Tadaoh! Design

『国際家具デザインコンペティション旭川2008』

北海道は旭川で開催する木製家具のコンペ。
12月初旬まで作品を募集、翌年2月に予備審査、そこで35点ほど選出して
5月ごろ本審査、賞が決定するそうです。

予備審査は画像のみなので手軽に応募できるのですが、
いかんせん応募登録料に5千円（ネット登録の場合）かかるのがイタイ。
まあ本気で応募する人に的を絞り込もうという意図なんでしょうね。

予備審査に通ると実物を提出。
提出には二通りあって応募者自身が制作して送る方法と、
設計図を出して地元メーカーで制作してもらう方法。

審査員にはあの深澤直人さんもいます。
入賞者には最高300万円の賞金。

賞金が賞金だけにレベルの高いコンペみたいですが、
選外でも地元メーカーによる商品化のチャンスがあるとのことなので
面白いかもしれません。

これに応募してみるか。

「腰をかけるもの」
ただ一つのテーマなのに、みんなの作品は１つとして同じ形のものはない。
そこに人はそれぞれ違う、ということを強く感じ、その個性こそが
それぞれの能力だということを感じます。

集中力を増して良いアイデアが生まれる、僕はそんなチェアがほしかった。
授業のとき使っているスツールをコトコト揺らせながら考え事をするのが好きだった。
良いアイデアとは心地よいリズムの中で生まれるものだという経験・記憶から
ロッキング・チェアを作ることにしました。

座るときの姿勢、手の位置から矢印形状が生まれた。
理想ではシンプルでありながら奇抜なデザインの
リートフェルトのジグザグ・チェアのようなイスにしたかった。
加工期間、加工技術、加工設備の状況から、
座面と底面との接続は2本の丸棒にした。

スケッチ段階では何気ない選択だったのだけど、
完成後にもう一度コンセプトを考えたとき、
真横から見た接続棒の形状が">"型で第3の矢印になっていた。
自分が「指し示すこと」に強い思いをもっていることに気づいた。

アイデアとはゼロから生まれるものじゃない。
すでにある無数の情報の中から選択し、「指し示す」ことで明確になるもの。
チェアの動きをチェア自身が明確にする。スピード感を生む。

そういう思いからこのチェアを「Pointing Chair」と名付けることにしました。

製作前の段階では構造上本当に座れるのか強度が心配でしたが、
完成してみると補強加工と意外なほどのボンドの接着力の強さで
思った以上に丈夫でした。

1/5模型ともほぼ同じものができあがりました。

ただ安定度が想像した以上に不安定で、足を底面に乗せて座った場合、
バランスをとるのが大変です。
まあこれは予想外でしたが、バランスボールやロデオマシンのような面白さが
あってこれはこれで面白いかなと思います。
バランスが必要な場合は足を地面につけて座ればいいので、
本来の目的も果たしているかな、と。

あまりにメッセージ性が強いせいか、
「これってアートだね」って声がけっこう多かったです。
嬉しい反面、一応デザインの授業の中での成果物なので、
「良いデザインだね」って言われたいという思いもあって
ちょっと複雑な気分。

まあなんにせよ、3つ目のセッションにしてようやく自分なりに納得できるものが
できたような気がします。自信も多少なりともでてきた。

この作品をコンペに出そうと思ってます。

砕け散るかもしんないけど挑戦しなきゃはじまらない。

人工的に作られたものは人間が世話をしなければ生きていけません。
手入れをされない人工林は植林された木以外の植物が育つこともできず、
そこは木がありながらまるで砂漠のように荒廃している．．．

これが「緑の砂漠」です。

人間のエゴにより無理やり生まされ、そして無理やりその生を奪う。
そのエゴを満たすならまだしも、放置されたままなんて悲しすぎる。
人間ってなんて身勝手なんだろう。

これらの木を生かす手立てはないのだろうか。
デザインでこれらの木を生かす手立てはないのだろうか。

課題で木工制作をしてみて木の良さを実感しました。
エゴのために木を植えるならば、せめてちゃんと社会で利用されるようにすべきだ。
それが木に対するせめてもの贖罪なのです。

