Tadaoh! Design

この本はデザイナー/アーティスト向け、ということもあって、
内容の易しさもさることながら本の装丁デザインがイイ。

人間手に入りづらい、となったら余計欲しくなるもの。

ネットではプレミア価格でしか手に入らない。
あとは地道に本屋、古本屋を探すしかないのかなあ．．．

BNNさん増刷してくださいよー。

［SENSEWARE展で見かけた原研哉氏］

僕はあまり「クリエイティブ」という言葉が好きじゃない。
そこには「ゼロから新しいモノを作りだす」というニュアンスがあって、
自分はどうもそういうことには向いてない、興味がない、と思うから。
だから僕はクリエイターになりたいとは思わないし、そう呼ばれたいとも思わない。

もちろんデザインにはクリエイティブな部分もある。
というよりクリエイティブな部分が目立つ職能だと思う。

しかしデザインはクリエイティブな部分だけではないし、
デザインの本質はクリエイティブかどうかにあるのではない、と思う。
いや、クリエイティブはクリエイティブなんだけど僕がそれまで思っていた

　　「ゼロから新しいモノを作り出すこと」

だけが「クリエイティブ」なのではない、といったほうがすっきりするかな。

TBSの世界遺産でガウディが特集されていたとき、

　　「創造するのではない、
　　　人間が作りだすものはすでに自然という偉大な書物に書かれている。」

というガウディの言葉に強く引かれました。
その言葉は僕の「クリエイティブ」に対する考え方が間違っていない、
という自信をつけてくれ、本書はさらにその自信をゆるぎないものにしてくれた。

さらに。
これまでなぜなのかその根拠も分からぬまま、
自分の感性に導かれるまま読んだいくつかの本から得た知識が
この本でリンクしたりしました。

たとえば茂木健一郎「クオリア入門」ででてくるキーワード、
「クオリア」「アフォーダンス」という言葉が本書でも登場してきます。
本書では「アフォーダンス」を、

　　「行為と結びついている様々な環境や状況を、
　　　総合的かつ客観的に観察していく態度」

と解釈し、深澤直人がアフォーダンスの発想に近接したポイントに
着目するデザイナーとして紹介されたりしています。

さらに僕はここ2,3年における経験で、

　　「物事を受け入れることが大切」

ということを痛感し、信条としてきましたが、
これも本書では裏づけしてくれてる気がした。
これは日本の国柄を解説している第六章でそう思ったわけですが。

日本という国柄を考えるとき、どうしても僕は無個性に感じてしまうのです。
東京ほど多種多様な世界文化が混在している街もない。
料理一つとってみっても、
和食はもちろん、中華、エスニック、イタリアン、フレンチ．．．
世界でこれだけの料理が食べられるところはないでしょう。

しかし日本は無個性が個性な国なのです。
資源の乏しいこの国は異国の文化を「受け入れる」ことで成長してきた。

受け入れることの大切さを再認識させてくれると同時に
ただ受け入れるだけでなく、受け入れることで自分の「芯」を自覚し、
見失わないでいることの大切さも本書では教えてくれた気がしました。

答えは新しくゼロレベルから浮かんでくるのではなく、
これまで歩んできた道のりの中にある。
それを強く感じさせられました。

印象に残った言葉。

ここにも「リデザイン」のコンセプトが垣間見える気がしませんか？
「知っていたはずのもの」を未知なるモノに捉えなおす、という点において。

新たな発見と感動としては無印良品と愛知万博の話。
無印良品のコンセプトとそれを伝えるためにわざわざ南米ボリビアまで
見渡す限りの地平線を撮りに行ったというポスター。
その大地に立つことで見えてくるものはなんなのか。
ポスターではなく、現地での風景をじかに見てみたいと思いました。

