Tadaoh! Design

会場は10のセクションで構成。

section 01　アートを生きる
section 02　住むための機械
section 03　共同体の夢
section 04　アートの実験
section 05　集まって住む
section 06　輝ける都市
section 07　開いた手
section 08　空間の奇蹟
section 09　多様な世界へ
section 10　海への回帰

section 01は画家としてのル･コルビジェの絵の展示。
建築家として有名なル･コルビジェですが、生涯を通じて
1日のうちの午前中は絵画に費やしたほどの画家でもありました。
ピカソに代表されるキュビズムを批判し、ピュリスムという絵画様式を唱える。
ピカソの絵の一つ一つの細かい要素を幾何学模様化し、
規則正しく整列させたような絵。
好みの問題もあるのでしょうが正直僕は好きになれない。
この絵がどのようにしてあの建築群に繋がるのか想像もできません。

section 02はかの名言「住宅は住むための機械である」がタイトル。
建築家としてのスタート期の作品などが展示。
ル･コルビジェというのは実はレスプリ･ヌーヴォーといった雑誌などで
建築論を語るときに使ったペンネームだったんですね。
本名はシャルル･エドゥアール・ジャンヌレというそうです。
ペンネームを持つ建築家も珍しい。

彼の建築家としてのスタート期であるだけに
その建築の原点のエッセンスとでいうべきものが詰まってます。
まずは新しい建築のための5つの要点。

　「ピロティ（柱）」
　「屋上庭園」
　「自由な平面（フリー･プラン）」
　「水平に連続する窓」
　「自由な立面（フリー･ファサード」

これらの要素が見事に取り入れられているのがパリ郊外のサヴォワ邸。
サヴォワ邸は外見上は地味な建物なのですが、中はすごくユニークな造り。
CGを駆使した内部解説も見事。
実物がすごく見たくなりました。

ル･コルビジェは建物のみならず、椅子や机などの家具のほか、
なんと車までも設計していました。
最小限の車体で最大限の利用価値を得られるという最小限自動車で
「マキシマム」と名づけられたこの車はあまりにも斬新過ぎて実現せず、
会場には設計図を元に作られた1/2模型が展示されていました。
今見てもけっこう斬新なデザインした。
家具のほうは現在でもLCシリーズと呼ばれるソファがカッシーナ社で
ライセンス製造されていて、会場にもサンプルが置いてあったので
座ってみたのですが長椅子はすごく座り心地がいい。
しかし値段は数十万単位とめちゃくちゃ高い。

section 03では公共建築物の紹介。
建築対象が小さな住宅からより大規模な公共建築物へ。
ただ当時はあまりにもそのデザインが斬新的過ぎて実現しなかった。

とくにソヴィエト･パレスは圧巻。
模型展示とCG画像が上映されていたのですが、
現在の建築と比較してもなんら遜色ない見事なものでした。
政治的な理由で建設が却下されたのは残念。
ここまでCGで再現できるのならどこかに立てればいいのになあ．．．

section 04は再びアートの紹介。
初期のピュリスムから脱却し、シュルレアリスムに接近。
．．．といってもシュルレアリスムがどんなものかはよく分からないけど。
以前の幾何学的な要素がなくなり、曲線が多くなりますが、
やはり個人的には好きになれない。ピカソに比べると面白みがなくお見える。
ここではパリのアトリエが実物大で再現されていました。

section 05はユニテ・ダビタシオンに代表される集合住宅の紹介。
いわゆるマンション設計なのですが、モデュロールという単位系が面白かった。
メートル法は万物の大きさを測る共通の尺度で便利ではあるけれど、
人間の快適性までは測れない。コルビジェは人体の各部の寸法を基本単位にした
単位系、「モデュロール」を提案し、このマンション設計に取り入れています。
黄金比までも取り入れたこの設計法は人間工学を研究しつくした上での
究極のデザインといえるかもしれませんね。
ピロティや屋上庭園などここでも「新しい建築のための5つの要点」が
取り入れられています。