地球規模で見れば、排出権ビジネスは確かにエコだといえる。
地球規模で地球温暖化防止対策事業が活発化し、平均化されるでしょう。

しかし先進国は本当にやるべきエコ対策をやりきったのだろうか？

弱者を助けるのは確かにいいことだと思う。
でも助けるべき弱者は国内にもたくさんいるんじゃないか。
途上国への支援事業をやるなとは言わない。

でもその事業で事業国の排出目標を軽減する、というのはどうなのだろう。
同じ事業をするのであれば、物価の高い国内よりも物価の安い途上国に
事業が流出するのは至極当然のことではないだろうか。
日本の伝統工芸が海外の安い労働力で危機に瀕している状況に似ている気がします。

日本が削減すべきCO2排出量ってそんなに少ないのだろうか。
東京を見る限りまだまだって気がするんだけどなあ．．．

アイデア出しでは「デザインサーカス」梶本先生に、
実際の加工面ではもう一人の先生にすごくお世話になりました。
このチェアは木工加工のいろんな手法を学ぶ、という意味でも
良いモデルでした。

電動糸ノコで分厚い木材を切るときの耳を劈くようなキーキー音。
電動グラインダーでやすりがけするときに出る粉塵。
生涯初デビューのツナギと防護マスク、防護メガネが大活躍。
なにより木工加工は体力勝負。
作業の翌日はかなりぐったりです。

半ば体調を崩しかけつつ、期日までに本当に完成するのか、
構想どおりにきちんと「腰をかけるもの」として機能するのか。
座ったとたんバキっと作品が壊れ砕ける様を創造する毎日。
ものづくりの楽しさを感じつつも同時にそんな不安を抱く日々でしたが、

．．．ようやく報われた。

あとは来週月曜日の最終プレゼン。
プレゼン資料作らなきゃ。

［マカオWynnホテル］この姿が社会のあるべき姿には僕にはどうしても見えない．．．

講演内容は演目のとおり香港、マカオ、ベトナムと浜野さんが
訪れたアジアの都市の街並みをスライドで見ながら、
その街の特徴などを紹介していくものでした。

その中でマカオの紹介中にカジノの招致を盛んに訴えていたのが印象的でした。

僕は基本的にギャンブルをやりません。
ギャンブル運がないのと、本来労働の対価として受け取るべきお金を
ただ運で受け取る、というそのシステムがどうしても好きになれないからです。
だから僕はこれまでパチンコはおろか、宝くじすら買ったことがありません。

ただ、カジノによって税制上の優遇が受けられ、多くの産業の発展に繋がるという
利点があるのも事実なので一概にカジノは悪だ、と決め付けるつもりもないです。
あくまで好き嫌いの問題です。
頭固いよ、といわれそうですが好き嫌いの問題だからしょーがない。
もちろんギャンブルする人を否定する気はないし、はまりすぎなければ
適度な娯楽としていいのではないかと客観的には思えます。

僕としてはカジノを最優先としなくても地場産業を発展させれられる
もっとよい方法があると思うし、そう信じたい。

アジアの各都市の話の後、日本に戻って表参道の話をするときに
表参道ヒルズに話題がいって、そこで安藤忠雄さんを酷評されてました。

ただ表参道ヒルズの内部構造の悪さにより、客の回転率が悪くなっている、
という指摘はともかく、豪奢な表側のデザインに比べて殺伐とした裏側の
デザインはそれほど酷評されるべきものなのかな、と感じました。

一方で先日他界された黒川記章さんは評価されていましたが、
国立新美術館も奇抜な表側のデザインに比べて、裏側は表参道同様
殺伐としたデザインとなっています。これはどうなんだ、と。