愛知万博のほうは万博計画に原さんが関わっていたという事実に驚き、
これからの未来は自然との共生が大事だという当初の万博のコンセプトに
感銘を受けると同時に、大衆の短絡的思考に失望もしました。
デザイナーは時代の牽引者であると同時に大衆は必ずしも優れた思想に
反応良くついてきてくれるものではない、という
レイモンド・ローウィ「口紅から機関車まで」での言葉の意味をあらためて
感じることができました。

本書後半ではおもに「情報」というキーワードが語られるわけですが。
これまで正直「情報デザイン」とはどういうものかよく分かっていなかった。
現在大学の授業で空間デザインの実習をしているわけですがこれも
なぜだかよく分からない。

情報も空間も形がない。
形がないものほどその実体をつかむことが難しい、ということなのか。

原さんは情報デザインを説明するものとして「情報の美」という言葉を用い、
それを実現するための要素として、「分かりやすさ」「独創性」「笑い」の3つを
挙げています。

「分かりやすさ」はシンプルさを、「Simple is best」を、
「独創性」はただシンプルなだけでは不十分だということを、
シンプルに加えるべきプラスアルファを、
「笑い」は理解されているかどうかを知るためのバロメータであることを、
わけの分からないものに対して笑い＝快適性は起こらないということを
それぞれ教えてくれるもの、ということか。

形あるデザインと形のないデザイン。
両方できるデザイナーになりたいものです。

デザインの素晴らしさに再度触れることができた気がした一冊でした。
これぞリデザイン。

ちなみに原さんはムサビの教授だったんですね．．．

仕方なく近所の図書館で借りてきたのですが。

．．．やっぱイイ。

春夏秋冬季節ごとのCMに使われた写真とキャッチフレーズが載ってます。

一番のお気に入りはやはり善峯寺かな。

　　『ここの桜のように一年にたった一回でもいい。
　　　人をこんなにも喜ばせる仕事ができればなんて思いました。』

ここの桜を見てればそりゃ思うだろ。

やっぱり実物を絶対見てみたい。

．．．しかしまずは冬の桂離宮だね。
楽しみ楽しみ。

プログラマになりきれなかったけどけしてプログラミングが嫌いなわけじゃない。
たぶん。
エンジニアリングに絶望してデザインを選んだわけじゃない。

エンジニアリングの世界で満たせなかった何かをデザインで補うことで
僕はもう一度エンジニアとして復活したいのかもしれない。
あるいはエンジニアリングが分かるデザイナーというちょっと変った側面を
自分の個性としてデザイナーとしては遅いスタートというハンデを
カバーしたいだけなのかもしれない。

まあその辺はよく分からないけど、
とにかく僕はエンジニアリングが今でも好きだ。
フィジカルコンピューティングという響きもなんかステキ。

春休みの課題がまた1つできたな。

［ちょっと変った形状のチケット］

会場はだいたいデザイナーごとに壁が区切られていて、
イスやテーブル、照明、食器、陶器などがずらりと展示。

直近で大学の授業の木工制作でイスを作ったこともあって、
やはり一番注目したのはイスでした。

西欧やアメリカみたいな派手さはなく、地味で堅実。
マスプロダクトよりもクラフツマンシップを重要視し、
自然との調和を大切にする気質。

僕的には好きなカテゴリです。

気になったデザイナー、作品をピックアップ。

・タピオ・ウィルッカラ（フィンランド）

　ワイルドな風貌に反してその作品は繊細な仕上げ。
　積層合板を使ったかたつむりのオブジェや葉っぱのテーブルが素晴らしかった。

・ハンス・J. ウェグナー（デンマーク）

　ピーコック（クジャク）チェアやYチェア、ザ・チェアに代表されるように
　シンプルだけど存在感あるチェアが素晴らしい。

・フィン・ユール（デンマーク）

　ペリカンチェアが好きだな。

・アルヴァー・アアルト（フィンランド）

　なんといってもパイミオチェア。
　そのほかティー・ワゴン、肘掛け椅子、花瓶の「Savoy」もよかった。

・アルネ・ヤコブセン（デンマーク）

　「アント」「スワン」「エッグ」に代表されるチェア群がイイ。
　とくにアントの実物は思った以上によかった。
　逆にエッグは思ったほどではなかったかなあ。

・ヴェルナー・パントン（デンマーク）

　北欧デザインにはめずらしく、派手派手系。
　パントン・チェアが有名ですね。
　でもまあ大学においてあるのであまり新鮮は感じなかったな。
　「コーン」は斬新だった。

