Tadaoh! Design

個別に反省。

△１．絵ブログを立ち上げる。

　　別途ブログを立ち上げることはせずにこのブログで自分の作品はアップしました。
　　数的に少なかったのが反省点かな。
　　でも着実に自分の作品を生み出せている点では自分を評価したい。

◎２．ニューヨークのMoMAをはじめとした美術館巡りをする。

　　ようやく念願かなって。
　　いろいろトラブルもあったけどやはり行ってよかったです。

◎３．美大生活を充実させる

　　気分的なものですが、思った以上に充実。

×４．書道を習う

　　経済状況的にムリポ．．．；；

×５．建築士の資格取得の検討

　　建築士の資格が取れる大学ではなかったぽ．．．orz

○６．デザインイベント、展示会へ継続的に足を運ぶ

　　まあそれなりに行ったかな。

大学生活は思った以上に充実したのが一番よかった。
この1年でだいぶん自分の方向性というものが見えたと思う。
来年はそれをさらに具体的な形にしたいと思います。

プロダクトデザインでの自主制作を積極的に行い、コンペに多く参加する。
RhinoなどのCADツールの使い方を覚えて、願わくばNCが使えるようになりたい。
効率よく作品作りをする上でもこれらのツールは必須だと思う。

反省すべきは学業は充実していたけど仕事そっちのけだったこと。
貯金もいよいよ少なくなったことだし来年は仕事も頑張らねば。
ただし自分のデザイン活動にプラスになるような仕事を選ばなきゃ。
じゃなきゃ会社を辞めた意味がない。仕事選びは慎重に。

今年も1年、ご愛読ありがとうございました。
来年もよろしくお願いします。

PEAD BEDをみて、ジョンが政治的に敵が多いということは分かった。
政治活動家などに殺される可能性はあったかもしれない。
しかし実際にジョンを撃った男はただの熱烈なファンだった．．．
そこにジョン･レノン殺害の最大の謎があるのでしょう。

どれだけ本人に綿密にインタビューしたとしても。
チャップマンがなぜジョンを撃ったのか。
それはチャップマン自身にしか分からない。
言葉で伝えられることには限りがある。
ひょっとしたらチャップマン自身も分からないのかもしれない。

映画でもチャップマンの行動を忠実に再現はしているけれど、
「なぜ殺したか」という核心部分は明確にはされていません。
映画を観る人それぞれの想像に任せよう、というのが監督の意志なのでしょう。

登場人物はそれほど多くない。
主人公のチャップマンの他にキーとなるサブキャラは
ジョンのファンの女の子ジュードと、パパラッチカメラマンのポールだけ。

全編を通して感じるこのはチャップマンのねっとりとまとわりつくような話し方、息遣い。
込みあがってくる言いようのない不快感。
それがチャップマンの放つ狂気なのか。

世界の平和を訴えた男を撃った男に同情する人はいない。
平和活動をする一方でセントラルパークすぐそばの豪邸で、
贅沢に暮らしていることに矛盾を感じたとしても。
実際にジョンが贅沢な暮らしをしていたかどうかは知らない。
有名すぎる人間はそういう生活をせざるを得なかったのかもしれない。

それでもジョンがファンに殺される理由はどこにもない。

ジョンを撃ったとき、チャップマンが拳銃の他に
サリンジャーの「ライ麦畑でつかまえて」を手にしていたのは有名な話。
僕も村上春樹訳のものを読んだけど、
あの本に影響を受けたからといってなぜジョンを殺そうとするのか、
その心理はやはり分からない。

たしかに主人公ホールデンは厭世的だけど。
それなりに得られるものもあった。
とくにラストの妹フィービーとのやり取りは暖かみを感じたほど。

結局のところチャップマンの心の弱さが狂気の入る余地を与えたのか。
ファンという意味ではチャップマンもジュードと同じ「善良な」ファンだった。
結婚生活がうまくいかず、憧れのジョンにもなかなか遭えない。
そこに狂気の声が入り込んだ。
狂気とは心の弱さであって、けして格別珍しくないものなのかもしれない。

僕にはあまり他人にのめり込む、という感覚が分からない。
好きなミュージシャンやアーティスト、デザイナーはたくさんいるけれど
「心酔」はおろか、「傾倒」だってめったにしない。
ファン心理というのはとどのつまりエゴの麻痺、エゴの逸脱なんだろうけど
はたしてそれが良いことなのか、幸せなことなのかというと僕は懐疑的です。

外からの適度の刺激は重要だ。
しかしそれは自らを成長させるためであって、
ただ感覚的に充足することが最終目標ではないはずだ。
エゴが成長していることを自覚するのが最終目標のはず。

こういう考え方をする人間ってつまらないんだろうか。
たまには「我を忘れる」ほどの刺激も必要なのだろうか。
どんなに考えても理性で制御するものじゃないけれど。
（制御できたら「我を忘れる」じゃなくなるもんね．．．）

エゴの逸脱は狂気を呼ぶし、エゴの強い抑制は退屈な人生となる。
ハッピーな人生を送るにはエゴの意識の仕方にもバランスが必要なのかも。
神様もなかなかコントロールの難しいものを人間に与えたもんだね。

