Tadaoh! Design

［佐川美術館オフィシャルサイト：ギャラリーより］

樂吉左衛門館は「茶室」として建てられています。
設計は樂吉左衛門自身と大手建築会社との共同設計。
コンセプトを樂氏が考え、建築会社が技術設計を行ったようです。

その大部分は安藤忠雄の地中美術館のように地下にあり、
地上は大きな池となっていて、その池の下に地下部分がある。
茶室は2つあって、1つは地下に、1つは地上の池の真ん中あたりに顔を出しています。

正直僕は陶芸にも茶道にも詳しくありません。
この建物に僕が引かれたのはやはり「建物」としてのこの茶室の存在意義です。

この茶室の最大の特徴は黒いコンクリートで建てられていることにあります。
通常茶室といえば古い日本家屋のように木造で造られるもの。
その常識を覆していながらも日本古来の空気に調和する造りとなっている。
そこにこの茶室の凄さがあると思うのです。

一方でこれからの建築は本当にコンクリートでいいのか。
自然と調和する建築材となりうるのか。
もしそうじゃないならコンクリに代わる材料を考えなければならないのでは？

．．．コンクリについてほとんど知識がないくせに先入観でそう思っています。

もっとコンクリをはじめとした建築材についてもっと勉強する必要があるようです。

［前売りチケット］

当日券より安い（1400円）、ということ以外にも特典があります。
それが「山からの贈りもの」付ポストカード。

これがそのポストカード。表面。

裏面に「山からの贈りもの」が同封されています。

伐採されることになった銀杏の葉と小枝。

この贈りもので僕たちはなにを得るだろう。

それはとりもなおさず人間が自然をわがもの顔で破壊する行為を自覚すること。
ダムが造られる原因ははっきりは分からないけど、
ただいえることはそれは「人間の都合」によるものだということ。

ビーバーもダムを造るけど人間のように生態系を破壊したりしない。

他の生態系を無視してダムを作る人間がいる一方で、
このプロジェクトの推進者のように自然のことを考える人たちもいる。

だから人間も捨てたもんじゃない、と希望を持つことができる。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール。
印象派の巨匠。
自ら肖像画家と称したようにその絵のほとんどが人物像。
本展では風景画も展示してありましたが、
やはり風景画はモネのほうが数段好き。

ルノワールの絵に登場する人物は、
この世の全ての人が善人であるかのように皆穏やかで柔らかな表情をしている。
とても穏やかな気持ちにさせてくれる一方で、
刺激を求める、という点ではちょっと物足らない感もなくはない。

僕は絵画には素人なので、あくまでも僕の感想に過ぎないのですが、
数多くのルノワール作品が展示されていましたが、
一級品中の一級品、有名中の有名品は少なかったように思いました。

例えば、ジャン・ルノワールの「フレンチ・カンカン」との対比に
「田舎のダンス」を持ってきているのですが、僕はどちらかといえば、
「ムーラン・ド・ラ・ギャレット」のほうがイメージには近いと思ったんですけどね。

個人的にはオルセー美術館展で観た、ベルト・モリゾとマネの弟ウジェーヌの娘の
ジュリー・マネを描いた「猫を抱く子供」が好きなんですけどこの作品もありませんでした。

あとモネと並んで描いたとされる「ラ・グルヌイエール」なども見たかったな。

本展で一番気に入ったのは「読書する少女」。
ルノワールの作風とパステルの特色がすごくマッチして
より柔らかな感じがしていいな、と。

ジャン・ルノワール。
痩せぎすで鋭い眼光の父親に比べて、こちらはでっぷりと貫禄ある風貌。
絵画と映画という媒体の違いはあれど、
確実に父親の遺伝子がその作品に反映されている。

自然や人間の持つ「柔らかさ」というものが
映画作品の中にもあるような気がしました。

さすがに映画作品を前編流すわけにはいかないので、
数分程度のキーとなるシーンをピックアップしてリピートで流してました。

大学の授業で観た「ピクニック」以外に彼の作品を観たことはありません。
白黒だけでなく、カラー映画も撮ってたんですね。

一番のお気に入りは「フレンチ・カンカン」かな。
大勢のショーガールがラインダンスを踊るシーンが華やかで美しくてよかった。

正午過ぎに会場に入って、人はそれなりにいましたが、
混雑を感じるほどではなく、じっくり鑑賞することができました。

1時間半ほどで鑑賞を終え、最後に図録を購入。

2500円なり。

トイレに行くと次回の告知がしてありました。

実はアヴァンギャルドってどういうものなのか、よく分かっていないので
ぜひとも行って確認したいです。

1階に上がるとギャラリーで日本写真芸術専門学校の卒業作品展をやってました。

チラッと覗いた程度ですがけっこう面白かった。
写真にも個性というか、作風があるんだなあ、と。

本書ではMITでの3日間の講義を1日ごとに章分けして解説、
それぞれ

　　1日目：「材料とプロセス」
　　2日目：「力と形」
　　3日目：「運動と形」

というタイトルとなっています。

1日目は家屋作品を中心、2日目は橋作品を中心に、3日目は総括的に、
解説されています。

建築はただ形を考えればいいのではなく、
建築を自立させるための構造や材料を考えなければならない。
だから形を考える人（建築設計家）と、構造を考える人（構造設計家）は
通常別々になるのですが、それをカラトラバは一人でしてしまう。
奇抜な建築の外観と構造と材料を一人で考え出してしまうところに
彼の非凡さが伺えます。