そのほかアンティ・ヌルメスニエミ「サウナ・スツール」、
ポ－ル・ヘニンングセンの照明、
カイ・フランクの薄いカラーグラスなどがよかった。

これまでデザインを考えていく上でデザインと対比させるものとして、
エンジニアリングやアートを考えていましたが
最近ではさらにクラフツマンシップ（職人気質）が加わりました。

デザイナーは絵だけ描いてればいいのか。
デザイナーは機能だけ考えればいいのか。
できる人に頼めばいい、というのはもちろん正論ではあるけれど。
コミュニケーションを活用する、というのははたして
安易に人に頼むということなのだろうか。

プロダクトデザインやスペースデザインの魅力は「触る」ことができる点にある。
グラフィックでどんなに無限の人間の想像性を描いたとしても、
それは画面から外に出てくることはない。

触感をデザインするならやはり自分で作ることにこだわる部分も必要だ。
アーティスティックでファンクショナルでクラフツマンシップ的。
それらを合わせ持とうとすることはけして欲張りなことではなく、
これからのデザイナーにはこれらが総合的に求められるのではないでしょうか。

今回の出展リストが載っているカタログがどうしても欲しくて購入。
3,300円とちょっと高かったけど。

中身は同じだけど表紙が白、緑、茶色の3バージョンあります。
僕はアルヴァー・アアルトのSavoyの緑バージョンを購入。

もっともっとイスが作りたくなりました。

［チケット］

例によって会場内は撮影禁止なのでテキストのみでのレビューになります。

展示数は35点。
その中から面白かったものをピックアップ。
（番号は展示品につけられる展示番号）

３．水円

天井から床に投影された水面の画像に足を踏み入れると
センサーが反応して水面がゆれ、水音が聞こえてくる。
水に囲まれ、水音を聞くと安心するのは僕らの身体に
水の記憶が刻み込まれているからだろうか．．．

６．「飲水思源」~蛇口のセンスウェア

トイレの洗面所の蛇口に手をかざすとセンサーが反応して、
水が出るのですがそれと同時にかざした手の辺りがライトアップされて
映像が流れるのです。

面白い仕掛けですが面白いがゆえに無駄に手をかざして水を無駄遣いしてしまう。
エコ的に考えればちょっと疑問に思ってしまった。

７．HOH（ホッ）

1つの部屋を丸々使った水のインスタレーション。
部屋全体を暗くし、天井には多数のLEDが設置してあって、
あるリズムパターンで白や青のLEDが点灯する。
前方と床の一部に水を想起するようなイメージがプロジェクターで投影、
スピーカからさまざまな水音が聞こえてくる。

コンセプト的には３．と似ていて水に囲まれることで妙な安心感を感じる。

８．見えない水の発券機

牛丼1杯作るのに必要な水は．．．
全ての原材料の誕生から考えればなんと2000リットル。

このほか味噌汁、ビール、ハンバーガーなどさまざまな食べ物で
その食べ物を作るのに必要な水の量が発券機のボタンを押すことで
発券される紙で知ることができます。

いかに僕らが水をたくさん使っているかを再認識することができるのですが、
ただそのことを再認識させるためにこれだけの紙を使う必要があるのか、
とエコ的に考えると６．同様疑問に思ってしまいました。

９．～２０．水の器

直径1m、深さ70cmほどのボール状の入れ物が12個。
中は水で満たしてあって、底には丸いディスプレイで、
12個それぞれのテーマの映像が映し出されています。
井戸の底を覗き込むような感じで眺める姿勢はなんだかワクワクします。