タイトルの「チャプター27」の意味が最初分からなかった。
家に帰って「ライ麦畑でつかまえて」を見ると26章で終わってました。
つまりはこの映画はホールデンのその後の第27章、ということか。
さらに。
映画が公開される2007年はジョンが撃たれた1980年から実に27年後。

チャップマンが綴った第27章。
そこに僕らはなにを見出すのだろう。

正直ジョン･レノンについてはよく知らなかった。
彼の音楽がすごく好きだったわけでもない。．．．まあ嫌いでもないけど。
彼にすごく興味があったわけでもない。．．．まあ全く無関心ってわけでもないけど。

世界で最も有名なアーティストとして、
元ビートルズのメンバーとして、
オノ・ヨーコの夫として、
一般常識程度の知識として頭の片隅にある．．．そんな程度だった。

そんな僕が「チャプター27」を選んだのは、
単に最近いまどきの映画に興味がもてなくなっていただけ。
実在した人物がテーマのドキュメンタリーのほうがリアリストの僕としては
映画の世界に入り込めるかなと思ったから。

「ビートルズはキリストよりも人気がある」

ビートルズ時代から過激な発言や行動でその異端性が目立っていたジョン。
ヨーコとの出会いからその度合いはさらに増してゆく。
伸び放題のひげや髪の様子はまさにオームの麻原彰晃。
当時のメディアが異端視したのも無理ないかも。

しかし過去の出来事として、遠い異国の話として、
それらを客観視することのできる現在の僕らには、
ジョンの行為がただ平和を願っての行動だったということが分かる。
ただ愛にあふれた男だったのだと分かる。

吹き荒れる台風の中にいるときは、
台風の中心の台風の目が静寂に満ちている、という真実を
なかなか信じることができない。
真実を知るには台風から離れて台風全体を見通せる場所に移動しなきゃ。
それが「客観視」することの大切さなんだと思う。

人はいつもエゴの中にいる。
「自分」はいつもエゴの渦中にある。
だから人は自分の本当の姿が実は一番分かってない気がする。
自分の中にある「台風の目」が分からない。

だから僕らにはジョンのような人が必要なんだ。
自分を客観的に眺めさせてくれるような人が。

「もし変えようと思うなら。本当に変えようと思うなら。世界は変えられる。」

ジョンが言ってることはけして難しいことじゃない。
なにも世界中の人を救えと大げさなことを言ってるわけじゃない。
どんなに地球が大きくても、インターネットで知識が豊富になっても、
僕らが実際に感じ取ることができる「世界」はそんなに広くはない。
一人一人の人がもっているそんな小さな「世界」を、
世界中の人が変えることができたなら。

人は自分とは違うものをみると不安になるもの。
そしてそれを排除しようとする心理が働く。
でもそういう感情を持っていることを恥じることはない。
それは僕らが生物である以上誰もが持っている「本能」なのだから。

でも。
人はみな違う、ということを理解していれば。
そんな本能は乗り越えられる。

人間の叡智の力は絶大だ。
種の保存のためにある本能の赴くまま動けば、
人間は全ての種を滅ぼしてしまうだろう。

僕らの叡智はそんなことのためにあるんじゃないはずだ。
全ての種が共存できるような、そんな桃源郷を目指すためにあるはずだ。
誰だって平和に生きたいはずだ。
誰かを殺して平和な気分になる人なんていないはずだ。

大局が見えないから目先の平和に囚われる。
戦争が平和をもたらすなんて幻想を抱く。

Give Peace A Chance.
人々に真実の平和を選択するチャンスを。

Power To The People.
人々に真実を見出す力を。

それさえできれば人はみな共存できる。

言葉が違うからといって、肌の色が違うからといって、
習慣が違うからといって、信じる神が違うからといって、
お互いを忌み嫌うこともなくなる。
国境という見えない線を引くこともなくなる。

ジョンは偶像（アイドル）ではいられなかった。
偶像でいるにはあまりに大きすぎた。
ヨーコの存在がさらに彼を大きくしたのでしょう。

彼のカリスマ性についてはよく分からないけど、
彼が伝えようとしたことの大切さは分かる気がする。

ジョンの歌があふれる映画だった。
「Power To The People」がジョンの歌だとは知らなかった。
あんなに力強い歌も歌えるんだ。
単調なリズムで同じ歌詞の繰り返しなのに、
なんで何度も聞きたくなるのだろう。

あとエンディングの「Instant Karma!」も良かった。

どうしてももう一度聴きたくて帰りにサントラを買って帰りました。

このCDをAmazonで買う

人間は一生自分のエゴの世界から抜け出ることはできない。

「他」を意識することがなければ、エゴを意識することもないはず。
自分以外のものを意識することによって自分を意識し、自分を知ることができる。
対極を知ることでお互いを知る。
これがデザインの原点だと思う。

もしこの世界が赤一色だったら、
僕らは「赤」という色が見えていてもそれを意識することはないだろう。
様々な色が存在するから「赤」という色を意識できる。

「自分以外のもの」を知ろうとする行為。
それが広義で言う「マーケティング」だと思うのです。
そういう意味では学ぶという行為そのものがマーケティングだとも言える。
現在を知ることで、現在にはない未来を予想することができる。

「自分以外のもの」を情報として蓄える。
それが「知識」というもの。
知識を蓄えることで自分を知り、エゴとその外の世界と交わり方を知る。
それが「コミュニケーション」というものだと思う。