アーキテクト・エンジニアという肩書きもあながち彼の代名詞といっても
過言ではないのですね。

1日目と2日目の最初にそれぞれ構成の異なる積み木によりつるされた石の
模型を使って構造の説明をしているところに彼の地道な構造研究の様子が
伺えます。外見だけでなく、中身もしっかり考える。実に見事です。

一見ただ建っているだけに見える建物や橋も、
中ではさまざまな力線が動いている。
さまざまな力線のボリュームとベクトルのバランスをとることで
「積極的に」静止している。
まさにカラトラバの建築の美は「調和の美」なのだ。

奇抜に見えるデザインもそのモチーフとして参考にしているのは
人や自然といった有機体。
一見何の秩序もなく構成されているように見える有機体も
マクロ的にみれば幾何学的図形の集合なのだから、
それらをモチーフとしたカラトラバの建築が有機的になるのもうなずけますよね。

建築が有機的になることはこれからの建築にとってすごく大事なことだと思います。
フランク・ロイド・ライトも自らの建築を「有機的建築」と称していますし、
無機質的に高層化した建築は現在では環境的に問題視されはじめている。

有機体の集合である我々人間は環境的にも、精神的にも
やはり有機体に近いものに包まれるべきではないでしょうか。

人は土から離れては生きてはゆけない。
それが真理だと思う。
都市も無機質から有機質へと変容すべき時が来ている。

閃きどころか、これまで観た展示の中でも一番すっきりせず、
もやもやがたまるものでした。

ただ、展示がつまらなかった、とかそういうことは言いたくない。
ただ、自分の感性が混乱してしまっただけ。
キュレーターたちのいろんな試みや意図を汲みとろうとしてあせっただけ。

展示の中で印象に残ったものをピックアップします。

・澤田知子　「ID400」

　　自身がモデルとなって髪型や服装、化粧、表情をいろいろアレンジして
　　400通りのポートレートを撮影し並べたもの。
　　先日MOTで開催された「SPACE FOR YOUR FUTURE」の
　　タナカミノルの沢尻エリカの100変化写真とコンセプトが似てるなと思った。

　　アイデンティティって邦訳すると「自己同一性」というらしいけど、
　　こう訳すと余計アイデンティティというものが分からなくなる。
　　それは1つの肉体の中には1つの精神しかないということなのか？

　　澤田知子は400通りの自分を撮ることでそれを観る人に問いかける。

・宮島達男　「Monism/Dualism」

　　縦一列に並んだ０～９までの数字を表示するナンバーLED。
　　緑と赤のLEDが2桁1組で横向きに交互に並んでいて、
　　緑のLEDは右側が上、赤のLED は左側が上といった感じで
　　交互に向きが反転している。
　　2桁の数字がそれぞれ異なる間隔でカウントアップされてゆく。

　　宮島達男はなんのためにこのような作品を作ったのか？
　　それが分からないままにずっとその作品を見続ける自分はいったい何なのか？

・草間彌生　《天上よりの啓示》

　　目の焦点を限りなく自分に近いところに持ってゆくと、
　　無数の光る原子が僕の目の前をランダムに向きを変えて流れてゆく。
　　少年の頃からそのことにずっと気づいていた。
　　でもそれを誰かに話したことはない。

　　草間彌生の《天上よりの啓示》はまさに僕の目の前に見える、
　　「無数の光る原子の流れ」を具現化したものだ。
　　ここでも僕のアイデンティティが反応する。

・舟越桂　《森に浮くスフィンクス》

　　マネキンをメークアップして作り上げたような異形のスフィンクス。
　　そして「朝には四つ足、昼には二本足、夜には三つ足で歩くものは何か」
　　というスフィンクスの謎かけに「人間」と答えるオイディプス．．．
　　．．．父を殺し、母を妻としたことで「エディプス・コンプレックス」の語源となった
　　人物の人物像とその行動を考えつつ異形のスフィンクスを見続ける。
　　そんな自分っていったい．．．

・ビル・ヴィオラ　《追憶の五重奏》

　　静止しているのか動いているのか分からないほどの超スローで
　　5人の人物が見せるそれぞれの悲しみの表情。
　　そしてそれじっと見続ける自分。

　　表情が悲しみではなく喜びでも同じようにずっと見続けただろうか？
　　動いているか静止しているか、そこに興味があるだけなのか？
　　またもやアイデンティティーが混乱する．．．

何より一番分からないのは、この展示のスローガンになっている
「わたしいまめまいしたわ」という回文。いわんや"怪文"。
アイデンティティとは同じ場所をいったりきたりするもの、という示唆か？

考えれば考えるほど混乱する。

．．．でもやっぱり人間は考えてなんぼだと思う。
考えるだけじゃダメで、行動することが大切というのが正論と認める一方で
やはり行動するだけで考えないのもダメじゃん、という気もする。

しかしまあ混乱の中にもアイデンティティーのかけらは見えた気はします。

せっかくここまで考えたのだからもう少し考え続けてみよう。
．．．行動する努力もしながらね。

次は三次審査なのですが、まずはエントリーシートを入力。
「ブログで実現したいこと」と「今後のブロガーに求められること」を
それぞれ200時程度で記述。
ブログと合わせてこのエントリーシートも審査の対象となるとあって、
考えに考えて先ほどエントリーを済ませました。