ユニテ･ダビタシオンの１戸分の原寸大再現セットが展示してあり、
その快適性が体験できます。やはり現在のマンションと比較してもなんら
遜色ない、見事なものです。

section 06はかの有名な著書「輝ける都市」がそのままタイトルとなってます。
建築対象の巨大化はとどまるところを知らず、ついには都市そのものまでも
デザインしちゃいます。その多くはやはり斬新的過ぎて実現しなかったものが
多いですが、アルジェの都市計画での住宅（マンション）の上を高速道路が走る、
という構想は今聞いてもとても斬新で、土地の有効活用に繋がる気がする。

section 07は唯一実現した都市計画、インドのチャンディガールの都市建設
の様子が模型と映像で紹介されていました。
高層ビル群までは実現しなかったものの、一つの都市を創ってしまう、という
そのスケールの大きさに脱帽です。

section 08はル･コルビジェが建設した３つの宗教建築の紹介。

まずは最も有名な作品の一つである「ロンシャンの礼拝堂」。
建物があたかも歪んでいるか、傾いているような感のする
不思議な曲線を多用した建物。見ていて飽きません。

２つ目は「ラ・トゥーレット修道院」。
こちらはうって変わって厳格な幾何学的構成。
ロンシャンの礼拝堂を見た後ではちょっと地味で味気ないですね。

最後がフィルミニのサン･ピエール教会。
この教会はコルビジェの没後、その助手の仕切りにより
2006年にようやく完成したもの。
とんがり帽子のような屋根が特徴的。

section 09は海外のコルビジェの作品群。
日本での唯一のコルビジェの建築物である国立西洋美術館、
ハーバード大のカーペンター視覚芸術センター、
チューリッヒのル･コルビジェセンター、
フィルミニの文化の家などが紹介されています。

上野の国立西洋美術館ってル･コルビジェの設計だったんですね．．．

section 10は晩年のコルビジェ。
住宅から果ては都市まで。
極限まで巨大化していったコルビジェの建築も
晩年、最後に到達したのは「カップ･マルタンの小屋」と呼ばれる
妻のために建てた小さな小屋。

実物大のセットが置いてあったのですがそこはまさに
都内の一人暮らしの若者が住むような部屋。
この小さな部屋にも"モデュロール"が取り入れられています。
そこに彼はなにを見出したのでしょうか。
よくは分からないけどなんとなく幸せな気分になれた。
それがきっと彼が生涯をかけて追求してきたものなのだろう．．．

．．．そんな気がしました。

最後に図録購入。

3,990円とちょっと高めだったけどとてもいい展覧会だったので。
とても満足したので。
コルビジェがますます好きになったので。

ああ、でも。
ますます本物を見たくなったなあ。
フランス行きて～。

* コルビジェの設計したチェア（現在でも買えます。興味ある方は写真をクリック！）

まずは再認識させられたことは、
デザインはけして上辺を飾るためのものだけではない、ということ。
優れたデザインはデザイナー自身はもちろん、生産者、技術者、消費者など
そのデザインに関わる人全てに優れた機能を提供する、ということ。
そのデザインをするために他の要素を犠牲にしなければならないデザインは
けして「良いデザイン」とはいえないこと。

キーワードその１．MAYA段階

Most Advanced Yet Acceptable（最も前進した、しかしまだ受け容れられる）
最もよくデザインされたものが最もよく売れるわけではない。
利用するユーザの理解がなく、かつ旧来のものから大きく変化のあるものほど
ユーザはそういうデザインを敬遠する。

例えユーザが誤った理解を持っていたとしても、
デザイナーはそういったユーザをも無視して理想に奔ってはならない。
かといって理想を捨て、現状に甘んじるデザインをしていてもならない。
デザイナーが最も良いデザインを提供し、
ユーザーがそれを受け容れることのできる状態。
それをMAYA段階と呼び、デザイナーは現実の仕事をこなすと同時に
常に社会をMAYA状態へ導くための努力をしなければならない、とローウィは説く。

キーワードその２．内方傾斜（Tumble Home）

舟の舷先のように二本の両舷が並行するのではなく、
お互い内側へ傾きあい、舷の延長先では一点に集まるさま。
当時の主流であった角ばった直方体デザインからの脱却した
このデザインはローウイの代名詞にまでなったとか。
現在でも多くの流線型デザインはこの内方傾斜の原則に則っていますよね。

参考になることが多い一方で大いに反発するところが二点。

まず一点。
「麒麟は機能的には優秀であろうが、醜悪である（P250）」

動物の機能は動物自身が決めること。
外観の美醜は個人の好みによるところ。
そして動物の姿形というものは我々人間が思う以上に「理由」があるもの。
人間が忌み嫌うゴキブリにだってその身体の構造には理由があるはず。
人間の創造物に対して美醜や、機能･デザインをあれやこれや言うのはかまわない。
でもそれ以外の自然が作ったものを人間があれやこれや言うのは
傲慢以外のなにものでもない。