じゃあデザインをするには知識があればいいのか、
というとそれだけでは十分じゃない。

知識はあるだけでは何の役にも立たない。
インターネットそのものは膨大なデータの集合でしかないように。
そのデータを必要なときに検索して、選択して、判断する。
それが「知覚」というものだと思う。
結局のところ、知覚のプロセスが重要なのだと思う。
そして最も難しいのがエゴとエゴの知覚のプロセスではないかと思う。
お互い外に出ることができないもの同士の知覚。
お互い外に出ることができない以上、お互いを「推察」するしかない。
できるだけ正確に、というよりは、お互いに「心地よさ」を与え合うような、
そんな知覚のコミュニケーションが理想のコミュニケーションで、
それこそがデザインに求められるものじゃないのか。

心地よいエゴとエゴとの知覚のプロセス。それは感情の交歓。
どれだけお互いの感情を理解し、自分の感情を伝えられるか。

僕は合気道を15年近くやっています。
（最近は学業優先でさぼりがちですが＾＾；）
自分が好きなものを共通化しようとする心理も働いてるかもしれないけど
デザインと合気道はよく似ていると思うのです。

合気道は試合がなく、相手を負かしたりするのが目的ではありません。
二人一組で演武をすることで「心地よいコミュニケーション」を目指すもの。
武道ではそれを「和合」といいますが、デザインにも同じ和合の精神を
見出しているのだと思う。

知識よりも知覚。もちろん知識も大事。
しかしそれ以上に知覚を鋭敏にしておくことが大切だと思う。

「Emotional Sense」
今回語ったことを一言で表すキーワードが今回のタイトルで、
僕が大切にしたいと思うものの総称かな。
そしてその中でも一番大切にしたいsenseが「触覚」で、
デザインしたいものが「思わず触れたくなるもの（touchable）」なのです。

．．．なんかこの1年を総括する記事になっちゃいました。
でもまあ以上が僕がこの1年で学び得たものなのかな。

．．．少しは成長しているのだろうか。

電話すれば誰かと話せる。
メールすれば誰かが返してくれる。

それが分かっていながらしないのは、
やはり今は一人でいたい、ということなのだろうか。

人と繋がる幸せを知っていながらも一人でいたいと思うのは
人を信じきれていないからだろうか。
他人に興味を持とうとしていないのだろうか。

そんな僕にデザインができるのだろうか。
そんな不安が毎日のようによぎります。

そんな不安を吹っ飛ばすためにも無宗教でも
やはりクリスマスのような日が必要なのかもしれないね。

Merry Christmas !
全ての人々に幸せを。

自分が好きなデザインを考えるとき、
僕は産業分野で考えるより、デザインの形態で考えてしまいます。

グラフィックデザインでは物足りない。
そこには視覚によるコミュニケーションしかないから。
映像はなおさら畑違いだと思う。
視覚と聴覚だけのコミュニケーションでも物足りない。

やはり僕は「触覚」を中心としたデザインがしてみたい。
そこにはコミュニケーションの原点がある気がするから。
touchable - 思わず触れたくなるもの、を作りたい。

．．．というわけでそういうものをピックアップしてみました。

一方でその対照的な位置づけとしてはたいていは「嫌いなデザイン」を
持ってくるわけですが、それだとなんだか否定的になって嫌だし、
本当に対極的な位置づけのものは「興味がないから意識しない」ものだと
思うし、意識しないものはピックアップできない。

．．．というわけでやはり好きなデザインで別の方向性である
「触れて感じる意外性」をピックアップしてみました。

触れて広がるイメージ。
それこそが僕の創りたいものだと思う。

特別編集版ではオリジナルの「デザインのデザイン」に加えて
「HAPTIC」などこれまでの原さんの著書からの内容もいくつか掲載されています。

なによりオリジナル版では白黒だった図版がカラー化されているのがウレシイ。
本の真ん中ほどに無印良品のあの「完全な地平線」も見開きカラーで載ってます。
見開きのため折り目がついちゃうのが残念。
やはりでっかいポスター版がほしーなー。

本書中の「着眼大局着手小局」という言葉が僕は好きです。
大きなことを成すにはまず小さなことからコツコツと。
「継続は力なり」に通ずる言葉ですよね。

僕は本の内容だけでなく、本の装丁デザインも
本を買う際の動機として重要視しています。
どんなに本の内容が良くても装丁が気に入らないと買う気にならない。
逆に装丁デザインが好きな本はなぜだか内容も満足のゆくものが多い。
そんな気がします。

本なんて図書館で借りればいいじゃん、っていう人もいます。
経済的な理由からみれば確かにそれは正論だし、
経済的に苦しい今の状況では僕も図書館を重宝しています。

でも本当に欲しい本は手元においておきたい。
どんなにたくさん本を読んでも家に一冊の本もない。
そんな人ははたして本が好きだといえるだろうか。
読書家といえるだろうか。

家にどんな本があるか。
それはその人のアイデンティティでもあると思うのです。
なにもないシンプルな部屋、効率化した生活もいいけれど、
手放せない一冊が家にあるのもカッコイイじゃないか。
．．．僕の場合は一冊どころではないですが＾＾；

