Tadaoh! Design

［チケット。至ってシンプルになりました］

［今年も配ってたラブバッジ。今年はゴールドです］

もらっても使い道ないんですけど．．．

［入場ゲートで配布されるバッグ］

今年も形は同じ。デザインもほぼ同じ。
片面が画像のようなロゴになったくらい。
（裏面は去年と同じくラブバッジです）

［パンフ類］

このほか気に入った展示のパンフなどが今年もどっさり。

規模は去年とほぼ同じくらいですかね。

メインテントが去年の2つから3つに。
ただ去年は屋外バラックが増えたテント1つ分くらいなので、
やはり規模としては同じくらいなのかな。

去年と同じく入口は行ってすぐのところに海外デザインを紹介する
Brickfangテントがありますが、英語が苦手なので今年も軽く回る程度。

コンテナー展示は今年はやや少ないように感じました。
これといってあまり面白そうなのもなかった気がします。
なによりあの閉塞感があまり好きじゃない、というのもあるけど。

去年はあった伝統工芸会場は今年はなかったのが残念。

．．．こうしてみるとやはり規模は縮小してる気が．．．

今年はなぜかチェアの展示が多かった気がします。
往年の名チェアがずらりと並べて紹介していたり、
学生のコーナーもチェアが多かった気がする。

良かったのはマルニ木工の「MARUNI COLLECTION2008 『HIROSHIMA』」。

シンプルな中にも要所要所に現れる美しい曲線。
そしてなによりすごく気持ちの良い触り心地。
何度も何度も木肌をなでちゃいました。

このあとちょうどマルニ木工の人が講演をしていてそれを聞いたのですが、
これがまた素晴らしかった。

3年がかりで12人のデザイナーと共同で創りだした「nextmaruni」シリーズ。

［AZUMI］

その中の1つ、AZUMIを例にとって苦労話を聞きました。

モノは形を考えればそれでいい訳じゃない。
形を考えるデザイナーがいて、それを作るクラフトマン（メーカー）がいる。
モノをビジネスとして売るならば、それを効率よく量産できなければならない。
デザイナー自身はモノを作らずとも、その後の量産をふまえた造形を
しなければモノは生まれてこない。

その意味でプロダクトデザイナーは「ものづくり」を
知っていなければならないと思うのです。

12人のデザイナーと3年がかりで開発した「nextmaruni」は
とにかく大変だった。
なによりデザイナーの意志を反映させることが忙しくてマルニ木工としての
意志が反映されなかったことが悔しかった。

．．．ということで一人のデザイナー、深澤直人氏と組んでじっくり作り上げたのが
「MARUNI COLLECTION2008 『HIROSHIMA』」なのだとか。
「溶けるようなデザインを」という深澤氏の要求に応えるのも
なかなか大変だったそうですが。

タイトルの「HIROSHIMA」が自分の出身地であるのが親近感を感じます。
創業80周年記念として生み出され、創業地の広島をそのままタイトルにしたのだとか。

この「HIROSHIMA」が今回の一番かなあ．．．
と思ってたらこれを越えるモノがカリモクのコーナーにありました。

［カリモクのパンフ。見る角度で見える絵が変わります］

カリモクは去年も同じ展示場所で見て座って、すごく良かったのを憶えてます。

今年もチェアを中心に「そう遠くない未来」と題して参考出品されていたのですが、
参考出品のためまだ商品化されておらず、
かつ会場内は撮影禁止なので画像が出せないのが残念です。

一番好きなのはNo.08-1のロッキングチェアとNo.08-6のダイニングチェア。
座り心地、造形ともにすごく良かった。

QRコードを読み取ってアンケートに答えると
先着3,000名で木製マグネットがもらえます。

2時間半ほどで見終えると、外は真っ暗。
会場の奥にある立派な建物がライトアップされていてキレイだったので、
そっちのほうにふらふら歩いてゆくとこちらにも出口が。

家に帰って調べたら、この建物は「聖徳記念絵画館」というのだとか。
そして「外苑」というのは明治神宮の外苑ということだったんですね。初耳。

この絵画館の前にテントが。

ここもTDWの会場の一つなのだとか。
ただしここはメイン会場外でチケットは不要なので無料で入れます。

中はTOYOTAとSOMARTAとのコラボによる次世代コンセプトカー「iQ」の
インスタレーション。

ファッションにも興味はないし、
めっきり乗らなくなった車にも興味はなくなってきているので
あまり興味をそそるものではなかったのだけど、
この会場に置いてあったチェアが素晴らしかった。

［ちょっと女王様チックだけど］

さて、明日はデザインタイドだ。

5人一組くらいでグループを組み、
一人が自分が撮った1枚の写真をなぜ、どういう経緯で撮影したかを説明する。
そして他の人はその話を聞いて客観的に掘り下げる。

最初に先生がこんな感じでやるんだ、というようなデモンストレーションを
してくれたのですが、よくもまあここまで引き出せるものだなあ、と。

鋭い観察者であり、優れたインタビュアーでもある。

あとでグループで学生同士でやったのですが、浅い浅い。

なかなか四苦八苦です。

まあすぐに先生のようにできるなら授業としてやる意味ないもんね。

やればなにか得られそうだけど、いかんせんその過程が見えないから
分かりづらく、取っつきにくい。雲の中にいるようでなんか気持ち悪い。

しかしまあ雲の上の青空を信じてやり続けるしかないんだよね。

情報系の授業は地味でハードな授業なのだ。

僕が一番見たいのはなんといっても関根伸夫の「位相－大地」。

なんかの本を読んだときに知ったのですが、
1968年に作られた作品なのですが今見てもすごく存在感を感じる。

地中に丸い穴を開け、そのそばに穴から掘り出した土で盛られた円柱が立つ。

二元論を視覚化したようにも見えるし、建築の始源を表現しているようにも見える。

このオブジェが40年ぶりに再現される。

アートラインプロジェクトの会場は東急多摩川線全７駅で
展開されるようなのですがこの作品がどこで展示されるのかが、
オフィシャルサイトを見ても明記してない。

事前に告知しちゃうと人が集中しちゃうからかなあ．．．

でも絶対見たい！

僕はけして真面目な人間ではない。

これは謙遜でも卑下でもない。客観的に自分を分析してそう思う。

学校にまめに通うのは好きだから。
遅刻をしないのは遅刻が嫌いだから。
遅刻をするくらいならさぼろうと思う。

でも授業が楽しいからさぼらない。
だから遅刻もしない。

好きなものをたくさん見たい。
好きなことをたくさんしたい。
好きなモノをたくさん創りたい。

ただそれだけ。

僕は「イベント」というものが苦手です。

　　イベント＝「できごと」

という等式が僕にはすんなり受け入れられない。
イベントという言葉には作為的、人為的な意味合いがあるような気がして、
そこが好きでない部分でもある。

しかしモノはただモノであるだけなら、デザインという存在は必要ない。
モノを介して人と人が介することで発生するイベントによりなにかしらの恩恵を蒙る。
良いモノを創るということは同時に良いイベントを創ることでもある。

初日は4枚の紙が配られてそれぞれの紙に、
「うれしくなったこと」「楽しくなったこと」「心地よかったこと」「せつなくなったこと」を
書き出して自己紹介がてらに発表しました。