僕自身は黒川さんも安藤さんもそれほど嫌いじゃありません。
表参道ヒルズも国立新美術館も好きです。
まあそれぞれ利点もあれば欠点もあるのでしょうけれど。
特異なものはとびきり良い評価と同時にときに酷評を受けるものなのでしょう。

これからの都市のあるべき姿を考える良い機会になりました。
やっぱスペース系も面白そうだなあ．．．

この本を読むと、たぶんデザインに対するイメージが変ると思う。

「洗練されてて、カッコよいもの」
たぶんそんなイメージがデザインにはあると思う。
実際僕もデザインを学び始めるまではそういうイメージを持っていた。

でもそれは偽りの姿、とは言わないけど、
デザインの一部の姿でしかない。
デザインは日常からかけ離れたものだけじゃなく、
むしろ日常の中に存在するもののほうが圧倒的に多いのだと思う。

この本はそのことを強く感じさせてくれます。

最初は子供の頃の記憶から始まり、
大学時代、メーカーでのインハウス時代、奥さんの病気、
家族の不幸、愛犬の死のエピソードなど、
物語の前半は先生の人生の軌跡が描かれています。

デザインには「経験」が必要だと思う。
それは「デザインの経験」ではなく、「人生の経験」という意味で。
だから俳優では天才子役がいても、
天才子供デザイナーというのはいない（．．．と思う）。

ぷっと吹き出しそうな面白いエピソードにも、
涙が出そうな悲しいエピソードにも、
デザインの"構成原理"が詰まっていた。

後半はデザインに対する"想い"や実際の作品などが
語られているわけですが、妙にカッコつけてるわけでもないのだけど、
要所要所でずしんと響く言葉がある。

ただ。
読み終わってふとデザインって一体なんなのだろう？という
正解のない問いがまたまたむくむくと膨らんだ。

「発明」がデザイナーの仕事なのだろうか？
「アイデア」出しはデザインの領分なのか？

やり遂げた感もないままにエンジニアを14年やってきて。
自分よりも一回り以上も年下の若者とデザインを学び始めてみて。

エンジニアは本当に自分には向かない仕事だったのか。
デザイナーと呼ばれる職種に自分のやりたい仕事があるのか。

悩みはつきない。
だから悩み続けるしかないんだな、きっと。

あ、でも。
どんなスタイルにしろ、ものづくりは楽しいです。
目や耳で見たり聞いたりするだけじゃなく、
五感を使って「みんなで経験してゆくもの」を創ってゆきたい。

なお、本書中には巻末の本人写真以外に一切写真がなく、
先生の作品も全部手書きのイラストしかありません。
これはこれで面白いのですが、やはり実際の作品の写真が見てみたい！
．．．という人は先生のWebサイトをご覧ください。

僕は本書中の「逆開きの傘」が好きだな。

日本古来の考え方、というか元々は茶道や書道におけるものだそうですが、
「真・行・書」というのがあります。

あくまで大学の授業で建築家の先生の講義を僕なりに解釈したものなので
根拠、正確性に欠けることをあらかじめ了承していただきたいのですが、

「真」は規則正しい、とかきっちりしてるという意味で、
書道で言えば楷書、
一方「草」は逆にくずれた、とか自由なという意味で、
書道で言えば草書、
「行」は「真」と「草」の中間で書道で言えば行書にあたります。