が、エントリーを済ませた途端、ブログパーツが表示されなくなった！
大丈夫なのかな．．．

三次審査に通過すると公開投票となるらしい。
より多くの人にこのブログを読んでもらえるチャンス！
ここまできたら三次審査も通過したいね。

．．．かといってこれということをするでもなく、いつもどおり更新を続けるだけですが。

アアルトの建築は、コルビジェやミースのように「人」ではなく、
ライトのように「自然」を基底においています。

ただライトはアメリカの自然、アアルトはフィンランドの自然。
そのロケーションの差が二人の建築を異なるものにしています。
ライトの建築は温暖な自然に対して開放的なものとなり、
一方アアルトの建築は極寒の自然に対して守りの建築となった。
本書ではそんなアアルトの建築を「内攻的」と表現しています。

具体的には庇はほとんどなく、壁と屋根の区別がほとんどない。
外見的にはこれといって目立つ特長がないけれど、
中に一歩踏み入れると彼が作り出した空間に圧倒される。

それを最も感じさせてくれるのが、ヴオクセニスカの教会です。

まず外観。いたって普通ですよね。

［ヴオクセニスカ教会外観］

それが中に入ると．．．

［ヴオクセニスカ教会内部］

壁と屋根がシームレスに繋がっているのが分かります。
この教会は広い空間を用途に応じて2つの電動スライドドアで仕切り、
3つの空間に分割できるようになっています。

［ヴオクセニスカ教会平面図］

内部後方から眺め。

［ヴオクセニスカ教会内部：後方から臨む］

電動スライドドアのレールで仕切られることが分かります。

外見より中身、といっても外観も素晴らしいものもあります。

［エンソ・グートツァイトビル］

ただの白い直方体なのになぜか惹かれる。
港に入る船からの眺めを意識して設計されたそうですが、
当時は伝統的な街並みの景観を損なうものとして酷評されたそうです。
写真で見る限りけっこう良い感じで調和しているように見えるけどねえ．．．

続いてブレーメンの高層アパート。

［ブレーメンの高層アパート］

この写真からでは分かりづらいですが、建物の平面の形状が面白い。

．．．というわけでその平面図。

［ブレーメンの高層アパート：平面図］

ね、面白いでしょ。

日本にはアアルトの建築はないんだよなあ．．．
やっぱ中に入ってその空間を体験しなけりゃ
彼の建築を理解することはできないんだろうなあ。
ああ、やっぱフィンランド行きたい。

かもめ食堂を観たせいかもしれないけど、
あの穏やかで平和な雰囲気がなんかイイ。

アアルトも家具も有名ですよね。
とくにパイミオ･サナトリウムのチェアなんか。
（今でも買えます！興味のある人は画像をクリック！）

カラトラバといったら橋。
よりそのモニュメンタル性が際立ちます。

［Campo Volantin橋（Zubizuri橋ともいうらしい）］

カラトラバを知るきっかけになった橋。
ビルバオのグッゲンハイム美術館の近くにあるみたいです。

［Bridge of Europe in Orleans］

どこの橋だかは知らないけどこの橋もステキ。
あのアーチの形が心惹かれる、

［Lyon Airport Station］

空港も多く手がけていますがその中でも一番好きなもの。
空港らしく、まさに翼（ウイング）を広げた鳥のような優美さ。

ビルバオ空港も手がけてます。

［Tenerife Opera House］

オペラハウスといえばウツソンのシドニー・オペラハウスが有名ですが、
それに負けず劣らず独創的。
三日月のような、角のようなモニュメントがスゴクいい。

［Montjuic Communication Tower］

バルセロナオリンピック時のモニュメントタワー。
なんか宇宙的なところがステキ。

［Milwaukee Art Museum］

ミルウォーキーの美術館。
なんといっても羽ばたく翼がスゴイ。

［High Rise Malmo］

スウェーデンのねじれるタワー。
中はどうなってんだろ。

日本には彼の作品がないのが残念。
やっぱスペインに行きたい～

YouTubeに動画ありました。
よりカラトラバの魅力に触れることができると思います。

いろいろな作品群。

スウェーデンのねじれる高層アパート。ホント、中はどうなってんだろ。

ミルウォーキーの美術館。巨大な翼が可動するのがスゴイ。

テネリフェのオペラハウス。

日本ではまだ馴染みがないのか、誰に話しても知らない、と言われます。
本を探しても洋書ばっかり。

Amazonで見つけた唯一の邦訳書。

この本をAmazonで買う

カラトラバのMITでの講義を訳したものらしい。
どのような思想があのような建築を作らせるのか。
．．．とても興味があります。

［ロンシャンの礼拝堂 by ル･コルビジェ］

［バルセロナ･パビリオン by ミース･ファン･デル･ローエ］

［NYグッゲンハイム美術館 by フランク･ロイド･ライト］

三人のそれぞれの代表作を僕の好みも織り交ぜて挙げていくと、
（現存するものに限定します）

コルビジェ：
　
　　ロンシャンの礼拝堂、ユニテ・ダビタシオン（マルセイユ）、サヴォワ邸

ミース：
　　バルセロナ･パビリオン、レイクショア・ドライブ、ファンズ･ワース邸

ライト：
　　グッゲンハイム美術館、カウフマン邸（落水荘）、マリーン郡庁舎

これらはぜひ見ておきたいなあ．．．

20世紀の三大巨匠、とくると21世紀の期待の建築家三人も挙げたくなるもの。
あくまで建築にそれほど詳しくない、一素人が個人の好みで挙げるものですが。

　　・フランク・ゲーリー
　　・ザハ・ハディド
　　・サンティアゴ・カラトラバ

この三人が個人的には好き。

ただ21世紀の理想の建築を考えるとまだまだ建築は進化すべきだと思う。
もはや建築は銀色に輝くハコモノや物体ではなく、
緑に覆われた「トトロの家」であるべきだと思う。
自然ともっと融和して、建物も呼吸すべきだと思う。