もう一点は「エコロジー」の考えがデザインに反映されていないこと。
大量生産を最優先する考え方が目立っていた気がする。

まあでもこれは時代背景を考えれば仕方ないのかな。
この時代、地球は限りなく大きく、人類の行為が地球に深刻な影響を与えるなんて
想像もできなかったでしょうし。
これはこれからを生きる我々が考えていかねばならない命題ですね。

あらゆるものをデザインし、最後は「時間」までもデザインしようとする。
デザインの可能性を社会に広くアピールしたことは人類にとって大きな貢献で
あったと思います。

「不易流行」という言葉が最近僕のキーワードとなっています。
物事には変わってゆく部分と変わらない部分がある。
変わらないものは見えやすく、変わるものは見失いやすい。
僕は技術が「変わらない部分」で、デザインが「変わってゆく部分」だと思う。
だから技術は図式化や数値化などで多くの人がその形態を共通認識しやすい。
反面デザインは刻一刻変わっていくものだから表現が難しく共通認識しにくい。

でも変わる部分が必ず存在する以上、デザインも必要不可欠な要素なのです。
そのことをレイモンド･ローウィは最初に証明した人なのではないでしょうか。

しかしどんな名著も時代変われば色褪せるというもの。
著名なデザイナーが再度この原著を見直し、
余分なジョークは割愛し、写真はカラー化し、必要な箇所は解説付で
意訳してくれればこの本はまたとないデザイン入門書となると思うけどなあ．．．

［渋谷シネ・ラ・セット］
　前方席が写真のようにテーブル席になっていて珍しい。
　ただシートは固いので後方席の最前列に座りましたが．．．

幼いながらも親に気を使い、自分を押し込めてきた韓国の少女。
奈良さんの絵を観て少女は自分の想いを親に告げる。
「わたし、画家になりたい」
奈良さんの絵に少女はなにを見たのか。
「あの少女だけが僕の絵をちゃんと観てくれていた」
そう語る奈良の心中はいかほどのものだったのだろうか。

記者のインタビュー。

「貴方に影響を及ぼしたのは美大のどの教授ですか？」

「いや、僕に影響を及ぼしたの"孤独"です」

美大を卒業後すぐ、ドイツでの海外生活を12年。
言葉の通じない国での慣れない生活。
その孤独が彼を育てたという。
そう言われればあの刹那的な表情もなんとなく分かる気がする。

「自分のことを話すのは苦手なんです。
　だから自伝を書いた。」

そう話す奈良さんの表情には12年の孤独な生活からくる
言葉でのコミュニケーションへの苦手意識を感じました。
なまじ言葉だけの表現で満足したりしてる人間には
芸術やデザインはできないのでしょうね．．．

無精ひげにくわえタバコ。
殺風景なアトリエに無造作に書きなぐるような描画法。
およそ世界的に有名な画家とは思えない質素な生活。
シュールで幻想的な画風からはかなりのギャップを感じましたが、
それは心の純粋さを守るための「殻」のような気もします。

日本に戻っていろんな人と仕事をするようになって、
奈良美智の絵は少しずつ変わってきた。
以前は描けなかった絵が描けるようになった。
反面、以前は描けていた絵が描けなくなった。
それが良いことなのか悪いことなのかは分からないけど。
．．．奈良自身がそう語っていた。

孤独を知っているから、人との繋がりの大切さが分かる。
奈良さんの絵が変わってきたのは至極当然なことではないでしょうか。

「不易流行」。
デザインの授業で教わった言葉ですが、
物事には変わっていく部分と変わらない部分がある。
双方の本質を把握できなければいいデザインはできない。

どんなに変わっていっても奈良さんの絵は奈良さんの絵だとすぐ分かる。
これぞ「不易流行」の理想のかたちではないでしょうか。

ますます奈良さんが好きになりました。
作品集の一冊くらい欲しくなったな。
昨年彼の地元青森県弘前市の酒屋のレンガ倉庫で開催された
「A to Z」には行きたかったなあ．．．
ちょうどその頃東北に遊びに行ってたから知ってれば行ったのに～！

まずは入口。

迎賓館が併設されているみたいですが、
僕は貴賓じゃないのでもちろん迎賓館には行けません。

入り口入ってすぐのところにチケット売り場があって、
そのあとに続く美術館までの小径。

ちなみに庭園のみの入場料は大人200円。大学生は160円。
美術館に入館する場合はその入場料に庭園入場料が含まれます。
美術館入館料はその都度開かれている展覧会にて定められているようです。