長く手元に置いておきたい。
そんな風に思わせてくれる本こそ「本物」なのでしょうね。

この「デザインのデザイン Special Edition」はそんな「本物」の一冊です。

展開していくと．．．

最終的にはこうなる！

僕の案は直線で囲まれたユニットを組み合わせていくと、
ユニークな曲線空間を生み出すものでシンプルなユニットな割りに
面白い空間が生み出せそう、というものですが、
持ち運びするためにコンパクトに折りたたむ、という機能が不十分で
グループワークではまずそこを詰めました。

三人集まれば文殊の知恵、とはよくいったもので、
メンバーの一人が素晴らしい案を出してくれて収納方法は解決。
いよいよ実寸大の作品作りを開始したわけですが．．．

これが意外と大変だった。
前セッションでもものづくりの大変さは経験したはずなのに。
模型と実寸大とでは安定度とかの感じが全然違ってきます。
模型の時点では気にならなかった安定度が実寸大ではかなりシビアになり、
さらに設置する場所によって各ユニットにかかる力の配分が変ったりと
安定度の確保に苦労しました。

しかしまあなんとか無事完成。
プレゼン用のボードはグラフィックが得意なメンバーにおまかせして、
ステキなプレゼンボードが出来上がりました。

プレゼンも概ね好評で、いつも辛口な先生から
「実際の建築物としてあっても面白いよね」とのお褒めの言葉をいただきました。

そして打ち上げへ。
結局朝までいて、若者たちとデザインについて熱く語り明かしました。
意外とみんなデザインに対してしっかりとした考えを持ち、
他の学生やその作品を観察しいろいろ考えているのにはびっくりすると
同時にとても刺激になりました。

前にも述べましたが、最初はこのセッションを選択したのは失敗だったかなあ
と思いましたが終わってみれば得るものがたくさんありました。

空間とはどんなものなのか、空間を作るためにはどのようなことをすればいいのか。
見えない空間を意識するきっかけを与えてくれました。
そしてものづくりの領域をより大きなものへと意識を広げてくれた。
見えないといってもやはり空間デザインはものづくりと変らないんだな、と。

いい形で今年を締めくくれそうです。

チケット。
大学のメンバーズ割引で900円。

国立新美術館は夕方5時以降は混雑が緩和され空いてくる、という
話を聞いて午後5時頃に行ったのですが。

．．．やっぱ混んでた。
残り1日だからか、これでも空いてるほうなのかよく分かんないけど。

でも行ってよかった。

「牛乳を注ぐ女」は事前に小さいと聞いていたこともあってか、
意外に大きいじゃん、と思った。

そして実物は思った以上に美しかった。
描かれている女性が格別美しいと感じたわけではありません。
絵全体が放つオーラがとても美しいと感じました。

ラピスラズリの放つフェルメール・ブルーの美しさもさることながら、
画面右半分の壁の白がこの作品をことさら美しくしているように感じた。
遠方から当てられた2つの強いスポットライトが壁の白をいっそう明るくしている。

フェルメールは当初この壁に暖炉などを描いていたそうです。
しかし苦慮の末なにも描かず空白の白壁とした。

余白の美しさ。
美しさは何かを存在させることだけで表現するものではない。
「なにもない」余白の配置で際立つ美しさもあることをこの絵は教えてくれる。
シンプルの美学がそこにあると思います。

さらに砂状の物質を混ぜた顔料を使用したというパンのあたりは
きらきらときらめいているように見える。
この作品は光を浴びることでことさらその美しさが映えるようです。

思った以上の絵の美しさに、鑑賞の行列に二度並び、
さらにその後遠くから眺めることしばし。

そのほかのオランダの風俗画も思った以上のボリュームでした。
それまで聖書や古代神話を主題にした歴史画から
日常を題材にした親しみやすい風俗画へ。
それはこれまでの「絵は美を描くもの」から
「ありのままを描くこと」「教訓や風刺を表現すること」へと絵画の可能性を広げた。

個人的に気に入ったのは
アドリアーン・ムーレマンスの「ランプの明りに照らされた台所」、
ニコラス・ファン・デル・ヴァーイの「アムステルダムの孤児院の少女」、
あたりでしょうか。

絵だけじゃなくて陶器やワイングラスなどの工芸品も展示されてて
こちらもなかなか面白かった。

最後に映像解説を見てたら閉館時間になりました。

思った以上の満足で図録も購入。

2300円なり。
普段は買わないポストカードまで買おうかと思ったほどでしたが、
そこはぐっとこらえてガマン。

やっぱり行ってよかった～

［記憶の固執］

僕のダリとの出会いは小学生の頃だったと思う。
当時はシュルレアリスムなんて言葉は知らなかったけど
図書館の本かなんかで「記憶の固執」を見て、
そのタイトルどおり以来ずっと僕の頭の中の記憶にとどまり続けている。
彼の絵の威力とはなんなのだろう．．．

読み始めは読みにくさと同時に、彼の俗悪な部分、奇異な部分に
ショックを受けてかとの書く読み進めるのが辛かった。
途中何度読むのを挫折しようとしたことか。

幼少の頃の記述ではとくに彼のサディズム、マゾヒズム的な部分が印象に残った。
天才でなければただの変態だよ。
そんな彼の俗悪さに嫌悪しながらも、彼ほどではなくとも自分にも存在する
そんな俗悪な部分が共感を呼び起こす。
そしてそんな俗悪な部分を怯えることなくさらけ出せているダリを羨ましく思えた。