実は僕は泳げません。
だからほとんど海には行かない。

でもイルカは好き。マンタは好き。マンボウは好き。
海に入るのは怖いけど、海の中で漂うようなあの浮遊感覚は好きです。

海は全ての生きものの故郷です。
海の中は母胎。

海に入るのが怖いのは母を知るのが怖い、ということか。
それでいて海の中で漂う浮遊感が好きなのは、母の胎内へもどりたい、という
原点回帰なのか。

それにしてもドラマチックな人生。
そして凄惨な不幸に見舞われながらも絶えることのない建築への情熱。
その天才性よりもその情熱に心惹かれるものがあります。

ウィスコンシン州の田舎に生まれたライトは母アンナの直感力により、
生まれる前から建築家としての人生を運命付けられていた。
幼少の頃はフレーベルの恩物と呼ばれる独特の理論で
「自然に内在する諸法則」を理解するための教育をアンナから受ける。
やがてそれが彼の天才性へと成長してゆく。

やがて彼が唯一他からの影響力を認める師、ルイス･サリヴァンの下で働き始め、
有能な師につくことで自らの才能を開花させてゆくが
経済的理由から個人的なバイトをはじめ、それがサリヴァンの逆鱗にふれ、
ライトはサリヴァンの下を去り、独立することになる．．．

最初の妻キャサリンとは6人の子供を授かるもやがてその愛は冷め、
顧客の妻チェニー夫人と不倫関係になってしまう。
チェニー夫人との新しい生活のためにタリアセンという新居を自ら設計するも
使用人が発狂してチェニー夫人を惨殺してしまう。

ライトの建築人生はこの不幸の事件を境にその前後で
第1黄金期、第2黄金期に分けられます。それぞれの時期の特徴は
第1黄金期は「草原住宅」、第2黄金期は「有機的建築」と言う言葉で表現されます。

草原住宅は高さを抑え、水平方向に長いもの。
田舎に生まれ、自然の中で育った、というバックボーンからくるもので
フロンティア精神溢れるアメリカならではの建築といえます。

不幸な事件を機に第1黄金期は終わり、長い空白期間を迎えます。
仕事の数は激減するも、建築に対する情熱は冷めず、
少ない仕事をこなしながら自分の建築理論を推し進めます。
日本の旧帝国ホテルはちょうどこの空白期間に設計されたものですが、
ただ水平に長いだけの草原住宅ではなく、
地震国日本ならではの耐震設計が随所に施されました。
その耐震性はくしくも完成直後に襲った関東大震災に耐えたことで証明されます。
現在は取り壊され、その玄関部分だけが明治村に残るのみ。
今となっては写真でしかその全貌が見れないのが残念です。

空白期間を経て、カウフマン邸（落水荘）でライトの第2黄金期がスタートします。
この第2黄金期は突如として突発的にスタートしたのではなく、
ただ沈黙したかに思われた空白期間が彼の建築の熟成期間となった。
自然の重要視に加えて空間の流動を意識し、垂直方向に伸びる幾何学図形。
貝殻の形状をした外観に螺旋構造の内部。
グッゲンハイム美術館はまさにそうした「有機的建築」の集大成。

ただ本書中では「有機的」の意味を単に「生物的な」という意味合いではなく、
「組織的」「総合的」という意味合いで各ユニット（部分）の関係性、関連性を
重視してそれらが総体を表現する、という意味で捉えるべき、とあります。
建築は見るものじゃなく、住まうもの、ってことが言いたいのかな。

コルビジェは住宅から都市計画まで幅広く、
ミースが都市部で垂直方向を軸にした高層ビルを多く設計したのに対し、
ライトが設計した多くは住宅でした。
多くの作品のうち、公共建築物は晩年に設計したマリーン郡庁舎のみ。

モダニズム建築の三人の巨匠は
それぞれ建築の対象としたものが微妙に異なるようです。

コルビジェの自身の考えや計画が実現されなかったものが多い
（とくに都市計画は多くのうち実現したのはチャンディガールのみ）のに対し、
ライトは対象が住宅、ということもあってか実に多くの作品を残しています。
派手だった私生活を加味するとなんかピカソに似ている気がします。

コルビジェは建築を芸術として捉え、自ら絵筆も握っていましたが、
芸術性という点ではライトも負けてない気がします。

コルビジェやミースは住む「人」を重要視したのに対し、
ライトは「自然（環境）」を重要視した。

地球に対して大きな贖罪をしていかなければならない現在においては、
どちらも重要視していかなければならず、
それが21世紀の建築に求められるものなのかもしれない。

ライトとミースとコルビジェ。
どれが好き、どれが正しいとか選択している場合じゃなく、
三人まとめて学ばなければならない時代なんじゃないのかな。

※ ライトの設計したデスクライト（買えます。買いたい人は写真をクリック！）

［NY唯一のミース作品、シーグラムビル：　Wikipediaより］

DVDはモントリオールはナン島のガソリンスタンドにはじまり、
このガソリンスタンドで終わります。

このガソリンスタンドは彼の最晩年に設計したもので、
この完成を待つことなく1969年に彼は他界します。
けして奇をてらったものではなく、
ガソリンスタンドとしての最低限の機能を備えたシンプルさと
周辺住民への配慮を凝らした工夫がなされています。