で、美術館外観。

この日は「大正シック」という展覧会が開催されていましたが
あまり興味をそそる内容ではなかったので今回は外観を眺めるのみ。

丸い出窓。

この辺がアール･デコなんでしょうか。

美術館の玄関から眺めた中庭。

ドーム状のポーチからもアール･デコがうかがえますね。

庭園部は美術館傍の芝生広場と西洋庭園、日本庭園の3つで構成されてます。

まずは西洋庭園。

イス、テーブルが置いてあって、ここでお昼ご飯を食べました。
緑が気持ちよくくつろぐには最適な場所ですが、
庭園外の道路の喧騒がちょっと気になる。
もう少し外壁に防音用に植林してくれるといいなあと思いました。

日本庭園。

趣のある池と茶室が和風の雰囲気を醸しだしています。
イスやテーブルは一切なく、歩きながら干渉する、といったところ。
なかなか悪くないですが、兼六園の見事な景観がまだ記憶に新しい僕には
ちょっと物足らなかったなあ．．．

なかなか心和ませてくれるいい場所でしたが、
都心にいながら都心の喧騒を忘れさせてくれる場所なら
やはり明治神宮の「清正の井」をオススメします～

追記：　2007/11/21

DVD出ましたね。見逃した人はDVDでチェック！

このDVDをAmazonで買う

この本ではヨーロッパ、アメリカ14カ国38都市の著名な建築が
紹介されています。

この本を見ていてとくに興味を惹いた建築家三人。

およそ統一感、というものが見られない爆発的な外観。
ちょっと岡本太郎を連想してしまう。
フランク・O・ゲーリーはアブダビのグッゲンハイムの模型で興味を持ち、
この本でスペインはビルバオのグッゲンハイムの写真を見て、
ますますこの人の建築をじかに見たくなった。
ビルバオ空港をデザインしたカラトラバの橋にも行ってみたい。

ル･コルビジェは今度森美術館で開催される展示会で知ったわけですが、
フランスのロンシャンの礼拝堂がスゴク気に入った。
幻想的な白に不思議な曲線。
近代建築のヴィジョンを形にしたというサヴォア邸も見てみたい。

そしてもうひとりのフランク、フランク･ロイド･ライト。
NYのグッゲンハイムへは行ったけど外観は工事中だったし、
落水荘にも行けなかった。
彼が手がけた中では一番規模が大きいという
サンフランシスコのマリン郡庁舎も壮大で圧倒される。

ああ、えーなー。
やっぱ見にいきたい！

．．．と作品のインスピレーションも得られず、
ただ見にいきたい衝動に駆られてもんもんしてしまったひと時でした。
でもやっぱこの本いいです。
買っておきたいかも。

記念すべき最初の応募は「OPUS DESIGN AWARD 2007」。

メガネのデザインです。
毎日かけているものだけど。

まだラフ案も固まらない。
でもとりあえずエントリーしてみました。

動き出さなきゃね。
なにはともあれ。

* コルビジェの設計したチェア（現在でも買えます。興味ある方は写真をクリック！）

［チケット］

入口ではテーマにちなんで1口サイズのチョコレートを配布。

会場は主に3つのゾーンで構成。

１．チョコレートでさまざまなものをデザイン
２．チョコレートを想起させるデザインたち
３．エトセトラ

１．ではバレンタインの大本命チョコレートとして、
本物の本物の心臓の形をしたチョコレートや、
二次元の絵のように見える立体チョコレートが面白かった。
通常3Dで二次元を三次元立体のように見せるものはよく聞くけど
その逆は珍しいなあ、と。これぞ逆転の発想ですよね。

２．ではチョコレート色のハイヒールや皿などのモノの展示、
チョコレートを包む銀紙で包んだ壺、スプーン、フォークの展示、
チョコレートを想起させる映像の上映など。

中でも面白かったのはメディアアーティスト、岩井俊雄の「モルフォチョコ」。
回転台の上に乗ったチョコレートが回転をはじめると上から照射される
特殊な光線の具合でチョコレートが歪んであたかも融けているように見えます。
人間の残像減少を利用したものなんでしょうがなんとも不思議でした。