ダリは生まれ来る前の母親の胎内の記憶があるといいます。
それをダリは精神分析家オットー･ランクの著書タイトルである『出産外傷』という
言葉で表現しています。

胎内はまさに楽園で、出産とはその楽園から現実という世界への追放だという。
出産によって人は外傷を受けるのだという。
だから人は母親の胎内への回帰願望があるという。
しかしだからといってダリは楽園主義者なのではなく、あくまで「超」現実主義者。
現実に存在するそんな願望を鋭く指摘しているだけなのです。

本書中では「批判的偏執狂的方法」とか「譫妄的」という表現が頻繁に登場します。
辞書で調べると偏執は「偏った見解を固執して他人の言説を受け付けないこと」、
「譫妄」は錯覚や幻覚が多く、軽度の意識障害を伴う状態」とあります。
まさに本書からはダリのそんな部分が垣間見えてくるわけですが。
強い自我に絶対の自信を持つこと。
凡人がそんなことをすれば周囲はただ迷惑するだけですが、
天才はそんな行動で人を惹きつける。
彼はデザイナーではなく、真にアーティスト足るべき人間なんだと思います。
しかし彼が持つ個性が全くデザインに必要ないかといえばそうではないと思う。
彼の持つ個性には存分にデザインに生かされるべき「構成原理」がある。

シュルレアリスムの初期の特徴である「オートマチスム」には否定的。
彼がひたすら求めたのは「伝統」であり、「ルネッサンス（再生）」である。
それは彼の絵を見ているとなんとなく分かる気がします。
一見斬新な絵でありながらよく見ているとどこか懐かしい気がしてくる。
そこにはダリの伝統への尊敬と帰依が垣間見え、
さらには母親の胎内への回帰願望へと繋がるのだと思う。
そんな現実を見つめようとするダリはやはりホンモノのシュルレアリストなんだと思う。

破天荒な行動でありながら人間としてもつべき基本的な部分は持っている。
ダリのそんな部分を感じさせるのが愛妻ガラへの愛情です。
「ガルーチカ」と名づけた彼の理想の女神像を具現化したガラとの運命的な出会い。
理想が明確だったからこそ、彼は運命の人との出会いを見逃さなかった。

その奇行が目立つゆえに取り沙汰されがちなダリですが、
考えてみればただ彼は正直に生きたかっただけではないのか？
誰だって心の中に奇異性を持っているはず。
彼はそれを忠実に表現し、エゴに忠実に生きただけ。
そんな気がしてならないのです。

他人の心を思いやることはとても大切なことです。
しかしそれは自分のエゴを騙してまで、殺してまですることなのか。
そうすることははたして善といえるのか。
善と呼べたとしても、それが人として生きるために最良の道なのか。

シュルレアリスムって奥が深い。
そして自分もリアリストである以上、シュルレアリストを目指したいと思う。

偶然に頼ること。
それははたして個人の能力を越えた範疇のものだろうか。
それは単なるツキとして片付けられることだろうか。

誰にでも偶然は訪れる。
しかしその偶然のチャンスを生かすことは意外と難しい。

いかに偶然の幸運を生かすか。
それがセレンディピティと呼ばれる能力なんだろうな。

Try and try, watch and watch.
．．．それがセレンディピティを磨くコツなんですかね。

インスタレーションは絵画や彫刻などほかのアートに比べると歴史が浅い。
そのぶん大衆を惹きつける力がまだ弱いのかもしれない。
まだまだこれからという黎明期なんですかね。

これからだんだんと良いものが生まれてくることを期待したい。
ピピロッティさんの作品も自分のカンを信じて見に行ってくるかな。

永らく原美術館にも行ってないし。

正直映画監督のジャン・ルノワールも「ピクニック」を見るまでは知らなかったし、
画家のルノワールもその絵にそれほど興味があるわけでもなく、
印象派の巨匠としてその名前を知ってる程度です。

「ピクニック」のレビューでも書いてますが、
芸術一家のルノワール一家にとって、画家オーギュスト・ルノワールと
その息子ジャン・ルノワールはどのように父の背中を眺めてきて、
映画監督の道を辿ったのか。

その辺が見てみたいと思いました。

子は父の背中を見て育つもの。
その背中を見れなかった人間は誰の背中を見ればいいのか。

その思いが僕がこのイベントに惹きつけられる理由なのかもしれない。

まずは美術館側から見えるクイーンズスクエア。

そしてランドマークタワー。

展望台へは大昔に一度だけ登ったことがあります。

続いてドックヤード。

広場ではおなじみの大道芸パフォーマンスでにぎわってました。

ドックヤードとくれば次は日本丸。

夜のライトアップがキレイなんだよね。
近辺はフリマで賑わってました。

そしてパシフィコ横浜と観覧車。

．．．天気のいい日の散策ってホント気持ちのいいものですね。

［横浜美術館ロビー］

横浜美術館はなんとなくパリのオルセー美術館を連想してしまいます。
．．．行ったことないけど。

［マグリット『大家族』が印刷されたブルーのチケット］

チケットは大学生で700円。

横浜美術館では現在メルマガサービス「横浜美術館ウェブ・スペシャル」に登録して
その登録画面をプリントアウトし、企画展鑑賞券を買うときに提示すると
先着3000名に特製エコバッグがもらえるキャンペーンを実施中。