巨大な高層ビル群の設計が目立つミースにしては意外な展開。

同じモントリオールというだけでなぜかフラーの設計した
万博のジオデシック･ドームが出てくるのですがやっぱこのドームはスゴイ。
圧倒的な存在感。

バウハウスの最後の校長であり、ナチスによる弾圧を逃れてアメリカへ亡命。
シカゴのイリノイ工科大学（IIT）に建築科の教官として招かれ、
そこから彼のアメリカでのキャリアがはじまる。
このDVDはおもにそのアメリカでの活動に焦点を当てたものです。

ナン島の高層建築群、レイクショアドライブ・アパートメント、シーグラムビル、
クラウンホール、ベルリンの新国立ギャラリー、リール邸などが紹介されてます。

彼は生涯に70以上のビルを手がけ、そのうち45がシカゴにあるという。
一方でNYには1つしかないそうです。

代表作であるバルセロナパビリオンやファンズワース邸の
解説が少なかったのが残念。
あと有名な家具であるバルセロナチェアなどの紹介もほしかったなあ。

しかし日本では彼の建築物がないせいもあって、
これまでいまいちよく分からなかった彼の建築哲学というものが
今回よく理解できた気がします。

最小限の材料で最大限の表現。
"Less is more." （より少ないことは、より豊かなこと）という言葉で語られるように
彼の建築はミニマリズムが魅力のようです。
基準品の部品しか使わないため加工の手間やコストが省ける。
ドイツ人らしい堅実さ、合理主義さが伺えますね。
引き算の建築で余分なもののない美しさ。
彼の建築は建築物の姿ではなく、建築物によって構成される空間によって表現される。

従来ビルは街路のすぐそばに建てられていたものを
シーグラムビルではオープンスペースを設けて快適性を確保した。
やり方は違えど建築は「生きる喜び」を与えるべきというコルビジェと同じ考えを
この人は持っていたのだな、と思った。

現在の高層ビル化を加速した張本人。
それが彼が20世紀を代表する建築家といわれる所以なのだろう。

シンプル化という点では確かに彼の建築哲学は素晴らしい。
しかし地球温暖化という未曾有の危機を抱えている現在においては、
高層ビルの存在は都市における放熱板になってしまう。
増える人口への対処としてコルビジェも建物の高層化を謳っていますが、
もはや闇雲に高くそびえさすのが賢い建築とはいえなくなってきている。

「どんなに高度な文明が発達しても人間は土から離れては生きていけない」
天空の城ラピュタでシータが言っていた台詞が頭をよぎります。

未来の都市はどうあるべきなのか。
僕らが考えていかなければならないことがたくさんある。
自然と建物と文明がバランスよく調和するような都市の姿を探さなければ。

* ミースが設計したチェア（現在でも買えます。買いたい人は写真をクリック！）

［マルセイユのユニテ･ダビタシオン：　Wikipediaより］

東京にでてきてはや16年。
今、僕は都会に失望しつつある。

どんなに科学や技術が発達しても、
都市自体は実はそれほど進化していない気がしてならない。

土から離れ、地面はアスファルト、壁はコンクリートに囲まれて暮らすことが
果たして人間にとって良いことなのだろうか。
自分に対して、他人に対して、地球に対して優しい気持ちになれるだろうか。
最近はそんな疑問ばかりが頭をよぎる。

大学を卒業するとき僕は40歳。
ちょうど東京に出て20年。
もう東京はいいかな、都会暮らしはいいかな、なんて思いはじめている自分がいる。
二十歳で上京したので、20年スパンで生活スタイルを変更することになる。

次の20年をどこで過ごすか。
充実した大学生活を過ごす反面、そんなことをよく考えていたりします。

この本を読んだのもそんな考えがあってのことかもしれません。
理想の都市ってなんなのか。
人が住む最適の環境とはどういうことなのか。

コルビジェは言います。

アーツ・アンド・クラフツでウィリアム・モリスが機械文明を批判し、
従来の伝統工芸による人間性の復活を叫んでから１世紀以上経た現代。
その叫びはいまだ消えていないと僕は思う。

コルビジェは機械文明の未来を信じ、
機械文明が「生きる喜び」をもたらすものとして輝く都市理論を展開したけど。
機械文明による真の幸せは訪れてはいない。

僕のように思う人間が一人でもいるのだから。
たとえ僕がどんな変人であったとしても人間であることに変りはない。

全ての人が理解してくれるわけじゃない。
富める者全てが賢いわけじゃない。
多くの人を動かす必要のある都市計画は一筋縄ではいかないんだろうな。
そこが僕が建築に対して距離感を感じる理由でもあるんだよね。
人の根本的な可能性を信じれない限り都市計画に携わるのは難しい気がする。

コルビジェは高層建築が増加する都市人口への対応策と謳っていますが、
内部断熱の策が外部放熱につながり地球温暖化をもたらしている
現代においてはもはやそれだけでは根本的な解決にはならず、
かえって地球にとっては害になったりする。