「せつなくなったこと」がダントツに多かったのは、
せつない人生だからか、はたまた単にネガティブなだけなのか。

うれしくなる、ということはどういうときにそうなるのか。
楽しくなる、ということはどういうときにそうなるのか。
心地よくなる、とはどういうときにそうなるのか。
せつなくなる、とはどういうときにそうなるのか。

それぞれの感情がドライブされる要素（イベント・ドリブン）を
紙に書き出すことで整理する。

うん、整理は得意分野だぜ。

たくさんの情報を整理し、良い情報を取り出し、組み合わせる。
それが情報デザインにおける「ものづくり」なんでしょうね。

ボーダレスな現代ではモノが見えるか見えないか、触れるか触れないか、
なんてことはそれほど関係ないのかもしれませんね。

僕自身はあくまで「触れること」にこだわりたいですけど。

．．．まあ経験値を上げると思って頑張ります。

ページを開いてみれば半分くらいがカラー写真と図面で意外と読みやすい。

正確にはゴシックとは中世ヨーロッパの美術様式。
時代的にはまず11-12世紀にロマネスク様式が誕生し、
次いで13-14世紀にゴシック様式が誕生、
そして15-16世紀のルネッサンス様式へと流れていきます。

フランス、ドイツで発生し、イギリスに渡ってさらに展開していった。
ルネッサンスの発祥地であるイタリアでは、
やはりゴシックに対しては反発感があるらしい。
ただ世界最大級のゴシック建築はミラノ大聖堂らしい。

簡素でシンメトリーだったロマネスク様式に対して
ゴシックはまさに「暴走」といった感じです。
適度な要素の反復はシンプルな美しさがあるものですが、
それが暴走して過剰になると「装飾」となり、豪奢になる。

ゴシックとはそういう暴走を侮蔑する意味合いをこめて
つけられた名称なのだとか。．．．これは意外だった。

また、より光をたくさん取り入れようとして壁を薄くし、
大面積のステンドグラスを採用する。
そのため壁の強度弱くなり、
その補強としてフライング・バットレス（飛び梁）を多用する。

屋根のヴォールトとこのフライングバットレスの過剰な繰り返しが
ゴシック建築の特徴のようです。

都市の庶民を全て受け入れ、彼らに神の世界を解放しようとするから
ゴシック建築は規模が大きく、長い年月をかけて
垂直性の強い高い建物が都市の真ん中に建てられた。

ロマネスクが修道僧の住居として小規模なものが
田舎に建てられたのと比べると対照的です。

過剰な暴走が度を超えたところで原点のロマネスクへ戻ろう、
という動きがルネサンス（再生）なんですね。

シャルトル大聖堂は聖母マリアを祭ったノートルダム大聖堂の1つ。
ノートルダム大聖堂で他に有名なものとしてはパリ、ランス、アミアン、
ストラスブール、そしてモネが描いたルーアンなどがあります。

．．．とまあ解説的なところはなんとなく分かるのですが、
磯崎氏や五十嵐氏のゴシックやシャルトル大聖堂への思い入れ、
考え方の記述となると難解になってくる。

まあ磯崎氏自体はゴシックはそれほど好みではないみたいです。

僕自身はゴシックはすごく好きです。
．．．といってもロマネスクやルネッサンスの建築を
それほど知ってるわけではないのですが。

ゴシックを見たあとにモダニズムの建築を見るとなんか物足りなく感じてしまいます。
ミニマリズムももちろん好きなんですけど。

ゴシックは確かに豪奢だ。
でも派手とか、人の奢りとかそういうものは僕は感じない。
ロマネスクの暴走、といってもそこにはちゃんと秩序は存在し、荘厳さが存在する。

まあゴシック末期は確かに装飾が過剰だなあという気はしますが、
初期から中期のゴシックは低度なモニュメンタリズムがあると思う。

難解な磯崎氏の解説ですが、心に残る名言が1つ。

　　「建築の起源は（人間の）オーラである」

建築は人間を内包するプロダクトである。
建築という殻の中の「空間」というオーラに包まれて僕らは生きている。

母の胎内にいるように。

　　Dezeen：　Melissa shoes by Zaha Hadid Architects

こちらは婦人靴編。

こちらもいかにもザハらしい。

この香水は「Bitter」と「Sweet」の二種類二本のボトルセット。
入れる香水はどちらもアップルミント。
ただしアップルとミントの配合の比率を微妙に変えています。

緑の「Bitter」は青リンゴ。人生の「酸い」担当。
ミント強めで清涼感を強調。
仕事時などフォーマルな場面で気分を引き締めます。

赤の「Sweet」は完熟リンゴ。人生の「甘さ」担当。
甘さ強めで色香を強調。
恋人とのデートなどプライベートな場面で雰囲気を盛り上げます。

形はリンゴの実をかじったあとの芯がモチーフ。
直方体を水平方向に90度ねじった造形としました。

リンゴの一番おいしいところは芯の種のそばにあるといいます。
また、一見単純でつまらない形もちょっとひねるだけで面白い形になる。
さらにこの造形を反復させることで造形美を強調させる。
ボトルを二本セットにしているのはそういうねらいもあります。

本質というものは目の前にあるけれど見えない。
でもちょっと見方を変えるだけで見えてくるものでもある。
この造形にはそういった意味合いを込めました。

この香水のキャッチコピー。

　　「フレッシュマンのみなさん、世の中の「酸い」と「甘い」はお早めに。」

ロゴはモチーフのリンゴに商品名を冠したもの。
パッケージはごくシンプルな直方体の箱にロゴをグロス（光沢）プリントしたもの。
単純な線構成にして本体への対比をつけ、
より本体の造形が際立つようにするのがねらいです。

ボトルの素材は陶器。
ボトルの存在感を出すためにあえてガラスは使用せず、
それでいて香水の煌びやかさを出すためにボトル、パッケージ共に
ツヤ（光沢）が出る素材を設定。

値段は2本セットで3,000円。
入門者向けとしては妥当な線、というところで。

．．．というような内容を以下のプレゼンボードで用意。

課題1と同じく今回もプレゼン後に学生同士で作品投票。
課題１ではゼロ票だったのが今回は1票得ました。
しかも多くの票を得た人から。
それだけでも大きな進歩だね。

周囲の同級生曰く、今回の作品は僕らしくない、らしい。良い意味で。
ポップでグラフィカルに見えるようです。

自分としてはこれまでと同じスタイルでのぞんだつもりですけどね。
同じ作品でもいろんな見え方があるみたいです。

なにはともあれ今回も自分で納得できる、自分が好きになれる造形が実現できた。
それが一番の成果。

投票後に時間が余ったので質問コーナータイム。
要望としてもっとNCを自由に使えるような環境を、という要望を出したところ、
「ここは（ものづくりの場所ではなくて）デザインを学ぶ場所だから」という
理由で却下されました。