この展示のせいで会場内はちょっとプールくさいのだけど、
それもまたなんか懐かしい。

２１．ふるまい

棒の上に皿を置いて皿を回す皿回しのようなものが12点設置。
皿は超撥水加工がしてあってこの皿の上にスポイトで水を垂らすと、
強い表面張力で水滴は球状となり、その動きが面白い。

12個それぞれの皿の中は違った形状の突起がつけられており、
それぞれの皿で違った水の"ふるまい"を見ることができます。

２２．鹿威し（ししおどし）

原研哉によるハイセンスな鹿威し。
鹿威しにより落下した水が２１．と同じ超撥水の素材でできた坂の上を
水滴となって落ちて流れていく様がなんともいえない美しさを醸しだしてます。

３３．体水計

自分の身体の中にある水の量を測るはかり。
若者用、中年用、壮年用と3つのはかりが置いてあります。
同じ体重でも年齢のよって体内の水の量は違うからだとか。
歳をとるほど体内の水分量は減っていく。
だから年寄りは肌がかさかさになるんですね。

生まれるときは水100％。死に向かって失われていく水分。
水を懐かしむ心情の原因がここにもある気がしました。

３４．かぱ

どこに展示してあるかが秘密になってます。
会場を3周して探しましたがついに見つけられず。
くやし～。

３４．以外の展示をだいたい1時間ほどでみて、
３４．の展示場所探し30分。
鑑賞時間のトータルは1時間半ほど。

最後にショップでカタログを買おうとしたのですが
チョコレート展のときと同じくまだ完成しておらず。（12月発売予定）

代わりにチョコレート展のカタログがあったのでそれを買いました。

そのほか２１．の展示の超撥水皿が売ってて心惹かれたのですが
たぶんすぐ飽きるだろうと思いとどまりやめときました。

デザインで記憶を喚起する、というある意味とても斬新な展示会でした。
デザインでこういうこともできるんだな、とあらためてデザインの可能性を見た気がします。

年明けて1月中旬までやってるので興味のある方はぜひ。

続いて新宿はオペラシティで開催している「北欧モダン」へ。

［Patrick Blancオフィシャルサイトより］

パトリック・ブランのオフィシャルサイトにパリを中心に
世界中に展開する彼の作品が紹介されています。
建物の内外を問わずあらゆる場所に緑が展開する様は
まさにGreen Buildingのイメージそのもの。

垂直壁面に緑を覆うには土がネックになるだろうと思っていたのですが
どうやら土はそんなに重要じゃないみたいですね。
水と光と鉱物成分が提供できる環境があればいいみたい。
しかも年に3,4回の手入れだけでよいとうメンテナンスも意外とお手軽。

しかしパトリックはこの研究のために世界中の熱帯雨林を訪れているそうです。
デザインを学び始めた一介の学生がどうこうできるものではないんだな。

しかしこれははじまりに過ぎない。
なんとかこの垂直庭園をもっともっと広めて「緑の都市」の実現に貢献したい。
そのために自分ができることがなにかあるはず。

ちなみにパトリックはファッションにも垂直庭園を取り入れてるみたいです。

［Patrick Blancオフィシャルサイトより］

これは現実的にはどうかと思いますが眺めるぶんには楽しいですよね。

2008/02/02追記：　

表参道のGYREのエントランスにこの垂直庭園の実物があるので撮ってきました。

別アングル。

他に誰も立ち止まってこの壁に見入る人はいませんでしたが、
よくよく見るとやっぱり不思議。
壁に触ってみたのですが、湿った布を触ってるような感じでした。

2008/03/10　さらに追記：

コメントにもありますが、YouTubeに動画あったので貼り付けときます。

2008/03/22　さらにさらに追記：

作品集が出るみたいです。6月とまだちょっと先ですけど。
Amazonで予約できます。

Vertical Garden: In Nature and the City

この本をAmazonで買う

．．．うーん、これは欲しいかも。

相変わらず迷いの日々。
それは異常ではなく、正常なことだと気づいてからは、
迷いを人に相談しなくなった。
人に相談することは大切だけど、僕にとってその時期は過ぎた。
後は自分で決めるべきことなのだ。