しかしそれに対してもコルビジェは「緑の都市」という解決策をすでに示しています。
都市部においても自然は必要なのだと。

さらにコルビジェは都市計画において核となる基本部分は「住宅」であり、
住宅以外の目的の建造物を「住宅の延長」という言葉で表現します。
工業都市は直線状に、商業都市は同心円の放射状に。
都市の特色と周囲の農村との関係性を考慮して都市の構成と配置がなされる。

生活の大半である仕事をする場所においてもその快適性は追求されるべきであり、
その場所は通勤に苦にならない近距離圏であり、
仕事そのものが苦痛とならない空間であるべきだと。

そして行動速度による明確な区分け。
すなわち歩道と車道とを明確に区分けすることで秩序ある交通世界の形成。

たぶん、コルビジェの言ってることはある意味ごくシンプルな、
今となってはあたりまえの理論なのかもしれません。
そのあたりまえが徹底されないから都市は荒むのかもしれません。
ストレスが溜り、生き甲斐をなくしてしまい、犯罪が多発する。

そのほかちょっと「なるほど」って思ったところ。

ヨーロッパ5箇所のユニテ･ダビタシオン、インドのチャンディガールなどが
コルビジェの「輝く都市」理論の成果であるわけです。
それらを直接目にしてはじめてその理論の真髄が理解できるのかな。

行ってみたいなあ．．．

* コルビジェの設計したチェア（現在でも買えます。興味ある方は写真をクリック！）

原美術館はこじんまりとして、展示スペースはそれほど広くないですが、
アール･デコ調の建物が落ち着いた雰囲気を醸しだしていて、
比較的リラックスして、それでいて集中して展示を観ることができるので
けっこう好きです。

今回はその美術館内に11点ほどのピピロッティ リストの作品が
1F-2Fにわたって展示してあります。

1F：「星空の下で」

　　天井から床面に向かって映像が映りだされる。
　　口や耳からミクロ人間になって体内宇宙へ入っていくような、
　　スピード感、浮遊感、スケール感あふれる映像作品。

1F：「ヒーリング」

　　壁に取り付けられた救急箱に取り付けられた小さなモニターに
　　映しだされる映像は「星空の下で」と同じくミクロ人間になって
　　体内に入っていくような感じですがこちらはとくに「血」をイメージして
　　巨大な赤血球が溢れる。

1F：「溶岩の坩堝で我を忘れて」

　　係員に言われなければそのまま見過ごしてしまいそうなほど、
　　床に取り付けられた極小なモニターからリスト自身が呼びかける。

1F：「部屋」

　　巨大なソファーとその前に置かれたごく普通のテレビに映しだされる映像。
　　映像そのものよりモニタと巨大なソファの大きさの対比を楽しむものですが
　　写真で見るより意外とインパクトなかったな。

1F：「ダイヤモンドの丘の無垢な林檎の木」

　　気に吊り下げられたガラクタの数々に向かって映像が投影される。
　　けっこう幻想的で床に座ってけっこう長くぼーっと見つめてました。

1F：「膝ランプ」

　　イスとシェードランプが置いてあって、イスに座るとシェードランプに
　　取り付けられたプロジェクタから膝に向かって映像が映しだされる。
　　膝の部分は何か白いものであるほうが映像が見やすいです。
　　僕は白いバッグを膝に置きました。
　　これもなかなか面白い感覚に包まれて好きだったな。

2F：「ジーナのモビール」

　　涙型の小さなスクリーンに皮膚をモチーフにした映像作品が投影されます。
　　表裏両方から映像を眺めることができるのが面白かった。

2F：「あなたの宇宙カプセル」

　　箱の中に作られたミニチュアの部屋と宇宙。
　　その中心から壁に向かって映像が360度回転しながら映し出される。
　　見るオルゴールみたいでこれもしばらくぼーっと眺めてました。

2F：「あなたに大賛成」

　　1つのスクリーンに2つの映像が合成的に映しだされる。
　　1つはスクリーン一杯に女性（リストなのかな？）がぶらぶら歩いている映像。
　　もう1つはその女性の周囲に小さい裸の男女の映像が。
　　まるでぶらぶら歩く女性の頭の中を見ているような感覚。
　　これも不思議な感覚でしばらくぼーっと眺めてました。

2F：「エヴァー　イズ　オーヴァー　オール」

　　2つのプロジェクタから2つの映像が隣り合わせに映しだされる。
　　左側は花の杖みたいなものをリストが振り回しながら
　　一列に駐車している車の窓を次々と叩き割る。
　　右側はのどかに花がそよぐさまが映し出されている。
　　人間に虐げられた自然の逆襲、みたいな。
　　そんな気がした。

1F　トイレ：「隠れたサーキット」

　　21_21でのwater展でトイレに展示物を展示してた作品があったけど、
　　あれによく似てるかな。
　　ただ、water展は洗面所の蛇口に細工がしてあったのに対し、
　　こちらはなんとトイレの排泄口にカメラを設置していて、
　　排泄の様子を作品としたもの。ちょっと過激。

　　別のトイレで用を足していたので尿意も便意もなかったので実際に
　　排泄はしなかったのだけど、ズボン、パンツを下ろして便座に
　　座るだけでもかなり恥ずかしい。勇気がいる。

　　さすがにくっきり映像が判別できちゃうと不快感が強いだろう、
　　という判断からか映像はやや暗めで判別しにくい粗さになってました。

わずか11展ながらそれぞれの作品をじっくり鑑賞して、
リストの作品に混じって何気なく置いてある常設展示作品やショップを
鑑賞してたらあっというまに1時間半。
図録は筒状の入れ物に巻いて入っているというちょっと変ったスタイル。
4800円とちょっと高いのとインスタレーション作品を静止した図録でみてもなあ、
ということで今回はパス。