．．．なんか違う気がする。

自分のやりたいデザインがこの学校にないのか、
はたまた自分のデザインに対する解釈が間違っているのか、
自分がやりたいことはデザインではない、ということなのか。

それは今はまだよく分からないけど、なんか違う気がする。
なんか違和感を感じる。この場所に。

デザイン学科長に転学の許可を受けに行きました。
さらっと志望理由に目を通したあと、なにも言わずにサインと捺印。

．．．この学校は学生に対する愛情があるのだろうか。
そう感じずにはいられない。

八王子もそうでないことを祈りたい。

自分では以前と変わらずマイペースで過ごしているつもりなのですが、
なんか最近自分とその周囲の流れが速くなり、戸惑っている今日この頃。

まず仕事が増えた。それもデザインや建築関係の。
厳密には仕事の「種」が増えたのであって、
収入は相変わらず少なくて苦しいのですが。

しかしこれもスペースデザインコースの助手さんのおかげ。
プロダクトデザインコースに進んだものの、やはり建築大好きは変わらず、
たびたび研究室に顔を出してはDVDや参考書を借りたりしているうちに
助手さんと仲良くなって、忙しい助手さんの仕事を手伝うようになった、というわけです。
感謝感謝。

現在3人の先生の手伝いと助手さんが関わるプロジェクトの手伝い、
これに以前からつてのあるIT会社のアルバイト。

これまで同時に複数の仕事が来るなんてことなかったからな～
だからちょっと戸惑るんだな。

さらに。
来月早々から転学の申し込みもはじまるわけで。
まだ悩んでいるけど、一つ分かっているのはしなきゃ絶対後悔する、ということ。
これだけは確か。
だからまだ学費のめどがつかないけど申し込むつもり。

ただその前にもう一つの選択肢である
早稲田大学芸術学校の学校説明会に行って話を聞いてきます。

来月頭はデザインイベント目白押しです。
うちの大学も芸祭なる一大イベントが開催されます。
が、僕は去年と同じく今年もノータッチ。
見にいくかどうかも迷ってます。
．．．お祭りは苦手なのだ。

いろいろあるけれど。
総合的にみれば、順調なんだよな、きっと。

うん、そうに違いない。

．．．と自分に言い聞かせるための記事でした。

「忙しい」という言葉が嫌いです。
忙しい、ということは活動的なのとは違う。アグレッシブなのとは違う。

忙しいのが美徳、とする風潮が嫌いです。
本当に好きで打ち込んでいるならば、その状況を忙しいとは思わないはずだ。

忙しい、という状態とは自分に余裕のない状態だ。
自分にとって新しいものは「余裕」から生まれるものだ、というようなことを
脳科学者の茂木健一郎さんも言ってた気がする。

余裕のない人生だけは送りたくないものです。

金はなくとも余裕は作れる。

きっとね。

なんか流れの悪い、途切れ途切れの記事になってしまったな．．．
たぶん自分の心の中もまだ整理できていないんだろうな。

そのほかのお気に入りたち。

［真珠の耳飾りの少女］

『美の巨人』ですっかりおなじみ。

青のターバンと赤い口紅のコントラストがイイ。
ここでもフェルメール・ブルーが効果的に使われてるようで。

［手紙を読む女］

こちらを「恋文」としたほうがいいような．．．

［恋文］

恋文を受け取った女性の心持ちは、はたして嬉しさなのか、戸惑いなのか、
はたまた不安なのか．．．

［窓辺の女］

修道女のような清々しさ。

［絵画芸術の寓意］

奥の女性は「ミューズ」なのか？

［小路］

最近『美の巨人』で取り上げられてたね。

［デルフト眺望］

こんなマクロな風景も描いてたんだね。

何気ない日常性を描いているはずなのに、
宗教画のような清潔さを与える。

絵自体はそれほどぱっとしないのだけど、
色が絵に輝きを与える。

．．．色ってやっぱり大事。

いくつかバージョンがあるようです。

これらの絵も好き。

［聖誕］

［聖セバスティアヌスの死を嘆く聖イレーヌ（1649）］

［ヨブ（1645）］

．．．とくに信心深いわけではないけれど。

昔から宗教建築、宗教美術は好きだった気がする。

そこには救いがあるからか。
心の浄化作用があるからか。

闇があるから光がある。
闇の暗さを分かって光の明るさが分かる。

だからラ・トゥールはこんな絵も描いたのでしょう。

［いかさま師］

闇に染まらず、光の中にいることを忘れず。
これすなわちより良く生きる道なり。

［ロバート・ヴェンチューリ「あひると装飾された小屋」］

本書で取り上げている16のキーワードは以下の通り。

　　１．「形態と機能」
　　２．「バロック」
　　３．「斜線とスロープ」
　　４．全体／部分
　　５．レム・コールハース

　　６．住宅建築
　　７．身体
　　８．日本的なるもの
　　９．戦争の影
　１０．スーパーフラット

　１１．歴史と記憶
　１２．場所と景観
　１３．ビルディングタイプ
　１４．情報
　１５．メディア
　１６．透明性と映像性

１．形態と機能

ルイス・サリヴァンの「形態は機能に従う」を1つの大原則としたモダニズム。
ここでは建築を語る上で最も基本的な事項である
「形態」と「機能」の関係が論じられています。

・ロバート・ヴェンチューリによる「あひると装飾された小屋」。
　「あひる」は建物の形がそのまま空間の機能を表しているもの。
　一方「装飾された小屋」は空間の機能は看板などのサインにより表したもの。

・青木淳の「原っぱと遊園地」
　空間の機能はそこに訪れる人間が自由に決める「原っぱ」。
　一方空間の機能があらかじめ決められている「遊園地」。

２．バロック

「情熱的なもの、理性では抑えきれないもの」（美学者エウヘニオ・ドールス）。
閉ざされたルネッサンスに対し、開放的なバロック。
円形を多用したルネッサンスに対し、バロックは楕円を多用する。
一方でバロックは動きを表現するものでもあった。
従来は隠されていた「階段」をパリオペラ座ガルニエ宮のように
見せるものにした。

３．斜線とスロープ

連続性とスピード感の象徴。
ル・コルビジェのサヴォア邸、ライトのグッゲンハイム美術館。

４．全体／部分

建築は建築家だけが作るのではない。
構造設計者、大工、施主、そして時には住人や利用者が関係してくる。
現代建築においてはこれらの集合体である全体で建築はできてゆく。
全体主義のモダニズムに対するものがブリコラージュ（器用仕事）。
その時々の状況に応じて部分が全体に優先する。
今後の建築にはそんなブリコラージュが求められているのか。
そのためのツールとして「パターンランゲージ」なるツールも提唱されている。

５．レム・コールハース

「ル・コルビジェの継承者」という表現はいささか納得しかねます。
彼の建築は「住むための機械」という表現が合わなくもない、とは思いますが、
晩年コルビジェがたどり着いたロンシャンの礼拝堂やカップマルタンの小さな家
のことを考えると今のコールハースがそこへ行き着くとはとても思えない。

まあでもコールハースについてはよく知らないわけで、
もっと彼について勉強しなければならないのかもしれない。
「錯乱のニューヨーク」は読んでおきたいな。

６．住宅建築

一番小さな建築である住宅。
その意味においては建築の細胞みたいなものなのかもしれない。
どんな巨大な建築をしてきた偉大な建築も
人間の原点回帰志向としていずれは母の胎内である「小さな家」へと行き着く。
コルビジェのように。