つまり「真・行・書」は物事の程度を表現するものらしいのです。

そして桂離宮はその「真・行・書」の様子が見事に表されてる例として
紹介されていました。

中国の建築は建物は対称に建てられるのに対し、
日本では非対称で建てられています。
日本的な美は非対称の美だとその先生は言ってました。

一見きっちりしているようで、全体的に見れば自由な配置になっている床脇。
増改築がしやすい構造の雁行型の建物。
きっちりした配置と自由な配置が混ざり合うの敷石。

「真・行・書」が見事に折り合う風情が日本の誇る美なのかもしれませんね。

その美をこの目に焼き付けて、
自分のデザインの「構成原理」としたいと思います。

［これもWikipediaから］

『これは倫理（モラル）の問題である』

ゴア氏が言うようにこれは政治の問題ではない。
技術の問題でもない。ましてやデザインの問題でもない。

僕らの「良心」を問う問題なのです。

その結果僕らになにができるのか。

人生の転機を迎えた時期にデザインと出会い、『不都合な真実』と出会った。
これははたして偶然なのか。はたまた必然なのか。

僕の中にはすでに答えは出ている。

．．．あなたは？

［中銀カプセルタワービル：　ARCHITECTURAL MAPより］

国立新美術館のオープン企画展ではじめてその存在を知りました。
国立新美術館のユニークな外観と共に
氏が手がけた建築の数、世界規模での展開に驚かされました。

その後都知事選への立候補や、どっかのバラエティ番組などで
見かけましたが、かなり変ってるなあ、という印象を受けました。
人間的には「？」な部分も多少あるお方のようですが、
彼が残してきた実績は尊敬に値します。

つい最近大学の講義で「メタボリズム」という言葉を知ったばかりです。
黒川氏はそのメタボリズムの代表的な担い手でした。
新陳代謝というその訳語が示すとおり高度経済成長時代に急速に拡大する
都市の新陳代謝に建物も有機的に成長させることで対応させる。
まさに日本の高度経済成長を助けた立役者ともいえるのです。

その後時代はポストモダンへと変遷してゆきます。

取り壊しが決まったとか決まらないだという銀座の中銀カプセルタワーが
急に見たくなりました。

氏のご冥福を心より祈ります。

［エトワール凱旋門］

グランダルシュはエトワール凱旋門とカルーゼル凱旋門を結ぶ線
（シャンゼリゼ通り）の延長線上にあり、つまりこの3つの凱旋門は
「パリの都市軸」と呼ばれる軸線上に並んでいるのです。

パリの街はこのように街の配置自体が歴史を物語るように、
都市計画されているそうです。
デザイン史の先生に言わせると、とてもしたたかな街だとか。

確かに日本にはない街の構造ですよね。

行きたいなあ、パリ。

［トップ画像の作品のタブロー：　これを売って作品の作成費に充てます］

wikipediaによればクリストの作品はランド・アート
（クリスト自身は認めてないようですが）といい、
大学の先生によれば彼は、「プロセスをデザイン」した人なのだとか。

巨大な建物や橋などを大きな布でくるむ。
無数の巨大な傘を建てる。

その規模の大きさゆえに作品設営には莫大な費用がかかるはずですが、
彼は一切スポンサーを持たないのだとか。
作品の完成予想図の絵（タブロー）を作品に賛同する人々に売ることで
その費用を捻出しているのだとか。

作品の宣伝と同時に必要経費を稼ぎ出す。
クリストには商才もあるというわけですね。

また、作品設営の労働力として、
職にあぶれた浮浪者などに職を提供することで彼らに生き甲斐を与える。
つまり彼の作品作りは社会的にも貢献している。

このように完成した作品の出来だけを問うのではなく。
作品の創案時から完成に至るまでの過程で、
彼の作品に関わる人にどういう影響を与えていくかを考える。
それが「プロセスをデザインする」ということなのです。

そしてその作品の特性上、作品を永続的に保存することはできず、
束の間に限られた人々の目に触れた後は記録として写真に残る他は
その姿は消え去り、人々の記憶の中に生きるのみとなる。

