイマイチ雰囲気が伝わらない。

3つの壁にはそれぞれ2枚ずつ大きめの作品が展示されているのですが、
そのうちの1つの壁に展示されていた「キリストの笞刑」「キリストの復活」という
作品がすごく心に残った。

しかしどの絵を見ても彼の作品には悲哀を感じる。
そして病的な執着、というものも。
それは絵画のみならず、絵に入れるサインにも現れている気がします。
アナベルという良き伴侶、ミューズを得るも、
彼にとっての人生は絵を描くことがすべてだった。
晩年パーキンソン病にかかり、絵が描けなくなることを知ると
アナベルを残して自らの命を絶つことで画家生命に終止符を打った。

愛する人がそばにいながらその幸せに気付くことができなかった。
それが彼の一番の不幸ではなかったろうか。

館内は原則写真撮影は禁止なのですが、
「こども美術館」というエリアだけは撮影OKでした。

いわゆるキッズルームみたいな場所ですが、
平日昼間というせいか子どもは一人もいず。
僕のほかには一組のカップルがいただけでした。

壁にはいくつかビュフェ作品が掛けられていたのですが．．．

子どもがべたべた触ることを考えるとやっぱレプリカなのかなあ．．．

部屋には奇妙なおもちゃがたくさん置かれてました。

これらもビュフェの手で作られたのでしょうか．．．

美術館の外にあるミュージアムショップでガイドを購入。

1,000円也。

すぐ近くに井上靖文学館があります。

さらっと流すつもりがけっこう時間かけて見学してしまった．．．

さて、次はヴァンジ彫刻庭園エリアへ。

花見に誘ってもらったものの、出かけるときになって雨が降り出して。

結局同級生の家に行くことに。

．．．しかし若者の話についてけない。

若者ってどうしてあんなにアニメや漫画が好きなんだろ。
かくいう自分も二十歳そこそこの頃には本棚が一杯になるくらいコミック漫画が
ぎっしりあったけどね。
ニュータイプとか、アニメディア、アニメージュなどのアニメ雑誌も買ってたけどね。
アニメや漫画を見てしょっちゅう妄想してたけど。

．．．今やジブリくらいしかもう興味がない。

そういう大人をみて若者たちは、「夢をなくした大人たち」と思うんだろうけど。

僕はそうは思わない。
現実世界にはもっと面白いものがたくさんある。
見るだけよりも、触れることで感じる喜びのほうが数段素晴らしい。
ただそのことに気付いただけ。

青春を謳歌している若い同級生たちと比べると、
自分はとても禁欲的な学生生活を送っている気がする。
この歳では大学にいてももう青春の日々は送れないのかもしれない。
それでも僕の青春は遅咲きだったけど、バツイチになった時点で
僕の青春時代は完全に幕を下ろしてしまった。

今の若者と同じような人生を過ごせず、
かといって同年代の多くが過ごすような人生も過ごせず、
それが僕の孤独感をなおさら強くさせる。
僕の人生で今の状態を一言でいうならば、
さしずめ青春時代ならぬ「緋春時代」といったところだろうか。

なにが楽しいって今は建築やデザインのことを考えているときが一番楽しい。
学校で講義を聴きながら、新しい自分を発見していくのが楽しい。
学校で自分の作品を作りながら、自分を表現していくのが楽しい。