この2,3年で僕は人との繋がりの大切さを悟った。
ちょうどブログをはじめた時期でもあり、当初からそのことを語ってきた。
でも最近、一方で孤独を選択しようとする自分がいる。

僕はデザインやアートの展示・展覧会へはもっぱら一人で出かける。
友達を誘うことはほとんどない。
一人で鑑賞しながらじっくり考えるのが好きだ。
他人に鑑賞のペースを合わせるのは疲れるし、集中もできない。

もちろんブレストや意見交換の重要性も分かる。
一人でいれば寂しいと思うこともよくある。
それでも孤独を選択しようとしている自分がいる。

20代の頃に比べれば人付き合いにもなれてそれなりに
自己主張をし、コミュニケーションも取れるようになってきた。
なにより人をもっと好きになれるようになった。
それでも孤独を選択しようとしている自分がいる。

獅子は集団で行動し、虎は単独で行動する。
正直群れるのは嫌いだ。
それでも個人での限界を感じ、団結による力を信じている。
大学で志を同じくする同志を見つけたいとも思う。
でもなかなか。

はたして本当に見つけようとしているのか。
なにを見つけようとしているのか。
孤独を選択しようとしている人間が。

自律。不屈。無心。不言。無欲。滅私開眼。
静を覚えて動を知る。
道を外れて道を知る。

．．．グリーン・デスティニーを観ながらふとそんなことを思ったりして。

一番最初は10m四方の公園でピクニックを楽しむ家族の姿からスタート。
10秒後にはその10倍の100m四方のエリアの風景、
さらにその10秒後には1000m四方のエリアの風景、
．．．という風に10秒ごとに10のべき乗四方の世界へと広がっていく。

あっという間に地球を飛び出し、太陽系を飛び出し、銀河を飛び出す。
単位は「メートル」から一気に「光年」へ。
10の24乗まで広がったところで再びスタートへと戻ってゆき、
スタートに戻ったところで今度は10秒後には1/10の10cm四方のエリアの風景、
その10秒後には1/100の1cm四方のエリアの風景、
．．．という風に10秒ごとに10のマイナスべき乗のマクロ世界へと向かう。
最終的には単位オングストロームの10の-14乗の分子レベルの世界へ。

単純にスケールの遷移を描いたグラフィックだけど
30年以上も前のコンピュータもネットもない時代に
これだけのものを作ろうという、その発想がスゴイ。

そのほかおもちゃの汽車をあたかもホンモノのように走らせて
実風景を撮るような感覚で作られている「おもちゃの汽車のトッカータ」、
イームズ夫妻の作品の静止画像をひたすら連続的に映し出してゆく
「5年後の記憶」などを見ましたが今見ても斬新。古くささを感じさせない。
いいデザインとはこのようなものを言うのでしょうか。

枠に囚われずイイものを作る。
そういうデザイナーになりたいものです。

内容の半分は理解できなかったけど。
以下はそのつたない理解度による僕の「主観」です。

「心はどこからくるのか」

それを科学的な見地から追及するのが悩科学。
それを知ったからといってデザインにどのように役立つのか今はよく分からない。

でも何か役立つ気もする。
第六感ってやつでしょうか。

「私」という主観、つまり自我、エゴはどういうメカニズムで動いているのだろう。
科学者でなくても誰でも一度はふと考えることではないでしょうか。
エゴの強い人、エゴに無頓着な人との差はどこから来るのか。
エゴに悩む人間ならなおさらその興味は深い。

「クオリア入門」というタイトルですが、
エゴを構成するものはクオリアだけではないようです。

バラの赤い感じ。牛乳の白い感じ。ヴァイオリンのあのなんともいえない音色。
数値では説明できないその「感じ」がクオリアなのですが、
茂木さんは最初そのクオリアが「私」という主観を構成すると考えていたそうです。
しかしそれだけでは不十分だった。