まるで人は永遠など創り出せはしない、というメッセージを
投げかけているようでもあります。

もしかして彼のスタイルが芸術家の真の姿であり、
必死になって修復作業をしながら作品の保存をしようとする行為のほうが
間違っているのか？

そんな疑問が浮かんできますが、完全に否定もできないし、肯定も然り。

同じものの中に2つの違う要素を合わせ持つ。
それが世の中の姿であり、受け容れるべき事実なのでしょうね。

朝起きて夜になったら寝る。
ただその当たり前のことができない。

なにが誇るべきもので、なにが大切なもので、なにを拠りどころにすべきなのか、
見えない。見えそうで見えない。

でも。
これまで経験してきたことは無駄じゃなかった。
それは今は分かる。
前の会社にいた頃はそれが分からなかった。

デザインには「経験」が必要なのです。
「体験」の蓄積。それがセンスをカバーしてくれるのです。

前の会社を辞めるまでの5年間、僕はプロセス管理の仕事をしていました。
それが今回の実習で何気なく生きてる気がします。

ものづくりは最初の設計が、上流設計が大切です。
そこをいかにしっかりこなすかでその後の流れが変ってくる。

まあ、モノが出来上がった後で言わなければ説得力ないですね。

さて、後半の製作頑張ります。

ジム･ランビー版	エルネスト・ネト版	渋谷清道版

ギャラリー1でジム･ランビー、
ギャラリー2で渋谷清道、エルネスト・ネトの展示という構成。

例によって会場内では撮影禁止なので、
今思い出しながら各ゾーンのスケッチを描いてみました。
相変わらず下手くそですが。

まずジム･ランビー。

[ジム･ランビーゾーンのスケッチ]

金･銀･白･黒のテープで埋め尽くされた床の上に
さまざまなオブジェが展示されています。

カラフルなペンキでペインティングされた鳥。
魔法の杖のような杖。
人が通れるほど巨大な鍵穴。
普段は床の上にあるべきものが壁におかれている2つのオブジェ、
鏡の破片でコーティングされた木の椅子と魔法の絨毯。

それぞれは日常の中に静かに存在するものも、
その大きさや配置を変えるだけで異空間の雰囲気を醸しだす。
そのコンセプトはマルセル･デュシャンの"レディ･メイド"を彷彿させます。

続いて渋谷清道のゾーン。

［渋谷清道ゾーンのスケッチ］

靴を脱いで暗くて閉塞的な空間に入り込むと．．．
天井に浮かび上がる無数の幾何学模様。
白地を幾何学図形で繰り抜いた部分から光が差し込んできて、
幻想的な情景が広がります。

一見人工的なシーンに見えますが、
自然界はよく見れば無数の幾何学模様の集まり。
逆に言えば無数にある幾何学図形群から単一図形を抜き取ることが
「人工的」なのでしょう。

無数でありながらシンプルな情景は、
まさに自然の有り様を分かりやすく明示しているのかもしれません。

そしてエルネスト・ネトのコーナー。

［エルネスト･ネトゾーンのスケッチ］

ポリエチレン繊維で埋め尽くされる1つの層がそこには広がる。
上面と下面の間は無数の円柱状の穴で接続されている。
下面の高さは腰を低くしなければ通れない高さになっていて、
腰を屈めながら鑑賞者は作品の中を進む。
穴の部分は顔が出せるほどであり、
そこから顔を出して覗いてみることで、
作品の体内にいるような感覚に見舞われる．．．

3つの作品に共通することは、
異空間は、異質な物質で構成されるのではなく、
日常的に存在するもので構成されている、ということ。
つまり、日常的に存在するものの大きさや配置、色や構成を
ちょっと変えるだけで異空間は現れる。
それは異空間は特別なものじゃなく、
まぎれもない現実であることを明示しています。

僕には異空間は人間のエゴのように見える。
エゴはどのようにも形を取れる。
時には異形の様相を呈することもある。

どこにでもあるような風景の印象派の絵も、
なにが描いてあるか一見分からない抽象画も、
いずれも同じエゴを形に表したもの。

意識することでエゴの姿は見えてくる。

エゴを見ることで、人のあるべき姿が、
人との関わり方が見えてくるのではないでしょうか。

続く収蔵品展で気になった作品をリストアップ。

　　・角島直樹『朝陽』
　　・川口起美雄『月が少し浮力を与えるⅡ』
　　・牧野環『共に舞う』

『朝陽』は中央に川が流れる林に朝陽が昇る様子、
『月が少し浮力を与えるⅡ』は月夜に照らし出される森の中の動物の張り子（？）、
『共に舞う』はつがいの鶴が飛び立つ様子を描いてます。