３．のエトセトラではその名のごとくエトセトラ。
いろんなものが展示。
チョコレート色のコンセント、チョコレート色の±0の加湿器、
チョコレートまみれ（ホントは泥まみれ？）のインスタレーション映像、
などなど。

なんだかんだで1時間では見きれないほどのボリューム。
1時間半ほどいたのかな。

イベントに行った時点で本展のカタログはまだ完成してなくて、
2,3ページのみの印刷見本であとは白紙、というサンプルのみ。
1,575円で予約受付してましたが、このサンプルではどうにも買う気になれず。
やはりこういう類のものはイベントと同時に現物が現場にないとね。
．．．というわけで今回はパス～

でもまあ期待以上のイベントでした。
7月29日までやってますので興味ある方はぜひ～

この映画を薦めてくれたのは美大のデザインの先生でした。
なぜデザインの先生が環境ドキュメンタリーを薦めたのだろう？
最初はそう思いました。

僕は正直政治不信です。
政治家なんて誰もが私腹を肥やそうとしている汚い連中ばかり。
「不都合な真実」なるものはけして世間に公表しない。
それを盲信しているわけでもないですが、選挙なるものには
一度も参加したことはない。

だからアル･ゴアに対しても最初は懐疑的でした。

しかし。
世の中には政治を世の中を良くするために利用しようとしている
政治家もいるんだなって思えた。

そりゃ大統領を目指すほどの人間には野心もあったでしょう。
しかしただ野心だけで千回以上も世界各地で講演したりできるだろうか。
この映画はその講演の様子、講演で使われるスライドを中心に
いかに今地球が危機にあるか、をあらゆるデータで説いています。

その巨大さゆえに自分たちの所業が
地球を危機に追い込んでいることに気づかない。
地球に比べればアリのような人間の存在が地球に影響を及ぼすはずがない、
という思い込み。

　　「災いを引き起こすのは、"知らないこと"ではない。
　　　"知らないのに知っていると思い込んでいること"である」
　　　by マーク･トウェイン

アル･ゴアはその"思い込み"を解くために世界各地を飛び回っている。
世界中の氷が解けている事実。
ここ二、三十年の世界中の二酸化炭素濃度がこの65万年の間で
例を見ないほどに急上昇している事実。
このままいけば世界中の海の水位が６ｍ上昇し、
世界中で1億人の難民であふれることになる事実。

大切なのはそれが真実かどうかではなく、
真実だと信じきれるかどうか。
いつまでも自分が政治不信でいることが自分にとっても、
周囲にとっても、社会にとってもいいことだとは思わない。
アル･ゴアは信じるきっかけを僕に与えてくれた。
彼を信じてみるのも悪くないかもしれない。

次の世代が安心して幸せに暮らせる場所を。
それが今を生きる僕たちがやらなければならないこと。
そのための第一歩としてまずできることはこのドキュメンタリーの宣伝。

いまさらですが。
この映画を観てください。
本を読んでください。

「あたりまえの明日」などけしてないことを実感してください。
かけがえのない明日を迎えるために「不都合な真実」に目を向けてください。

今ならデザインの先生がこの映画を薦めてくれた理由が分かる気がします。

左側は大学でもらったチケット。
右側はMOMATの常設展示用。
MOMATでは特別展チケットで常設展も無料で観れます。

　　昭和のはじめ、
　　芸術家たちの集った街、池袋モンパルナス。
　　その中に、驚くべき幻想世界を描きだしたひとりの画家がいた。
　　その名は、靉光。
　　（パンフレットより）

絵の解説に"シュルレアリスム"というキーワードがでてきますが
まだシュルレアリスムがよく分かってないのでいまいちピンとこない。

パンフのの謳い文句のとおり、その絵はおよそ幻想的。
一見してその絵がなにを描いているのかよく分からない。
抽象画に近いものがあるのでしょうか。
その一方でリアルで繊細な絵を描いていたり、
奈良美智チックなシュールな絵もあったり。
心の底面から表面まで幅広く描ける多彩な画家のようです。

しかし幻想的な絵はあまりに幻想的過ぎて、
一度観ただけではどんな絵だったか記憶に残せないほど不明瞭で、
リアルで繊細な絵は地味でやはり記憶に残らない。
大多数の絵は壁に飾って人に見せたい、いわゆる「美しい」絵ではない。