本展は2/11まで。残りわずかですが興味ある方はぜひ。
トイレの作品を他の人がどのように楽しんだか、聞いてみたいなあ．．．

僕の話したい内容は、

　　「心地よい」コミュニケーションってどういうことだろう？
　　「心地よい」デザインってどういうことだろう？
　　そしてそれらを実践するにはどうしたらよいのだろう？

というものでした。

僕としてはテーマのごとく心地よい会話がしたかった。
でも会話に熱が入ってしまうとついエゴが突っ走る。

最後のほうはもやもやしたまま終わってしまいました。
正直自分のデザインに対する考え方が少し揺らぎました。
．．．ちょっと落ち込みました。

しかし。
家に帰って「鹿男あをによし」を見てたら少し気が晴れました。

原研哉氏が「デザインのデザイン」で言っていた、

　　むしろ知っていたはずのものを未知なるものとして、
　　そのリアリティにおののいてみることが、
　　何かをもう少し深く認識することに繋がる。

という言葉をもう少し信じてみたいと思います。

僕が何者で、何がしたくて、何ができるのか。
それはまだ分からないけど。

今日のところはこれまでの人生について大きな復習ができた。
．．．ということに満足したいと思います。

コミュニケーションってこんなに大切なのに、
コミュニケーションってこんなに難しいのに
なぜコミュニケーション大賞とか、ノーベルコミュニケーション賞とか、
賞がないんだろう。
みんなコミュニケーションは大切だって言いながら
コミュニケーションは地味に評価される。
不思議だ。

先生方、一緒に勉強したみなさん、ありがとうございました。

このワークショップは100人の前で懺悔するようなものです。
そしてこのワークショップの目的は100人それぞれだと思う。

大勢の聴衆の前で話すことに慣れている人でもない限り、
誰だって中央のマイクをとりに行って100人の前で発言するには
相当の勇気が必要だ。

案の定最初はしばらく沈黙が流れる。

しかしこういう場合、その沈黙すら恐怖になる。
その沈黙に耐えかねて、ポツリポツリ話し出す。

5,6人くらい話したところで僕も話すことにしました。
その内容はというと、

　　人間話さなきゃ話さなきゃって思うほど話せなくなる。
　　ちゃんと話すには「本当に話したい」っていう思いに気づくことが重要だ。
　　みんなが話しているのを聞いて自分も話したくなった。
　　プレデザインの授業では話すことの大切さを学ぶと同時に
　　会話が途切れたときに流れる沈黙の時間の大切さも学んだ。
　　どんな時間も無駄な時間などなく、限られた時間を愛しく思うことが大切だ。

．．．というようなことを言いたかったのですが緊張して上手く言えませんでした。

でも僕はそれぞれのスピーカーが話す内容をちゃんと理解することは
このワークショップには求められていないと思いました。

ただ一方的に聞いているだけのコミュニケーション。
それで相手の言っていることを正確に理解しようなんて土台無理な話です。

座学形式の授業って実はそれだけでは不完全なコミュニケーションで、
分からないところを先生に聞いたり、自分で調べたりすることで
足らない部分を補わなければならないものなんだな、って思いました。

このように普段何気なくしている会話を制限することで、
相手の話を聞いて自分の意見を話す、という会話が
いかに高度なコミュニケーションを実現しているか。
．．．それを実感することがこのワークショップの目的なのかな。

もちろん大勢の前で勇気を出して意見を言うことも大切。
何か新しいことをするには常に勇気が必要なのです。

さて、明日はいよいよ最終日。
めずらしく明日やるワークショップが発表されました。
みんなに一晩考える時間を与えるためです。

明日のワークショップは「クエスト･グループ」。
クエストとは「関心」で、自分が話したいと思うテーマについて
自分と同じようなテーマ、似たようなテーマを持つ人とグループになって
ディスカッションするというもの。

テーマは考えました。
以前から自分に問い続けているものです。
自分と同じ興味を持っている人が見つかればいいな。

一人で考えるのはやだな。
それなら家でもできる。

なんのことはない、グループワークでの復習でした。

「デザインを学んでどう思うか？」というお題でインタビューをする、
という設定でインタビュー項目をまず個人で10分ほどで考えます。

その後4人一組となって隣り合う人どうしでインタビューを10分間行います。
あとの二人は黙ってそのやり取りを聞く。
そのあとインタビューをされた人は後を向いて、
残る3人で今のインタビューについて感じたこと、気づいたことを8分間レビューする。
その間後を向いている人はなにも言わない。

これを全員で順番にやった後に、レビューを聞いてどう思ったかを5分ほどで
順番に報告していく．．．

こういう実習ってやればやるほど十人十色、人はみな違うってことを実感します。
そしてだからこそ、人になにかを伝えることの難しさがあるんだと。
言葉をはじめとしたいろんな伝え方があるんだなと。

残り二日。明日も話すぞ！
．．．多分明日も話すワークショップだよ、きっと。

このワークショップの前に聴覚によるコミュニケーションの説明がありました。
遠くの音を聞き取ろうとすることで人間は自分の世界を広げようとする、とか。

ここで少し「？」。
人間が見渡せる視界の範囲よりも聴きとれる音の範囲のほうが広いのだろうか？
正直僕は自分の聴覚にあまり興味を持っていません。
聴力があまり良くない、というのもありますが、
なんとなく聴覚は騙されやすいような気がして。
．．．いや、科学的な根拠はありません、あくまでなんとなく、です。