クオリアは行ってしまえば高画質なディスプレイ。
高価なディスプレイにどんなに鮮明な画像が映っていても、
その画像を見ていなければ、画面に「注意」を向けていなければ
その鮮明さを感じることはできない。

その注意を向けることを「ポインタ」もしくは「志向性」と茂木さんは呼んでます。
クオリアにポインタをマッピングする。
それが自我を構成する重要なファクターらしいですが、
それを悩科学的に確かなものとして根拠付けるのはまだまだだそうです。

デザインとアートの違いはなんだろう。
美大にいれば、デザインを学んでいれば嫌でも考えること。
これまで僕はアートは自己満足で、デザインはコミュニケーションだと思ってた。
でも正直今はその考えに自信がなくなってきている。
画家だって、アーティストだって人に認められたいはずだ。
そう考えたらアートにだってコミュニケーションはある。
ただ、どっちにせよデザインにはコミュニケーションは必要なわけだし。

コミュニケーションをするにはエゴを越える必要がある。
エゴを越えるにはエゴがどこにあるのか知る必要がある。
エゴがどこにあるのか知るためにはエゴがなんなのか知る必要がある。

だから僕は知りたい。心を知りたい。
科学的根拠でも、哲学的根拠でも、美術的根拠でも。

エゴを知らない人間はデザイナーになんかなれない。
自分を好きになれない人間が他人を好きになんかなれやしない。
他人を好きになれない人間が他人のために良いデザインなんかできやしない。

だから僕は自分が好きなのだ。
それでいいのだ。
バカボンのパパなのだ．．．（とくに意味なし）

3回目の授業を終えた限りでの感じでいえば。

．．．キツイ。
楽しかった第3セッションに比べると。

このセッションはスペース（空間）系のものですが、
最終的には「自分を包む空間」を1/1スケールで作るらしい。

ステージ的には3つのスタディに分かれていて、
現在は最初のステージの実習をほぼ終えて
来週早々のプレゼンの準備をしなければならない、といったところ。

この3回の授業でしたことは、
A4ケント紙1枚を使用して「内部に空間をもつ形態」をつくること。
用紙は切り離さないことが条件。

最初の授業でまず20個製作しました。
これがキツイ。
90分2コマの時間内では時間が足らず居残って何とか完成。

次の授業では同じく20個製作。
ただし今度は内部に包まれるものを大きさも含めて具体的に設定すること。
やはりきつかったけど今度は時間ぎりぎりに何とか。

3回目は一気に5個にまで減るも今度は作成手順を5ステップで記述する、
という課題が新たに追加。5個の作品の中から1つ選んでクラスメイトに
手順を記録したものを渡して同じものを作ってもらう。
時間的には前2回より早く終わったけど、やはりきつかった。
クラスメイトに作ってもらったものは自分が作ったものとは
若干．．．いや、けっこう違ったものになってしまった。
図面やドキュメントを作るのは嫌いじゃないほうだったのに。
畑が違うとなかなか難しい。

とにかく精神的にキツイ。
考える前に手を動かさねばならない。
頭に形や作り方が浮かぶ前に手を動かさなければならないことが
これほど辛いこととは思わなかった。
シュルレアリスムのオートマチズムを続けていると
頭が変になってしまうそうですがそれが少し分かる気がします。

何のためにこんなことをしているのか正直今は分かりませんが、
物事には必ず理由がある。
それをどう役立てるかは本人次第。

今年最後の難関。
めげずに頑張らねば。

定刻になって、司会のアナウンサーに続いて
タナカノリユキ氏、深澤氏の順で入場。

タナカ氏は正直よく知らないですが、若くて精悍な感じ。
一方深澤氏は．．．小さい。
外見は普通のおじさんです。

最初はなかなか興味を喚起されなかったけど徐々に面白くなってくる。

念の押しておきますが、以下はあくまで僕が受けとめた印象を僕なりに
まとめたもので内容に一部正確性を欠く部分もあるかもしれません。

顧客が欲しいものを作るには、顧客になにが欲しいのかを聞くのが一番だ。
だからサプライヤーはユーザーリサーチをする。
しかし深澤氏は「ユーザーは本当に欲しいものを知らない」という。
だからユーザーリサーチをしても仕方ないと。