だから学校がはじまるのが待ち遠しくてならない。

徹夜でオールして（．．．といっても最後のほうは寝ちゃってたけど）、
久々の朝帰り。

せっかく花見を口実に出かけたのだから、と
早朝の帰り道、近所の等々力渓谷付近に咲く桜を撮ってみました。

多摩川の桜も満開でした。

さあ、新学期。

．．．の前に最後の遠出をしてきたいと思います。

以下順路に沿って。

ホテルのロビー。

ロビーを出てすぐの通路。

周遊形式の広い庭が広がります。

水車。

なんとご神木が。

民家らしき建物。中はレストランみたいですが。

長松亭。

長松亭そばの門。

その門を出ると．．．

神田川。

再び戻って小山を登る。

見事な桜。

そして見事な三重塔。

小山を下って。

今日、明日でイベントで能舞台が演じられるとか。
その設営の準備をしてました。

池の向こうにはチャペルが見えます。

滝も見えます。

実は滝の奥はホテルへ戻る通路になっています。

その通路を抜けてすぐのところに．．．

先ほど見えたチャペルの中に入れます。

こんな立派な庭園だったんだな。

普通の人には東京カテドラルよりこちらのほうが名所なんですね。
平日昼間の割にはけっこうな人でした。

結婚式やってたり、イベントの準備したり、観光客がざわざわしてたり。
．．．せわしない。

僕には神聖な静寂さがある東京カテドラルの方が性に合ってるな。

外観については前回の記事で紹介しているので、
今回は主に内部について紹介します。

まずは内部空間の全容。

何度訪れても（．．．といってもまだ二度目ですが）
巨大なコンクリートのピラミッド内にいるようなこの空間には圧倒されます。

それでいて荘厳な静けさ。
コンクリートという近代的なマテリアルを利用しながら
中世からずっと続く宗教の神聖な雰囲気を継承している。

内部は極力照明が落とされていて暗めです。
ゴシック教会では窓を多くとって光を多く取り込もうとしているのとは対照的ですね。
日本の「陰影礼賛」の文化を取り入れているのでしょうか。

それでいて十字部の窓、天窓により適度に外光を取り入れられていて、
素晴らしい空間を映し出しています。

夜は一般公開されてない（17時閉館）ので、
夜間時の照明の様子は見れないのですが、ネットで調べる限りではこんな感じのようです。

［夜間のライトアップ］

中央祭壇の十字架。

天井部分。

後方パイプオルガンへの階段。

見学者は登ることはできません。

パイプオルガン。

重厚でありながら、浮遊感も感じさせる不思議さ。

聖歌隊らしき人がパイプオルガンの演奏の元、聖歌の練習をされていました。
音楽については素人ですが、コンクリートシェルに反響する音色がことさら
神聖な雰囲気を醸し出しているように感じました。

受け付けそばにある洗礼室。

ピエタ像。

聖マリア像。

いずれも天井からの自然外光を取り入れることにより、
自然の神聖さ、というものも示唆するように工夫しているように感じました。

前回はいきそびれた地下聖堂へも行ってみました。

地下聖堂への通路。

地下聖堂全体。

祭壇。

聖堂の隣にある納骨堂。

空間を意識させるもの。

それが「建築」というものなんでしょうね。

［幾何学的な線が強調された窓］

レイアウトとしては、中央芝生広場を逆U字状に取り囲むように建ってます。

天気が良く、芝生でお花見をしている親子がけっこういました。

ファサード。

桜がキレイでした。

サイドの側廊。

大教室「としま」。

天井に桜の花びらがライトアップ。

廊下の天井照明。

建物中央部にある食堂。

基本平屋なのですが、食堂は少し床が高くなっていて半二階状態。

食堂の前がさらに床が高くなっていて、ロフトスペースがあります。

明日館の模型や、ライト設計の家具や照明など、
ライトのちょっとした資料スペースになってます。

中央下側はホール。

中央の切妻の形を生かした窓。

独特の形のチェア。

道路を渡って講堂へ。

ステージから入口側を望む。

ステージ奥の小部屋で見つけた素敵なスツール。

良いものは時代を超えて評価される。

どれだけ早く評価されるか、ということよりも
どれだけ永く評価されるか、ということを意識したいものです。

けっこうイイ感じだけど、
満開時には桜の花びらの重みで枝がたわみ、
背景の目黒川に重なる様がさらに美しくなるはず。

．．．なので見頃は1週間先かな。

一番良い時期に新学期がスタートする。
なかなか幸先良いスタートの予兆ではないでしょうか．．．