７．身体

建築は人間を内包する空間をもつ。
だから建築は人間の「身体」と常に深い関係を持つ。
生物というものは神から与えられた美しい比率（黄金比）を持つ。
だから建築は人間の身体を模倣し、人体を表現するものでもある。

建築少女研究会というのが面白かった。

８．日本的なるもの

神社（天皇）は直線的（モダニズム的）。
寺院（将軍）は曲線的（ポストモダン的）。

粗野でダイナミックな縄文式。
繊細でミニマルな弥生式。

縄文式の例として藤森照信、弥生式の例として隈研吾。
肉食獣のコールハースに対し、草食獣の伊藤豊雄。

白派と赤派。
洗練されて抽象的な白派。
ミースや槇文彦など。
自然素材を好み曲線的な赤派。
後期のコルビジェ、石山修武、藤森照信など。

９．戦争の影

戦争時代を経験してきた磯崎新、黒川紀章、菊竹清訓を挙げています。
戦後の廃墟を見てきた彼らにしてみれば建築は永遠ではない、
という考えが根底にあるのだとか。

果たして本当にそうなのだろうか。
人類の可能性を信じ、長く残る建築を作っていこうとする姿勢があるように
僕には思えるのですが。

１０．スーパーフラット

元は村上隆の造語。
確かに現代は外観がフラットな建築が多いけれど、それだけじゃなく、
概念的にもフラットになってきているとか。
テレビがブラウン管から液晶へと薄くなっていくように。
ヒエラルキー（階層構造）の崩壊をフラットという言葉で置き換えている側面もある。

しかし三次元であるはずの建築が二次元化している、
という状況ははたして良い方向性なのだろうか．．．

１１．歴史と記憶

建築史はもはや一人の建築史家で語れなくなった。
まあ複雑な現代社会では建築に限らずあらゆる分野でそうだと思いますけどね。

１２．場所と景観

建築は一度建てたら基本的にはずっとその場所に存在する。
だから建てられる場所＝環境がとても重要な要素となる。

地域性というものは同じ建物を広域にわたって建てることで分かってくる。
古代ローマ帝国のように。

「ゲニウス・ロキ」（景観の三類形）
１．「ロマン的な景観」
　　起伏のある山、森など微細な地形に囲まれたエリア。
　　ヨーロッパの北方、プラハなど。
　　このタイプの建築家：　アルヴァ・アアルト

２．「宇宙的な景観」
　　ほとんど山がなくて天空と大地が出会う、ただそれだけで構成された景観。
　　アフリカなど。
　　このタイプの建築家：　ルイス・カーン

３．「古典的な景観」
　　海と接していて明快なイメージを持つ、囲われた領域としての景観。
　　ヨーロッパ南方、ギリシャなど。
　　このタイプの建築家：　ル・コルビジェ

１３．ビルディングタイプ
　　
看守がいなくても成立する理想の監獄「パノプティコン」。
現在の文明をもってすれば不可能ではないのだろうけど、
監獄はやはり監獄だ。
理想の場所にはならないと思う。

コンビニも漫画喫茶も便利だけれど、
果たしてこれからのビルディングシステムの未来を担うものになるのだろうか。
僕には疑問です。

便利であることが幸せであるとは限らない。

１４．情報

情報化社会に最適な建築とはどういうものなのだろう。
正直よく分からない。
建築単体であれば、それほど情報化社会を意識する必要もないと思う。
情報の流通となるとそれはもう都市論レベルでの話になる。
都市は建築を内包するけれど、個人的には建築と都市論は別な気がする。

１５．メディア

ここもなにが言いたいのかよく分からなかった。
CGが一般的になって、誰でもキレイなパースが作れるようになったから、
今度は模型のでかさで勝負、というのもなんか子供じみてる気もする。

この本を薦めてくれた大学の助手さんによれば、
CGはもうありふれてるからこれからは手書きの時代がまた来るとか。

１６．透明性と映像性

透明性はガラスの多用による物理的なもの（リテラルな透明性）と、
1つのファサードに複数の要素がレイヤー状に重なり合うさまを言う
フェノメナルな透明性の二種類にがある。

映像性は本来静止物である建築に時間軸要素を付与することで
建築を四次元的に表現しよう、ということなのでしょうか。
渋谷Q-FRONTや新宿ALTAのように
単純にビルの壁面に巨大ディスプレイをつけたもの、
建築の周辺に水面を配することで動きを意識させようというもの、
ガラスの多用も動きを意識させるものといえる。

個人的には建築の四次元性については
あえて意識する必要もないと思うんですけどね。

だって建築が内包する空間で人は過ごし、
建築家はその空間での過ごし方を考えるわけで、
その時点で建築には四次元の要素が付与されているのだから。

2008年7月15日号のPenで倉俣史朗特集が組まれてるようです。

この本をAmazonで買う

実物を去年12月に見ました。
東京都美術館で開催されたフィレでルフィア美術館展で。
やはり実物のほうがインパクトはあります。

直方体の形をほとんど崩すことなく愛を具現化しているところがステキ。

直方体という本来愛とは無縁のように思える幾何学図形を
邪魔者扱いせずに逆に愛を強めるものとして使っているところが
この作品の魅力なのでしょうか。

さて、次こそ抽象彫刻を．．．
と考えてみたところ、イサム・ノグチしか思い浮かばない～

追記でベルニーニの「女を追いかける男」の作品をもう一点。
「プロセルピナの掠奪」。

こちらはローマ神話。
女神プロセルピナを彼女に惹かれた冥界の王プルートに掠奪される。

アポロンとダフネ同様に、
プルートの手から逃れようとするプロセルピナの身体のねじれが
ダイナミズムを表現すると同時に調和も表現している。
まさしくバロックの真骨頂。

プロセルピナの柔肌に食い込むプルートの荒々しい手。
とても大理石でできているとは思えないほどの肉感。

まさしく天才のなせる技。

ベルニーニの作品はローマのボロネーゼ美術館で見ることができるようです。

いつか本物を必ず見に行く。
（本記事の画像はすべてネットから拾ってきました）

具象はこの辺にして、次は抽象彫刻のお気に入りを紹介したいと思います。

この世界にはどれだけ美しいものが存在するのだろう。

どれだけ時が経っても美しいものは生まれ続けるのだろうか。
それが人間の可能性というものなのだろうか。

さらに美しいものを生み出すために僕らは過去を学ぶ。

温故知新。
学びて思わざれば、則ち罔（くら）し。
思いて学ばざれば、則ち殆（あや）うし。

毎週土曜は朝から八王子の授業。

連日の仕事の疲れで朝起きれず。
いや、一度は起きたのだけどベッドを出ることができず。
いや、ベッドは出たのだけど、出かける準備をする気が起きず。

．．．結局さぼってしまいました。

好きな授業だけにかなり凹みます。

そういうときにこのピエタ。

とくにキリスト教信者でもないけど。

ピエタは宗教を越えて人々に慈悲を与えてくれる。

さあ、後半の授業に出かけてこよう。

ベルニーニのダビデ。
ミケランジェロが闘いの前の「静けさ」を表現しているのに対し、
今、まさに闘いがはじまったという「躍動感」。

ルネサンスの秩序と、バロックのダイナミズムとの対比がよく現れていると思います。

どちらかといえば、具象よりは抽象が好き。
しかし2つのダビデ像はこんなにも具象でありながら、
あらゆる人々に普遍的なメッセージを送っている。

しかしミケランジェロのダビデは世界一美しい裸体ではないだろうか。

闘いを前にしてなぜフルヌード？．．．という気もしなくはないけど、
フルヌードもここまで美化されれば、
大衆の面前にさらされても嫌悪感を抱かないものなんですね。
美化される、といっても素材が石である以外は
美化するための作為は感じられない自然な表現なんですけどね。
そこがまたこの作品が美しい所以なのでしょうか．．．