ユーザーは実物を見たその瞬間に本当に欲しいものかどうかの判断する。
想像でなんとなくこんなものが欲しい、ということを思っていても、
それを具体的に形にすることは一般ユーザにはできないし、
言葉で話したとしてもそれはほんの一部に過ぎないし、
正確な真実ではない。言葉はあやふやだから。

デザイナーはユーザーの潜在的な欲求を見抜き、
それを形にしなければならない。
意識された部分は変にマスキングされてしまうから。

デザイナーは本質に敏感でなければならない、ということなのかな。

もう一つは時代は「形のデザイン」から「UIのデザイン」へ向かうという話。

UIデザインの重要性は聞いてましたが深澤氏が言うと説得力ある。
デザインは形から入るのではなく、機能から入るべきだという
梶本先生の言葉に通じるものもあると思った。

あくまで仮想のスクリーンにとどまるグラフィックデザインと異なり、
現実空間に存在するプロダクトデザインでは形に囚われがちだ。
しかしそこに囚われては現状以上のものは生まれてこない。

UIは人間とモノが触れ合う接点となる。
モノが仮想空間であっても現実空間であってもUIは必ず存在する。
だからUIを押さえるものは全てのデザインを押さえることができる。
．．．そういうことなのだろうか。

なんだかんだいっていろいろ考えさせられるイベントでした。
まあ僕が勝手に考えているだけなのかもしれないけど。

イベント自体は1時間ほどで終了したのですが、
100%Design、DesignTideの後でさらに立ちっぱなしだった、
ということもあってヘトヘトに疲れました。

多摩美の学祭に顔を出すつもりでしたがパス。

それでも今日から日本初のMoMAストアがオープンでするということで
まあ近くだし、ということで足を運びました。

NYの本店並みに広く洗練されていましたが、お値段もやはり洗練されすぎ。
友達の誕生祝に何か買おうと思いましたが手頃なものが見つからず、
手ぶらで疲れた身体を引きずって帰途に着きましたとさ。

あー疲れた。
でも有意義な一日だった～

［DesignTideメイン会場の配布物。入場料1,000円。］

会場内は全面的に撮影OKだったので、面白かったものをいくつか画像でピックアップ。

左：　E&Y鈴木元の2007 NEW COLLECTIONの中から。
　奥行きがある形にデザインされたボックス。
右：　モーリッツ・ウォルドメイヤー『Pong Table』
　電子卓球ゲームができるテーブル。

左：　安積朋子 x マックスレイ x 竹尾『Twiggy Lamp』ほか
右：　innermost-Koray Ozgen
　天の川を連想させるライティング。

左：　ディライト
　LEDのそろばん、みたいな。
右：　トード･ボーンチェ
　以前見たことがあったのですぐ分かりました！

左：　BACH × nendo
　決められた本しか収納できない本棚。
右：　PPP『SCROLL』
　小島有香子『月暈』の竹版、みたいな。

左：　シモン・ハイジェンズ『Lightweeds(光の雑草)』
　壁に雑草、草花の影が投影されるさまが幻想的。
右：　Regreenプロジェクト
　山梨に展開する地域開発プロジェクト。

最後に唯一行列のできている作品があって、あまり並ぶの好きじゃないけど
まあこれだけだからと、並んでみることに。
リュミエール兄弟が作った世界最初の映画を当時見た人の驚きを再現する、
のがコンセプトらしいです。

並ぶこと約10分。
暗くて画像ではよく分からないと思いますが10cmほどの間隔で置かれた
10枚ほどのスクリーンに映し出される汽車があたかも自分の方に
迫ってくるような迫力ある映像。