この三点が今回気になったのは水の描写の素晴らしさ。

大学でデザインを学ぶようになって、
絵（といってもスケッチ程度のものですが）を描く機会が増えて、
描こうと思えばなんでもそれなりに描けるんだなと。

でも。
水は描けない。
というより自然画はやっぱ難しい。

やっぱ自然ってスゴイ。

water展・シンボルマーク使用ルール

この展覧会のシンボルマークは、

　　「雨水（あまみず）利用を呼びかけるシンボルマーク」

として世界で共通使用されることを願って作成されたものだそうです。
この目的において積極的にこのシンボルマークを活用してほしいとのこと。

また、「逆さに傘を持っている人を青いシルエットにして使用することも可能」とのこと。

というわけでAikiboyバージョンを作成してみました。

雨水利用かあ．．．

ちょっと考えて思いつくのは、
洗濯機の初洗い用とか、トイレの下水に雨水を使えばいいんじゃないかなあ、
って思うけど．．．

エコといえば最近ではとかく温暖化にばかり目がいきがちだけど、
地球の7割以上も占める水のうち、本当に使える水は数パーセントにも
満たないことを考えれば、節水も真面目に取り組まなければならない
テーマではありますよね。

別に発表をしていた各学生を具体的に非難する気は毛頭ありません。

僕も現役学生の頃は社会の現実なんてまるで見えてなかった。
一度も社会に出てないのだから当たり前といえば当たり前。
だから荒唐無稽な夢を若者は語れる。
一方でその荒唐無稽さを社会は必要としている。
その荒唐無稽さが社会に新しい風を吹き込んでくれるから。
荒唐無稽さを現実にリンクするのは大人がしてくれる。
だから若者は大いに夢を語ればいいと思う。

しかし僕はそうはいかない。
この歳で大学に入ったのは荒唐無稽さを取り戻すためじゃない。
時間を遡ることができないように、荒唐無稽さを取り戻すことはできない。
取り戻すことができる大人もいるのかもしれないけど、
僕にはそれが正しいことのようには思えない。
これまで過ごしてきた時間を否定する気がするから。

どんなに過ごしてきた時間に意味が見いだせなくても、
その時間を否定することはしてはならないと思う。
今はそう思う。

積み上げてきた時間は財産だ。
それを負の財産とするか、正の財産とするかは本人次第。
ならば正の財産としたほうが得じゃん。

高専での卒業研究、デジハリでの二度（WebとJava）の卒業制作。
いずれも僕は真面目に取り組めず、中途半端に終わってしまった。
それが僕の現状の中途半端さを露呈している気がする。

だから僕はこの大学での卒業制作では、「形にする」［完成させる」ことにこだわりたい。
斬新さがなくても、スケールが大きくなくても、
自分のエゴと社会を結ぶ線をデザインという形でしっかり残したい。

1/5スケール模型を作ることは、
実寸大の実物を作る工程をシュミレーションすることでもある。

自分ではシンプルだと思っていたものが意外と複雑だったことが分かった。
スケッチ段階で先生にけっこう大変だよ、って言われていたけど
木工製作の経験は中学生の図工以来でほとんど経験がなかったので
正直実感が沸かなかった。

自分で模型を作ってみてはじめて「ものを作る」大変さを痛感しました。

でもおかげで加工方法、加工手順などが見えてきた。
実物の完成予想図がより明確になってきた。

完成した1/5模型をみて、自分の作ったその形がすごく好きになれた。
人に評価されるものを作ることも大事だけど、
まず自分が好きになれるものを自分で作れなければ意味がない、と僕は思う。
もの作りが楽しくなってきた。

こういう気持ちが必要だったんだ。
あらためてそのことに気づいた。

次は材料を発注していよいよ制作開始です。

「完成すれば面白いものになるんじゃない」
先生もそう言ってくれた。

完成させてやろうじゃないの。絶対。