「真の美」を備えるものはその外形が具象であるか、抽象であるかなんて
そんなに関係ないのかも。

そして真の美は時を越えて不変なのだ。

ミケランジェロのダビデ像はフィレンツェのアカデミア美術館に、
ベルニーニのダビデ像はローマのボルゲーゼ美術館で見ることができます。

いつか本物を見に行きたい。
（画像は全てネットから拾ってきました）

［ルノワール 『ラ・グルヌイエールにて』］

ラ・グルヌイエールはルノワールと椅子を並べて制作した絵として有名です。

ルノワールの描いたラ・グルヌイエールと比べると、
ルノワールが水の上の人工島や船、遠景に視点を置いているのに対し、
モネはあくまで水面を主体に描いており、
彼の水を介した光の表現への並々ならぬ入れ込みが伺えます。

その入れ込みが引き出す「光」に引き込まれる。

こんなにも美しく、個性的な絵が、
発表当初は未完の習作と酷評されてたなんて信じられない。

安定による「当たり前」がいかに新しいものにとって脅威か。

でも安定を求めるのは人間の本能だから。
それでいて変化に魅力を感じるのが人間だから。

本当に良いものはじっくり時間をかけて作るべきなのだ。
そしてじっくり評価されるべきなのだろう。
それがスピードを求めすぎた20世紀に対する反省なのかもしれない。

良いものを作るにはたくさんのアイデア出しが必要だ。
とにかくなにも考えずに手を動かせばなにか生まれる。
偶然から得られるものもある。
それは正しい。
でもそれは全てじゃない。一つの手段でしかない。
そしてそこにスピードを求めすぎると良いものを見過ごしてしまう。
時には1つのことをじっくり考えることも必要だ。

だから僕はあせらない。
自分が作ったものがすぐに評価されなくても。

多くを学びながら熟考し、かつ自分の感性に敏感であるならば、
自分が作ったものをまず自分が好きになれる。
そして周囲もだんだん好きになってくれる。

．．．きっとそうなんだ。
そう信じることが大切なんだ。

んで。
瓶と箱の形を考えはじめたのですが。

第一案。
ミカン形の瓶に葉っぱの形をしたフタ。
安易だ。それに具象的すぎる。
．．．却下。

第二案。
ミカンの房の形をしたものをたくさん集めて皮で包む。
やっぱり安易だ。そして具象的すぎる。
．．．却下。

第三案。
両手で香水をすり込む仕草を造形化する。
自分のコンセプトが全く反映されない。
．．．却下。

第四案。
みかんを「絞る」から箱をねじった形態にする。

．．．いーんじゃない？

．．．というわけで第四案を採用。
しこしことスタイルフォームを削って、削って、削って。
三つほど作ってみた。

手仕上げなので微妙にカーブが歪むけど。
やればできるじゃん。

とくに意識したわけじゃないけど、
やはり最近好きなゲーリーやカラトラバの影響が出てるな。
二人ともこういう建築創ってるもんな。

着実に自分の引き出しが増えているようです。

あとは微調整して、着色して、パッケージ考えて、コンセプト整理して、
プレゼン用のパネルを作らなきゃ。

ああ、やることいっぱいだなあ．．．

［ブラザー・クラウス野外礼拝堂 - Wikipediaより］

ピーター・ズントーもさることながら、世界文化賞なるものもよく知らなくて。

こういうときはWikipedia。

正式には「高松宮殿下記念世界文化賞」。
1988年、日本美術協会により設立、
文化芸術の分野でノーベル賞を補完しようとするのが目的、
「絵画」、「彫刻」、「建築」、「音楽」、「演劇、映像」の5部門で優れた人物に授与。

建築分野での過去の受賞者を見ると、

I.M.ペイ、フランク・ゲーリー、丹下健三、レンゾ・ピアノ、安藤忠雄、
アルヴァロ・シザ、槇文彦、ジャン・ヌーヴェル、レム・コールハース、
オスカー・ニーマイヤー、谷口吉生．．．

蒼々たるメンバー。

彫刻部門ではあのダニ・カラヴァンもいます。
三宅一生って彫刻やってたっけ？

まあとにかくすごい賞なわけだ。
プリツカー賞とどちらがすごいんだろ。

［『水滴』。　会場内は撮影禁止だけど会場外からならいいでしょ．．．ということで。］

会場の前半は美術館を一つの環境として、
カラヴァンの彫刻作品が展示してあります。

環境彫刻、とあるだけにその彫刻が展示している空間では
空間そのものがすごく意識させられる。
なぜか美術館の屋根や壁はどうなっているんだろうと
周囲をきょろきょろしてしまいました。

周囲を意識させる。
これが環境彫刻の力なのでしょうか。

上記の画像は「水滴」と呼ばれる作品で円形の展示室の一角に
砂を配した「庭」に4つの石が積まれた山が置かれています。
山の一つに鹿威しが置いてある。
他の3つの山は頂上が尖っているのだけど、
鹿威しが置かれている山だけ頂上がくぼんでいる。
実際には鹿威しには水は流れていないのだけど、
頂上がくぼんでいることで水の流れを表現されていることが分かる。

龍安寺石庭のイスラエル版、といったところでしょうか。

後半はこれまでの作品展示。

カラヴァンは最初絵画を学び、
その後舞台美術をやるようになった。
舞台が終わると姿を消してしまうことに満足しなくなり、
イスラエルの野外に作ったネゲヴの記念碑で本格的に環境彫刻に挑むようになる。

正直絵画作品のほうにはあまり魅力を感じませんでした。
コルビジェの絵に魅力を感じないのと同じように。
この人はやっぱり根っからの三次元表現者なのだと思います。

環境彫刻作品は模型と動画で紹介されています。

ネゲヴの記念碑。（写真はオフィシャルサイトより）

立体的に配置された多数の幾何学図形が人々の目を惹きつける。
幾何学図形というと、どこか無機質で非人間的な印象をイメージするけれど、
よくよく考えれば全ての生物の構成をミクロ的に見れば
幾何学的で規則正しい原子の配列で構成されているわけで、
我々を構成する基本構成単位なわけです。
言うなれば人間だって幾何学配列の集合体なわけで。