．．．というわけでエコバッグゲット。
TDWでもエコバッグゲットしたし、これからはエコバッグを積極的に使うとしよう。

横浜美術館は東京の主要美術館に比べるとそんなに規模は大きくなく、
小さめの展示室が複数ある、といった感じ。

いやー、それにしてもそれまで写真や映像でしか見たことがなかった作品を
生で見れるのはやっぱいい。
展示品のほとんどが日本で所蔵しているもので、
日本にこんなにシュルレアリスム作品があったのかとびっくりです。
絵画を中心としてオブジェや彫刻、写真など数多くのシュルレアリスムの作品が
展示されてました。

本展はやはりシュルレアリスムについていくぶんか予備知識があると
その面白みが倍増すると思います。

マルセル・デュシャンの「L.H.O.O.Q」は
よく見ないとモナリザにひげを落書きされたものだと気づかず、
なんでここにモナリザがあるんだろう．．．って知らない人は思っちゃうんじゃないかな。

マン・レイの「ローズ・セラヴィ」もただ作成者（撮影者）と作品名だけでは
ローズ・セラヴィがマルセル・デュシャンが女装したときの名前で、
写っているのはデュシャンの女装姿ってことにも気づかんでしょう。

シュルレアリスムでよく使われた技法のコラージュやフロッタージュ、デカルコマニー
もこの目で見ることができて感激。

写真コーナーではマン・レイによるシュルレアリストのメンバーの写真が
展示されてたのも面白かった。

授業で習って知っていたシュルレアリストを挙げると、

　　マックス・エルンスト、サルヴァドール・ダリ、イヴ・タンギー、ルネ・マグリット、
　　マン・レイ、アンドレ・ブルトン、ポール・デルヴォー、ジョルジオ・デ・キリコ、
　　ホアン・ミロ、メレット・オッペンハイム、ロベルト・マッタ．．．

あたりでしょうか。

僕の好きな作品は、エルンストは「雨後のヨーロッパ」「セレベスの象」、
ダリではフロイトに尊敬の証として見せたという「ナルシスの変貌」、
オッペンハイムの「毛で覆われたティーカップ」．．．などですが
これらは残念ながらありませんでした。

授業でけっこうシュルレアリスムの作品は見たのですが、
それでもはじめてみる作品がたくさんあり、
シュルレアリスムの作品の多さを改めて感じました。

シュルレアリスムはけして幻想の世界を描いたものではなく、
あくまでエゴを通して見える現実世界を描いたもの。
シュルレアリスムの作品の多さはそれはとりもなおさず人間のエゴの多さ、
人の多様性を証明しているのだと思うのです。
まさに「十人十色」を証明するもの。

コーナー最後でシュルレアリスムに影響を受けた現代作家たちの作品が
紹介されてました。

奈良美智ややなぎみわ、草間弥生などの作品が展示されてました。
その中で印象に残ったのが高松次郎の「赤ん坊の影」。
タイトルのとおり赤ん坊の影を描いたものですがこれがすごくリアルで、
照明の加減で本物の影と見分けが付かないくらいなのです。

本展と併設して横浜美術館の所蔵作品の展示もしていて、
ここにもけっこうシュルレアリスム作品がありました。
ほかにもイサム・ノグチの彫刻作品などもあって、
けっこうレベルの高い作品を所蔵しているようです。

1時間半ほどで全展示を見終えてすっかり満足し、迷わず図録を購入。

2000円なり。
表紙の3つのQRコードは、シュルレアリストたちの格言が仕込まれてました。

最後にミュージアムショップを回ったのですがけっこう大きくて、
面白いものがたくさん置いてあって見るだけでも飽きないです。
けっこういい、この美術館。

．．．というわけでとても大満足の展覧会でした～

［チケット］

今回は大学で手に入れた割引券で学生料金1,200円から100円割引の1,100円。
ネット割引に気づいていればもっと割引特典受けられたのですが。

現在クリスマスキャンペーンをしてるらしく、入口でタンブラーかチョコレートを
クリスマスプレゼントとして配っています。
平日のみ14日までタンブラーは50個、チョコレートは100個を毎日先着でもらえるので
平日行ける方は早起きは三文の徳です。

僕は形として残るタンブラーを選択。
カンディンスキーの「円の中の円」がプリントされてます。

さて。
展示は「印象派と20世紀の美術」というサブタイトルのごとく、
印象派から現代美術までを時間の流れに沿って幅広く展示されているわけですが
オルセー美術館展に比べると心なしか展示数が少なかったような気がします。
内容も僕的にはオルセーのほうが面白かった気がする。

一般的には有名な画家の一級品の作品が多く集まっているのですが
あくまで僕の好みによる印象では一番人気を外して
二番人気の作品ばかりが集まっている気がした。

一番のお気に入りはモネの『マヌポルト、エトルタ』。
海岸風景を描いたものですが、水面に光が反射する具合が絶妙にキレイ。
さすが印象派の巨匠、って感じです。

フィラデルフィア美術館はダダイスト、マルセル・デュシャンの有数のコレクション館
だそうですが、ダダ的作品だけでなく、『画家の父の肖像』のように普通の絵も
描いていたのにはびっくりでした。
ただ展示数が二点のみというのが物足りなくて残念だった。
そのほかシュルレアリスムの展示も少なくて物足りなかったな。