ただその中でも何点かは強烈なインパクトをもって記憶に刻み込まれる
ものも何点か。

　　《眼のある風景》
　　《シシ》
　　《馬》

この三点はよかったな。

人に見せる、ということよりも自分の中のものを表現することに徹底した。
そんな画家のように感じました。

二千円の図録は今回はパス～。
上記の三点の作品は良かったですが全体的にはあまり好きな作風ではないし。

会場は本館の第1会場と平成館の第2会場の二会場で構成。

まずは本館の第1会場へ。

ここは『受胎告知』一点展示のみ。
会場入場前には金属探知を使った手荷物＆ボディチェック。
そしてたくさんの人。
よっぽど貴重な作品なんだねえ．．．

［受胎告知．．．もちろん会場は撮影禁止なのでこれはネットから］

作品のイメージは授業ですでに観ていたのですが
やはり本物は違いますね。
迫力というか、なんというか。

．．．うーん、まだまだ表現力が乏しいのが悲しい。

この絵にはダ･ヴィンチのあらゆる天才性が詰まっているわけですが、
この時点では授業で教わったルネッサンス期の遠近法が本格的に
使われている、程度の予備知識しかなくて。

この絵を堪能するなら先に第二会場でダ･ヴィンチのあらゆる偉業の数々を
鑑賞してからをオススメします。

．．．とまあこの絵の真価もよく把握しないまま
第一会場をあとにして第二会場へ。

およそ10分で観終わった第一会場とうって変わってこっちはボリュームたっぷり。

前回の森美術感で展示していたのはレスター手稿がメインですが
こちらは作品としては『受胎告知』のみ。
あとは高精度のデジカメプリントと
いくつもの手稿、史料に基づいて作成された模型や映像などで
ダ･ヴィンチの数々の偉業が紹介されています。

美術展示というよりはもう科学展示を観ている、といったほうが
いいのかもしれません。

会場は6つのセクションで構成。

　Ⅰ．レオナルド・ダ･ヴィンチの生涯
　　　絵画作品を中心とした年表を辿りながらレオナルドの生涯をたどります。
　　　《受胎告知》《東方三博士の礼拝》《キリストの洗礼》の三点が
　　　日立の高精細度デジタルプリントで原寸大複製。

　Ⅱ．《受胎告知》－思索の原点
　　　受胎告知の分析。

　■映像シアター
　　Ⅱ－Ⅲの間に映像シアターがあって3本の映像解説。
　　・《東方三博士の礼拝》再見－絵の背後にあるもの
　　・レオナルドの巨像　スフォルツァ騎馬像の挑戦
　　・海沿いの山－レオナルドの《受胎告知》
　
　　天才の考えたことを凡人の僕が理解するのはなかなか難しいわけで。
　　こうした映像解説はとても助かります。
　　「受胎告知」は正面からではなく、絵に向かって右斜めから
　　鑑賞したときに一番良く見えるように描かれていたんですね～
　　遠近法と黄金比の組み合わせによる描画方法も面白かった。

　Ⅲ．レオナルドの書斎
　　　あらゆる分野にその才能を発揮していたレオナルド。
　　　しかしその天才もゼロから生まれたわけではない。
　　　膨大な資料から、先人の教えに学ぶことも多くあったようです。
　　　その先人の資料とそこから生まれた道具などを紹介。
　　　楕円を描くコンパスや放物曲線を描くコンパスなどが面白かったなー。
　　　現代版の文具として売られてないのかなあ。
　　　あると便利だと思うのだけど。

　Ⅳ．「かたち」のとらえ方
　　　数学者としての側面が垣間見られるコーナー。
　　　人体の各部分の構成比率を幾何学的に説明しているのが興味深かった。
　　　数学の苦手な僕もついつい引き込まれてしまいました。

　Ⅴ．万物の「運動」
　　　物理学者としての側面ですか。
　　　物理は苦手なのでちょっとちんぷんかんぷんになりながらさらっと。

　Ⅵ．絵画への結実
　　　さまざまな分野に追求を重ねながらもやはりそれらの最上位に
　　　あるのは絵画だと考えていたレオナルド。
　　　とうわけで最後の締めくくりはやはり絵画関係で。

絵画と数々の科学的なデータが違和感なく融合しているさまは
まさに今僕が勉強しているデザインに通ずるものがあるように感じました。

夕方5時に入場して結局閉館時間の夜8時までみっちり3時間観ちゃいました。
最後にショップで二千円の図録を迷わず購入。

高精細度のデジタルプリントレプリカも売られていましたが
やはりとても高額なので観るだけ。

いやー、ダ･ヴィンチやっぱ面白い。