幾何学図形への興味や魅力はとどのつまり、
自分自身の原点への回帰願望ではないのでしょうか。

ネゲヴの記念碑の内部。（写真はオフィシャルサイトより）

カラヴァンの一連の作品にはこのような「光の格子」が特徴としてよく現れます。

日本にもたくさんの作品があって、ブロック1つで日本での作品が紹介されていました。

札幌芸術の森野外美術館。（写真はオフィシャルサイトより）

モエレ沼のイサム・ノグチへのオマージュとして作られたもの。
なるほど、イサム・ノグチの後継、進化形と見えなくもない。

このほか宮城美術館、室生山上公園、霧島アートの森、宮城県美術館ほか
実に多くの作品が日本の美術館に設置されています。

すっかりカラヴァンの虜になって当然のごとく図録を購入。

豪華なカバーつき。

カバーをとるとこんな感じ。

付録として世田谷美術館でのオリジナル作品を収録した小冊子がつきます。

いやー、カラヴァン素晴らしい。
展覧会は今月21日までやってますので興味のある方はぜひ。

フランク・ゲーリーはザハ・ハディドやダニエル・リベスキンドなどの
曲面を多用した複雑な建築の走りではないでしょうか。
複雑な曲面の設計を実現したのがCATIAというコンピュータシステムであり、
元は航空機の設計に使われていたCADシステムを、
ゲーリーの事務所と共同で建築設計にも使えるように改良、改善した。

このシステムにより複雑な曲面をただ実現できただけではなく、
設計の初期段階から正確なコスト計算をはじき出せるようになった。

一見アーティスティックに見える建築も、
コストやクライアントの意向といった社会性について熟慮されているのです。

奇抜な造形をしているからといって、アーティスティックだからといって、
最初からそうだったわけではない。
ビルバオのグッゲンハイムの紹介の中にこうあります。

ただ闇雲に自己主張すればいいわけではない。
過去を知り、基本を学ぶことで自分の立ち位置を知ることができる。

論語でいうところの　「子曰く、学びて思わざれば、則ち罔（くら）し。
思いて学ばざれば、則ち殆（あや）うし。」ですね。

本書で紹介されている作品中でとくに好きなものを以下に挙げます。
画像はおもにWikipedia、Wikimediaなどから引っ張ってきてます。

まずはなんといってもビルバオのグッゲンハイム。

NYのライトのグッゲンハイムを多分に意識しているようなくだりがあります。

僕はNYのグッゲンハイムには訪れたことがあります。
こちらのグッゲンハイムもビルバオと同じくらい好きです。
僕が感じる限りではそれほどアートと敵対しているようには見えず、
それなりに調和しているように見えましたけどね。

ビルバオ・グッゲンハイムの内部。

リチャード・セラの巨大な彫刻作品。
アートとの親和、というゲーリーの意志が反映されてるようです。

続いてウォルト・ディズニー・コンサートホール。

外壁はステンレス・スティール。
ビルバオでは外壁にチタンを使っていますが、
これはその土地ごとで太陽光に当たり具合を考慮してのことだとか。
この辺に建物の外観の見栄えへのゲーリーのこだわりが見えます。

その内部。

外壁とはうって変わって内部は木をベースにしています。
この辺のコントラストもイイ。

チェコのナショナル・ネーデルランデン・ビル。
通称「踊るビル」（本書中では『ジンジャーとフレッド』とあります）。

ゲーリーらしくアーティスティックで近代的でありながら
周囲の古典的な街並みの景観ともマッチする、という不思議な魅力。
それでいて、周囲の交通の導線などクライアントの社会的意向も満たしています。
自己と他者の相互幸福が十分に考えられた秀作です。

MITステイタ・センター。

本書中の写真ではそれほど良く見えなかったのですが、
どうやらゲーリー作品の紹介でよく登場するねじれて崩れたビル群がこれらしい。
Wikipediaの写真で見ると、なるほど、美しい。

デュッセルドルフのオフィスビル。

元々はザハが設計するはずだったプロジェクトがザハの設計が難しくて実現せず、
ゲーリーに委ねられた作品。

プラスター、金属、レンガの異なる材料で仕上げられた三棟で構成。
巨大なスタイロフォームで外壁の型枠を作ることで低予算で仕上げたという、
コストパフォーマンスの優れた作品。

ハノーヴァー交通局ビル。通称ゲーリータワー。

直方体をねじるだけで造形的にこんなに美しくなるなんて。
カラトラバの作品にも同じようなものがありますね。
こっちはねじれがもっとスゴイですけど。

ヴィトラ家具美術館。

ここにはゲーリーの他にザハ・ハディドや安藤忠雄、アルヴァロ・シザなどの
著名建築家による建物があるんですよね。
行ってみたいなあ。

ゲーリーの家具ではダンボールで作られたEasy Edgesシリーズが有名ですが、
本書では曲げ木の椅子が紹介されていました。

ゲーリーといえば魚のモチーフが有名です。

本書中ではワイズマン美術館でフィッシュランプが紹介されていました。
（本書中では縦ではなく、横置きの壁掛けタイプですが）

この魚のモチーフ、日本にもあるみたいですね。
（本書中では紹介されたませんが）

Wikipediaによれば神戸港にある「フィッシュ・ダンス」と呼ばれるもので、
安藤忠雄が監修を担当しているとか。

ゲーリーやっぱイイ。

サン＝レミの精神科病院に入院しているときに描いたという『星月夜』。

この絵は心を病んでいる人独特の絵なのだろうか？
僕にはそうは思えない。

心の中に感情という粒子がたくさんある人が豊かな表現力を持つのだと思う。
そういう人は同時に他人の感情の表現を敏感に感じることができるのだと思う。
これは一種の能力で、僕はこれを「感情力」と呼びたい。

感情力さえあれば優れた表現者になれるのか、というとそうではなくて
実際に表現するには「技術」が必要だ。
画家ならデッサン力が、彫刻家なら造形力などのように。

「評価する人間」にはさらに2つのタイプに分けられる。
元々感情力が薄くて表現したいものがない、表現したいという自覚がない人。
そして強い感情力があっても、表現する技術と勇気がない人。

前者はまあ生まれ持っての「評価者」なのでしょう。
でも後者は本来は表現者になるべきなのに評価者に甘んじている。
それはとても不幸なことだと思うのです。

表現者なら誰だって他人に評価されたいと願う。
それが表現者の存在価値なのだから。
「評価されないかもしれない」という恐れのために評価者でいる人生と
精一杯表現しながらもなかなか他人に評価されない人生。
果たしてどちらの人生が幸せなのだろうか？

感情力が強いことは諸刃の剣でもある。
うまく感情の処理ができないと心を病むことになる。
ゴッホもその一人なのでしょう。

見ようによっては不気味な絵なのかもしれない。
それでも僕はこの絵がとても美しく見える。
空のうねりは夜風を視覚化したように見える。
星の輝きは、夜という絶望の中に輝く希望に見える。
独特のタッチがゴッホという個性を輝かしている。

印象派の登場当時はこの画家の個性であるタッチの表現が酷評された。

時代はいつだって公平かつ正確な評価を敏速にしてくれるわけじゃない。

それなら自分のエゴに従って自分が好きなように表現すればいいじゃないか。
人間は人間であると同時に生物でもあるのだから「生きる」能力は
本能としてデフォルトで持っているのだから、
本能を大切にしてればなんとか生きていけるものだから。