会場はアメリカの現代美術で締めくくられるわけですが、
やはりヨーロッパ絵画に比べると歴史の薄さを感じてしまう。
なにが悪い、というわけではないんですけど。
まあそのぶんアメリカはデザインで世界をリードしたわけで。
アートはヨーロッパ、デザインはアメリカ、ってとこでしょうか。

『美の巨人』でとりあげられていたジョージア・オキーフの
「ピンクの地の上のカラ・リリー」はキレイだったな。

ちょっとした物足りなさから買おうかどうか迷ったけど、
モネの絵はやっぱりよかったし、勉強になった部分もたくさんあったので
結局カタログを購入しました。

2500円なり。

1時間半ほどで見終わって、
西洋美術館でやってたムンク展、上野の森美術館でやってるシャガール展も
行ってみたかったけど寝不足状態だったこともあってどっと疲れたので
日本での唯一のコルビジェ設計の西洋美術館の外観を写真に収めて帰途につきました。

しかしムンク展は高い～
大学生でも1,000円とるとは。

元ソニー社員の秋田道夫さんと安次富隆さん。
表紙の卵型の金属物体は安次富さんがソニー退社後独立して立ち上げた
ザートデザインでの実験的プロダクトで、人間の想像力を喚起することを
目的としたものだそうです。

これからのプロダクトには用途を開発者が限定してユーザに押し付けるものじゃなく、
ユーザの想像性によって様々な用途に使えるようなものを提供することが
求められているのじゃないかと思うのです。

ユーザの想像性を喚起するにはまずは触ることからはじまるわけで。
だから第一印象で「思わず触りたい」とユーザに思わせることはとても
重要なことだと思うのです。

そのほか自身が使う車椅子デザインをはじめとしてディスプレイや包丁、
メガネなど幅広い分野で活躍する川崎和男氏、
メタフィスの村田さん、LEDの山中さん、
グッドデザイン審査委員長を務めたことのある喜多さん、などなど。

小泉さん、塚本さん、廣田さん、山本さんは
まだちょっとそのデザインの特性がつかめず。

リアリストの僕にはグラフィックだと面だけで物足りない。
音と視覚だけでは物足りない。想像力だけでも物足りない。
見えない空間を作るのもまだピンとこない。

曲がりなりにもものづくりの会社に14年いて、
自分としてはものを作っている、という意識が持てないでいたけれど、
こうして外にでてみると、僕はものづくりの環境にて、
その環境にそれなりに感化されているのかなあ、とあらためて感じます。

形に囚われてはいけないけれど、やはり僕はものの形にこだわりたい。
分野にこだわりなく幅広いデザインがしたいけど、
ベースとなる地盤はこれだというものを持っておきたい。

そう考えると僕の地盤はやはりプロダクト・デザインなのかな。

空間という言葉ほどあいまいなものはない。
それは常にいたるところに存在し、新たに作り出すものではない。

では「空間デザイン」とはなにをデザインするのか。
それはたぶん「空間を意識させるもの」なのでしょう。

見えないものを、得体のしれないものを探ろうとして見えるものにすがろうとする。
だから最初A4の紙を使って空間モデルを作れといわれたとき、
どういうものを作ればいいのか、どういう方法で作ればいいのか、
想像すらできなかった。
見えるものにすがってしまい、見えない空間はますます見えなくなる。

ゴールが想像できないから間違っている自分をどう修正したらいいか分からない。
それどころか自分が間違っていることさえはっきり意識することができない。
それでいてなんとなくウマくいってないことは分かる。
これほど気持ちの悪いこともない。
前半はそれで精神的にかなり滅入りました。

しかし続けていれば、じっくりと眺めていればなんとなく見えてくるものなんだな。
空気は透明でも空は青い。
人間見ようと思えば見えないものも見えてくるものらしい。

通常モノ作りはニーズがまずあって、そのニーズがモノの機能を作り、
そしてその機能がモノの形を作る。

でも空間を作ったことのない僕らにはニーズから求める機能、
機能から求める形（空間）への変換方法が分からない。
だからまず最初に無作為に、無造作に「形」を作った。
そしてその形から機能を、機能からニーズを後付けした。
見えるものから本来とは逆のフローを辿ることで本来の
ニーズ→機能→空間という設計フローが見えてくる。

最終過程は1/1の実寸スケールで「一人用の空間」を作ります。
ルールはできるだけ小さいユニットの連続で大きな空間を作る。
ユニットをばらすことで持ち運べる空間とする。
今日は各個人での案出しで1/5スケールのモデルを作ったもののプレゼンをしました。
写真はそのときの僕の作品です。
偶然から生まれた案ではありますが自他共にけっこう好評でした。
ほんの小さな試みからものごとって発展していくものなんだな。

今後は3人一組でグループを組み、このセッションの最終目標である
1/1実寸での空間作りを行います。

今年最後のスパートに向けて頑張らねば！

くさっても元ハードウェアのエンジニア。
半田ごてなどの工具は持っていたので、パーツが届くとすぐ組み立て開始。
何年ぶりかの半田付けで意外とてこずるもまあ順調にモノは完成。