さて、ブラインド･ウォークの前にちょっとした実験。
学校の中庭に出て、1分間目を閉じて、聞こえてくる音の種類数をカウントしてみる。

環八の騒音、学生A、学生Bの声、ヒールで歩く足音、小さな雨音．．．

僕は5つ。多い人は15以上もあったみたい。
その5つの中で好きな音はいくつあったか、という先生の問いに僕は
ポツッ、ポツッと空から落ちてくる小さな雨音のみ。
都会には僕の嫌いな音が多すぎる。
静かな田舎でもっとささやかな音を聴いていたい。

さて、ブラインド・ウォークですが、これは二人一組になって、
一人が目隠しをして視覚を強制的に奪います。
もう一人が背中や手に触って誘導しながら適当に歩く、というもの。

やる前に思ったことは、自分は臆病だからかなり怯えてしまうかな、と。

でも実際にやってみると。
全然怖くない。パートナーが軽く肩や手に触れて誘導するだけで
こんなにも安心して歩けるものなのか、と。
自分は臆病で懐疑的な人間だと思ってたけど、
こんなにも人を信じることができるなんて。
こんなにも触れることで安心感が得られるなんて。

そしてなにより。
「触れる」コミュニケーションに興味を持ち始めている、という事実を
実際に体験し、確証を得ることが出来た。
なんかスゴク嬉しかった。

その間の聴覚のほうは遠くから聞こえてくる手拍子のような音が心地よかった。
触覚の心地よさが聴覚に伝播して、連動して心地よさを見出しているような、
そんな気がした。ステキな連鎖反応だと思った。

観たり聴いたり話したり。
それだけでももちろん素晴らしいコミュニケーションだけど。
触覚を中心にすればもっと素晴らしくなる。
ブラインド･ウォークのパートナーはお互い面識がある程度の間柄だったのですが
ブラインド･ウォークのあと、少し仲良くなれた気がした。
この感覚ってやっぱり素敵だと思う。

僕は合気道をずっとやってきて、合気道とデザイン（コミュニケーション）は
似ていると思っていた。
合気道はお互いに触れることで良い「流れ」を創るコミュニケーション。
まさにこの触覚のコミュニケーションに共通点を見出していたんだな、と。

こんな感じでグループワークはいい締めくくりで終えることが出来ました。

明日からまた3つのグループが合流して総まとめ的なことを3日間する予定。

いい感じで仕上がってきたきた。

というわけでみんな写真撮りまくり。僕も撮りまくり。
その中から僕の中のお気に入りベスト10を勝手にピックアップ。
レゴの出来だけでなく、世界遺産そのものへの好みも入ってます．．．

第1位：　スペインのサグラダファミリア。

会場の目玉作品ですが、やっぱ今一番見たいのがガウディなので。

アップ画像。確かにレゴで作られていることがわかります。

現在も建設中でその時の変遷を表そうと場所によってブロックの種類を変えてる、
とのことでしたがよく分かりませんでした．．．

第2位：　インドのタージ・マハル。

こちらは世界遺産そのものよりもレゴでの出来が素晴らしいと思いました。
もちろん精神の聖地、インドにもぜひ訪れてみたいですが。

第3位：　ブラジルの首都、ブラジリアのカテドラル。

オスカー･ニーマイヤーによる建築群も見てみたいもののひとつ。

第4位：　ローマはバチカンのコロッセオ。

イタリアの世界遺産もすごく良さげ。
でも昨日テレビでナポリがゴミの街と化しているのを見て愕然。

第5位：　我が国ニッポン、安芸の国の宮島。

実は地元です。ただそれだけの理由で5位。
いーんです、僕の独断ですから。

第6位：　ギリシャのアクロポリス。

美術の起源、とでも言うべき都市ですよね。
レゴの出来も良くて気に入りました。
レゴの出来、というより白色のレゴで出来たものはキレイに見えるのかも。
タージ･マハルもそうだし。

第7位：　フランスのモン-サン-ミシェル。

「実際のイメージと違う」という声が周りからちらほら聞こえてきました。
僕もそう思いました。実際行ったことはないのですが。
もっと丸いと思ってた。僕の勝手な思い込みかな。
フランスはスペインの次に行きたい国です。

第8位：　イタリアのピサの斜塔。

こちらはB1Fのロゴスギャラリーでの展示。
6Fのパルコファクトリーにはリリー･フランキーのおでん君とコラボした
ピサの斜塔が展示されてました。こちらはアーティスト作品につき撮影禁止。
僕の部屋に世界遺産カレンダーがかかっているのですが、
1月の写真がピサの斜塔でした。それでなんとなく親しみを感じて8位。

第9位：　イースター島のモアイ像。

この面長の顔に惹かれてしまうのはなぜだろう．．．

第10位：　NYの自由の女神。

約1年前に行ったNY旅行では行き損ねました。
レゴの出来としてはイマイチだったかなあ。

第1回が2003年10月より2007年9月まで日本全国13ケ所にて展開されたみたいで、
今回は第2回の展示のようです。

東京は2/25まで会期中は無休です。
入場料もお手軽だし、レゴが好きな人、世界遺産が好きな人はぜひ訪れてみては
いかがでしょうか。