「どうやって生きようか」より「良く生きるにはなにをすればいいだろう」。
理性ではそう考えるほうが幸せへの近道な気がする。
．．．と遠回りな人生を送っている自分が言っても説得力ないけど。

ああ、また名画を前にぐだぐだ言ってしまった．．．

プログラマにもなりきれず、デザイナーにもなりきれていない。

それでも僕は今、デザインの仕事をしている。
やりたいからやっている。
やりたいという気持ちを伝えればどこかに仕事をくれる人はいる。

まだまだ自活できるレベルではないけれど、
徐々にデザインの仕事が増えている。

あれほどイラレやフォトショが苦手だったのに（今でも苦手だけど）、
今ではDreamweaverやFireworksよりもよく使う。

スクリプトもろくに書けないのにWebの仕事をしている。
グラフィックよりも3Dのほうが興味があるといいつつグラフィックの仕事をしてる。

デザインの仕事ができる、という自覚なんていまだにないけれど、
気付いたらグッドデザインを受賞したデザインの仕事に二件も関わっている。

．．．なんだかんだ言ってそれなりに学業の成果が現れているのかもしれない。

大切なのは楽しい、と思う気持ちに敏感であること。
自分が好きだと思うものを正確に把握すること。
そうすれば自分がなににエネルギーを注げばいいのかが分かる。

未熟だから、自信がないから、といってやらなければ
それをやる日は永遠にこないだろう。
未熟だから人は学び、失敗を繰り返して自信を積み上げる。
失敗は成功への糧なのだ、と信じて。

あとはできるだけ多くの人に自分はこれが好きだ、という気持ちを話すこと。
そうすればチャンスは巡ってくる。
その縁を恐れず、大切にすること。
そうすれば必ずチャンスは生かされる。

．．．まあこういうことは自活できるようになって言わなければ説得力ないよね。

それでも僕はまずは言葉で形にする。
それが小さいけれど、確実な第一歩だから。

この小さな形を誰かが見て、少しでも役にたつのならば。
やっぱりそれも自分の幸せに繋がると思うから、僕はブログに書く。

徳弧ならず、必ず隣有り。

［チケットやDM、GA booksの表紙になっている、ブラジル国立美術館（Wikipediaより）］

会場1階はパネル展示。
写真やスケッチなどがメインで基本的にテキストはなし。
作品名も全て英名表記。
模型はいっさいなし。
コンテンツ的にはニーマイヤーのビデオを見れば十分って感じ。

さらに会場2階に上がってみると．．．
ビデオ上映会場。
アルヴァロ・シザとの対談が流れているわけですがこれまたひどい。

まずカメラワークがひどい。
自分がホームビデオを撮るときでもこんなひどい操作はしないだろう、というくらいに。
やたら焦点がずれるし、カメラにお構いなく登場する秘書やスタッフ。
技術云々の話ではなく、ちゃんと撮ろう、という気構えのなさが問題なんだと思う。
あれじゃニーマイヤーやシザに失礼だよ。

そして日本語字幕と会話が同調しなさ過ぎ。
「本当にそんなこと言ってるの？」ってつい言いたくなるほどに。
これだけ同期がとれていないとストレスがたまってしまう。

．．．不平を言う僕が間違っているだろうか？
けして辛口批評じゃないですよ。

ニーマイヤーの様子からしてごく最近撮られたものだと思うのですが、
それにしても100歳を過ぎてなお、建築について熱く語り、
次世代の子供たちの未来を憂え、国の将来を憂え、
しっかりとした口調で話す氏のエネルギーには脱帽です。

ニーマイヤーはコルビジェやミース、ライトの頃のモダニズムを
直接受け継ぐ最後の建築家なのかもしれない。

単純な線で構成されながらも確かな存在感と美しさ。
ブラジルの空のように明るくすっきり。

実際の事情としては不安定で不穏な国政事情など複雑な事情を
抱えながらこれらの建物を実現してきたんだろうけれど、
建物自身はそれらの困難をいっさい顔に出さない潔さ、芯の強さ。
それがニーマイヤーの建築の強烈な個性となって現れているのでしょうか。

そんなニーマイヤーの建築が僕は大好きです。
．．．展示内容に不満があったとしても。

この本をAmazonで買う

そんなわけでこのニーマイヤーのGA Books欲しいけれど、
5000円はちと高くて手が出ない。

この本には今回上映されているシザとの対談も掲載されているので、
懐に余裕がある人は500円払ってこの展示を観るより
5000円払ってこの本を買う方がよっぽど良いかもしれない。

そんなわけで懐に余裕がある人は上記画像をクリック！

［乃木坂　TOTOギャラリー『間』］

狭い会場内にパネルはもちろん、大きめの模型もたくさん展示されていて、
とても楽しめました。

中でも氏の原点とでもいうべき建築「住吉の長屋」が
原寸大で会場内に復元されているのは圧巻。
実際にその空間を体験できる貴重な機会といえます。
しかも無料で。これは絶対お得です。

1976年に建てられたものですが、今見ても斬新。
このときにしてすでに便利さの追求よりも都会でも空を仰ごう、という
人間が本質的に要求する「楽しさ」を追求しようとする姿勢がそこにはあった。
それがこの作品が氏の原点と呼ばれる所以なのでしょうか。
（実際はもっと前にも作品はあったみたいです）

光の教会もすごかった。
単純な線と面で囲まれているだけなのに、
そこに教会としての神聖性、荘厳性が見事に表現されている。

コンクリートの存在感を上手に引き出せる。
安藤忠雄という建築家はそこが魅力的なのだと思います。

これだけメジャーな建築家ともなると、
良い評価はもちろん、悪い評価も耳に入ってきます。

まだままだ建築の世界を知らない自分にしてみれば、
その真偽はよく分からないけれど、
氏の生み出すコンクリートの造形は間違いなく美しい。
僕は好きです。

建築模型というとスチレンボードで作るのが普通かな、と思っていたのですが、
会場内の模型の多くはダンボールや木などで作られていて、
こちらのほうがなかなか良い質感が出てていいなあと感じました。
さらに光の教会と住吉の長屋は1/10の大きさでコンクリートで作られていて、
さらにリアリティが出ていてすごかった。
模型でもリアリティを出そうと思えば出せるんですね。