1時間ほどで見終えて、原宿はKDDIスタジオへ。

［去年までのピンクからデザインが変ったバッグ］

行った時間も良かったのかもしれない。
今年は午前中に行ったのですが比較的混雑してませんでした。
加えて今年は100％Designのテントが幅、高さともに大きくなり、
さらに去年までは並列展示だったコンテナ展と学生作品展が、
学生作品展をコンテナ展の屋上と立体構成にすることで
（たぶん）去年と同じ広さながらスペースを効率よく使っている気がしました。
ゆったり見ることができた。

スペースが空いた分、今年はJapanブランドExhibitionとBLICKFANGが
設置されてさらにボリュームアップ。
海外ものを扱うBLICKFANGは英語が苦手なのでさらっと流す程度にしましたが、
Japanブランドのほうは地場産業とデザインのコラボが面白かった。
これからのデザインの有効活用の一つの形なんだろうね。

さらに入口にはマツダのDemioのコンテナがずらりと展示。

テントの中は相変わらず撮影禁止なので言葉のみの報告になりますが、
去年まではただ展示してあるだけのものが多かったのに対し、
今年は展示説明員が多く、積極的に来場者に話しかけてきてくれた気がします。
おかげで一人で行ったのにも関わらずたくさん話したような気がします。

懐が寂しいのでとくに買い物はしなかったのですが、
去年のアーカイブだけは欲しかったのでこれだけ買いました。
オマケに単独では100円で販売しているエコバッグが付いてきました。

これはウレシイ。
エコバッグは前から欲しいとお思いつつ意外と値段が高くて買えなかったので。

コンテナ展は今年は産学協同プロジェクトとなっていました。
これも良い試みだと思いました。
いつもより熱心に見た気がする。

その屋上の学生展示も今年は学生が積極的に話しかけてきてくれて、活発的でした。
ちょうど課題で木製のイスを作ったこともあり、イスばかりに目が行ってしまいます。
その中でとくに気に入ったものをピックアップ。

今年もテーマは「ラブ」ですが、
今年はさらにエコを意識したデザインが多かった気がします。
僕の意識がそちらに向いていたのもあるかもしれないけど。

去年までの問題がクリアされている、ということは
僕と同じように感じていた来場者が少なからずいたんでしょうね。

なんにせよ行ってよかった。
行かなければこのイベントに失望したままでした。
来年も行きたいと思いました。

一つ心残りを言うならば、うちの大学の展示がなかったことです。
正確にはうちの学部、ですが。
多摩美の八王子の昼間部（美術学部）の展示はあるのに
夜間部（造形学部）の展示がない。
昼間部のレベルが高いのは認めますが、
だからといってけして夜間部が出品できないレベルではないと思う。

芸祭（文化祭）もいいけど、約10万人の来場者が来るこのイベントは
対外的にアピールできる絶好の機会なのだから、
もっと積極的に参加してもいいと思うんだけどなあ。
芸祭の活動の一環とすべきだよ。絶対。

うん、来年は提案してみよう。

［坂茂氏設計の美術館：　Photo by Architecture Potography］

ねむの木子ども美術館は、坂茂氏の設計のものが以前からあり、
藤森氏によるものは2007年4月に新規オープンしたものだそうです。

坂氏設計のものは外観はボックス型で四方の壁がガラス張りのもので、
中の天井の幾何学的な模様がいかにも坂氏らしい、と思いました。

藤森氏によるものはなんと言ってもその外観に特徴がありますよね。
トトロの世界に出てきそうなとんがり屋根には緑が植えつけられています。
実際には屋根の緑化活用にはまだまだ実用性については課題があるみたいですが
これからの都市にはこうした緑化活用した建物が必要だと思うのです。

人工的な、無機質な、幾何学的な外観はもはや人類の進化の象徴ではなく、
無知の象徴と化しつつあるのではないでしょうか。

ビルに緑を。