MacとWinマシンにそれぞれドライバを入れてUSBケーブルを接続すると、
USB接続のLEDが無事光ってハードウェアの動作はどうやらOK。

次にFlashのサンプルを動かしてみることに。
FlashでGainerをコントロールするにはserial_proxyというサーバをgspという
プログラムにより起動する必要があるのですが、これがWinでは動作するのに
Macで「予期せぬエラーで終了しました」というメッセージがでて起動できない。

しばらく四苦八苦したあと、フォーラムで最新のバージョンではなく、
1つ前のバージョンでやってみたら？．．．みたいな書き込みがあって、
gspのバージョンを最新の1.1から1つ前の1.0で起動すると無事起動。

Win、Macの両方でFlashのサンプルが無事動きました。

．．．ってとこまでやりました。
次はProcessingでやってみようかな、ってとこです。

考えてみればGainerには4系統のアナログ入出力と4系統のデジタル入出力、
そしてPCに繋がるUSBコネクタと至ってシンプルな構成なんだよな。
ハード的にはそれほど真新しい技術がのっかってるわけでもなさそうなのに
どうしてこれまでこうしたキットが出てこなかったんだろ。
あったけど単に自分が気づかなかっただけなのか。

入力はキーボードとマウス、出力はモニタというシンプルな構成で
コンピュータは人間に多大な恩恵を与えてくれた。
人間とコンピュータの接点であるインターフェースの選択肢を増やせれば
その恩恵はさらに大きなものとなるであろう．．．

もはやコンピュータは現代社会に深く浸透しており、
人間とコンピュータの関係を考えることは人間と社会との関係を考えることだともいえる。
つまり人間と社会の関係を考えることが仕事であるデザイナーにとっては
人間とコンピュータの関係を考えることもその職責の範疇に入るのではないでしょうか。

Gainerはまさにこうした時代のデザイナーのための道具ではないか。

今はまだGainerでこういうことをやりたい、という具体像は浮かばないのですが、
自主制作や卒業制作になんらかの形で取り入れられたらいいなと考えてます。

まずはいろいろサンプルを作ってみて、
じっくりその可能性を探ることからはじめてみます。

男児がメカニカルなものを好きになる性癖とは別に、
人はロボットに惹かれる性癖があると思う。
例えば高橋智隆さんの「世界一美しいロボット」なんかは、
ロボットのメカニカルな部分ではなく、人に近い曲線美に惹かれます。

しかしロボットと宇宙開発は進歩の著しい科学技術の中において、
その進化の度合いは人々の予想に反して遅いものとなっている。

「2001年宇宙の旅」はいまだに実現できないし、
現在のロボットは「アイ・ロボット」や「鉄腕アトム」の世界には程遠い。

それは宇宙科学者やロボット技術者の技量が足らないのではなく、
それだけ地球外の世界と人体の世界は未知に満ちていることなんでしょう。

人がロボットにあこがれるのは、
人間を模倣することにより、客観的に人間を知ろうという行為に他ならない。

ロボットのメカニズムを開発するのがロボットエンジニアの仕事なら、
ロボットの社会への関係性を探るのがロボットデザイナーの仕事なのかな。
ロボットデザイナーはロボットを通じて「人」を表現する人なのだと思う。

．．．実に興味深い。（by ガリレオ先生）

2008年1月12日13：00～　ゲスト：　nendo　佐藤オオキ

オオキさんのトークイベントには過去に2回（新宿、汐留）行ってますが、
何度聞いても面白いので今回もぜひ行きたい。
すっかりオオキさんのファンと化してます＾＾；

展覧会のテーマは「アートとデザインの遺伝子を組み替える」。
オフィシャルサイトの展覧会趣旨を読んでも難しくてよく分かんないけど、
まあデザインとかアートとかかっちり分けずにいろんな表現を見てみよう、
ということなのかな、と勝手に解釈してます。

参加クリエイターも建築家はSANAA、デザイナーはnendo、タナカノリユキ、
写真家は蜷川実花、アーティストは、エルネスト・ネト、オラファー・エリアソン
ほか幅広い分野から出展しています。

美大でアートとデザインを学べば学ぶほど、
アートとデザインの違いがよく分からなくなってくる。
だいたい言われるのはアートとデザインのボーダーはなくなりつつある、ということ。
だからそんなに気にすることはない、と言われるのだけど
じゃあなぜいまだにアートとデザインという言葉が存在するのか、
はたしてこれらの言葉はすでに歴史の遺物と化しつつあるのか、というと
それはまだ納得できない事実だと思うわけで。

「何かを分かるということは、何かについて定義できたり記述できたりすることではない」
という原さんの言葉のように物事は分かろうとすればするほど分からなくなるもの。
何かを分かるということは、その「何か」の中に無限にある未知の部分を見出すこと。
人間の本能からして未知なる部分については足踏みしがちだけでも、
それでも未知の部分を探求し続けよう、という感情が好奇心や興味であり、
「好き」という気持ちの根源ではないだろうか。

そういう意味では本展の「あなたの未知の空間」とメインタイトルと、
「アートとデザインの遺伝子を組み替える」というサブタイトルは
自分の「好き」を見つけるための絶妙な組み合わせと思えるのです。

だから．．．
学校サボってでも行きたいっ！