建築として一番好きなのはやはりアブダビ海洋博物館。
直方体の底部をアーチとして切り出して浮き上がらせたようなその外観は
何度見ても美しく、見飽きない。

単一の曲面だけなのに一見してどんな形状をしているかよく分からない。
どうなっているんだろうと、ずっと見てしまう面白さがあります。

会場内の写真は残念ながら撮れなかったのですが、
帰りに氏の設計したメトロ副都心線の渋谷駅を通ったので少し写真を撮りました。

ホームに駅の模型が置いてあります。

地中にでっかい卵か繭が埋め込まれているようなイメージ。

ホームからの吹き抜け。

卵の端っこにあるエスカレータ。

ホームの真ん中にはなぜか使われていない2本の線路が。

今後の拡張に備えてのものなのかな。

副都心線の各駅はけっこうアーティスティックなのでしょうか。

こちらは明治神宮前駅にあった武田双雲の壁習字。

大学の最寄り駅である大井町線上野毛駅も氏の設計により
リニューアル工事中ですがこちらはまだ形が現れず。
こちらも楽しみです。

本展は12月20日まで開催されています。
建築に少しでも興味のある方はぜひ。
オススメです。

．．．続いてGA Galleryへ。

［かつての雄姿］

［現在は礎石が残るのみ］

（画像はこちらより拝借）

建築の知識を得る、というよりは建築の心を知る本でしょうか。

木造建築の難しい用語が出てきますが、素人の僕にはさっぱり。

表紙の解説では、

　　「エゴイズムや作為を越えた魔性のものに憑かれ、
　　　翻弄される職人の姿を、求心的な文体で浮き彫りにする」

ととかくエゴを越えた「魔性」というものを強調していますが、
今の僕から見れば、やはり人はエゴの外へは出ては生きられないと思うのです。

若い頃、というかつい最近まで。
愛とか友情とか、義理とか人情とか。
そういう大切なものを無視したり犠牲にしてまでやり遂げなければならない、
そんな仕事に価値なんてない。そう思っていました。

しかし「仕事」はやはり大切なものだ。
ときに他の大切なものよりも優先してやらなければならないときもある。
「エゴを越えた魔性」とあるけれど、
どんなに一生エゴの外に出ることはできないにしても
僕らはいつもエゴを意識して生きているわけじゃない。

「我を忘れて」という表現があります。
それは別段珍しいことでもなく、
意識しなくても本能が導くままに行動することは生物学的には自然な行為。

そして人間の本能は最低限の生存活動以上に、
「より良く」「楽しく」「幸せに」生きようとする機能が備わっていると僕は思う。
．．．科学的な根拠はないけれど。一個人の単なる直感だけど。

幸せに生きようとする本能の衝動に正直に従うこと。
中には悪い結果を出すこともあるかもしれない。
でも良い結果を出すこともあるはず。
感応寺五重塔は良い結果を出した好例ではないのでしょうか。

良い仕事をするには理性だけではダメなのかもしれない。
カンや直感といった第六感、本能が働きかける衝動にも素直に耳を傾ける、
そんな姿勢が必要なんじゃないのかな。

偉業は立派な人間が成すんじゃない。
並々ならぬ思いこみを注ぎ込める人間が成すものだ。

手間その壱。

「手間空き」。

つまり使ってないとき、ただ食卓に置かれているときの「佇まい」を楽しむ。
食卓はみんなが集まる場所。
そこでみんなの心をほぐす、和ませ、楽しい雰囲気を醸し出す。

その造形として「抱擁」という愛を具現する行為を表現しました。
実際のところ、今回の作品はすでに市販されているHUGという製品を
多分に意識しており、作品名も同じ「HUG」にしています。
値段設定も競合製品ということでこの製品と同じ3,000円にしました。
（あくまで課題上の仮想設定です）

ただ作品作りにおいてはあくまでそこから小さなインスピレーションを受け、
自分なりのコンセプトを展開してゆき、形を再成形しました。
影響を受けて形は似ているかもしれませんが、中身は似て非なるもの．．．
．．．と自分では思ってます。

なにか新しいものを創りだすとき、
ゼロから生まれるものなんてほとんどなく、
既にあるものの一部を継承したり、バージョンアップしたりして
生まれるものではないでしょうか。

造形は具象ではなく、抽象であることを心がけました。
具象は多くの人に伝えたい内容を的確に伝えられるけれど、
そのぶん伝えたい内容の質は希薄となり、安易なものになる。
抽象は的確に伝えるための造形は難しいけれど、
上手くはまったときには深い本質に共鳴し、長く愛してもらえる造形になる、
そう思うのです。
どうせやるならそういう造形に挑戦的でのぞみたい。

抱き合ってる人がどういう人か、なんてことはどうでもいい。
「抱擁」という行為そのものを伝えたかった。
そこで柔らかさと安定性を彷彿させる丸みを帯びた三角錐を傾けて
お互いもたれ合うような造形とすることで抱擁を表現しました。

手間その弐。

「使うときの手間」。

この作品に人に見せるたびに「SaltとPepperは分離するの？」って言われます。
たぶん分離した方がふつうに使いやすいからでしょう。

しかしこの作品は分離しません。そしてそこがこの作品のミソでもある。
世の中なんでも便利にしすぎる。それで見えなくなったものがたくさんある。
ものを工夫して使う、工夫を楽しむ心を見失っている。
そんな気がしてならないのです。

だからこの作品ではあえて使い勝手を悪くしてみました。
塩をかけるのにペッパーの入れ物もついてくる。
人によってはいろんな持ち方、使い勝手が考えられる。
工夫して使いやすい方法を人それぞれが考え、その手間を楽しむ。
実際の材質とは陶器を考えているのですが、陶器は落とすと割れる。
つまり取り扱いにそれなりの注意を要します。

注意を払ってHUGに注目する。
注目すると愛らしい形が目に入ってくる。
あれこれ工夫してHUGに触っているうちにさらに愛着が湧く。
．．．そうしてさらに長く大切に使ってもらう。

実際にこのコンセプトが存分に表現されているかどうかは別として、
これが今回の作品で僕が表現したかったことです。

最初のインパクトは弱いかもしれない。
でも最初のインパクトになにかを感じこの製品を買ってくれたなら、
きっと長く大切に使ってくれる。
「売れるもの」よりも「長く使ってくれるもの」。
そういうものを僕は創っていきたい。

モックアップとはいえ、やはり作るのは大変でした。
直方体のスタイロフォームから削りだしての造形、
表面の仕上げ、塗装まで単純な作業の繰り返しだったけど。
素材を知らない、製法を知らないという未熟さが露呈しました。
でもだからこそ良い経験になりました。
また一つ、表現の幅が広がりました。

いろんな先生に見せたところ、共通して、
「中央の白と黒の境界線が不自然だ」という指摘を受けました。
自分自身は深く考えず安易に半分で割った、という感覚でしたが
プロの目はやっぱり鋭いなあ。

まあ反省点はいろいろありますが、
それでも自分ではこの作品が気に入ってます。
そしてそれはやはり良い成果だと思うのです。

どんなに多くの人が褒めてくれても自分が納得できなければ幸せじゃない。
人に問題を指摘されたくらいで、愛着を失うようなものは作りたくない。
自分で好きになれるものを創ってはじめて
多くの人に受け入れてもらうためのスタート地点に立てるんじゃないかな。

今回もいろいろ勉強になりました。

第二課題は「夏」をイメージした香水の瓶とパッケージ。

Salt&Pepper以上に自分には縁のないものだけにさらに苦労しそうです。
でも「知らない」という視点で見つかる目新しさもあるんじゃないかな。

まずは中に入れる香水のイメージパネル作り。

．．．頑張ります！

学生ブログランキングのほうもゆっくりではありますが、
確実にランキングを上げております。

まあ美大に行くような学生は字を書くよりは
絵を描いたりものを創ったりするほうが好きならしく、
全体数が少ない、というのもあるんでしょうけどね．．．

引き続き皆様の温かいクリックをお待ちしております～